Tema 5 Primaria.- Visualidad e identidad. Visualidad y narratividad

 

Tema 5 Primaria.- Visualidad e identidad. Visualidad y narratividad

 

 

 

 

1.       Imaginarios.

 

Todo lo que nos rodea lo que vemos y observan nos influye y causa un efecto sobre la humanidad, es muy importante tener un visión propia, pensamientos personales y ser libres de pensar de una manera u otra, todo lo visual nos lleva a pensar o actuar de una forma u otro.

 

Las personas somos perchas que nos colgamos identidades, nuestra tarea es intentar que los alumnos construyas su identidad.

 

Los niños deben aprender a mirar y después reflexionar y pensar las cosas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Lo real, lo imaginario y lo simbólico es en psicoanálisis la estructura formada por las tres instancias (registros) del inconsciente de las teorías del psicoanálisis planteadas por Jacques Lacan, y ampliadas por el filósofo Slavoj Zizek.

Lacan también formuló los conceptos de lo Real, lo Imaginario y lo Simbólico, que utilizó para describir los elementos de la estructura psíquica humana. La noción de Lacan de lo Real es un concepto muy complicado precisamente porque es algo ajeno a lo imaginario o a lo simbólico aunque con lo imaginario y lo simbólico esté siempre relacionado. Lacan trató de ejemplificar a lo real en sus últimos años de manera estructurada al estilo de la teoría de grupos, como matemas (ver: nudo borromeo). Lo Imaginario, o aspecto no-lingüístico de la psique, formula el conocimiento primitivo del yo en tanto lo Simbólico, término que utilizaba para la colaboración lingüística, genera una reflexión a nivel comunitario del conocimiento primitivo del yo y crea el primer conjunto de reglas que gobiernan el comportamiento. Lo Real es la realidad no imaginada y menos aún verbalizada, siempre presente pero continuamente mediada por lo imaginario y lo simbólico, es por lo imaginario y lo simbólico que el ser humano tiene un “sentido común” que le da la noción de la realidad pero esta noción de realidad es siempre parcial, en perspectiva e incluso engañosa hasta la ilusión (ejemplo de un “sentido común” y una realidad engañosa es la ilusión según la cual el sol y los planetas giran en torno a la Tierra, hizo falta un gran esfuerzo de imaginación y simbolización para develar que tal realidad era falaz).

Lo Imaginario se funda -tal cual su nombre lo indica- en el pensar con imagenes, en tal aspecto Lo Imaginario es el reino de la identificación espacial que inicia en el estadio del espejo y es uno de los factores fundamentales del psiquismo humano. Es en este proceso que el sujeto puede identificar su imagen como el ‘yo‘, diferenciado del ‘otro‘. Sin embargo, este proceso requiere una cierta enajenación estructural dado que lo designado como ‘yo’ es formado a través de lo que es el Otro —esto es, mediante la imagen que como en un espejo le da el otro (empíricamente tal proceso psíquico tiene mucha afinidad con el “imprinting” que estudia la etología).
Sin embargo no basta con poseer una noción de la propia imagen corporal (que como se ha visto procede de otro); el Sujeto propiamente dicho recién se desarrolla mediante su incepción en el orden (ver la ley) Simbólico (orden del lenguaje verbal y orden de la cultura), momento en el cual el infante adquiere la habilidad de utilizar el lenguaje —es decir-, de materializar “su” deseo mediante el discurso y con un pensar basado en símbolos.

 

Las imágenes son injustas y provocadoras, lo justo sería la igualdad y la libertad, sin machismo (los hombres preservan su intimidad y no son objetos), las mujeres somos objetos nos compran por dinero y esto lleva nos lleva a la prostitución. Esto nos afecta en nuestro comportamientos y en como nos hacemos ver (autoimagen) , que es un juicio sobre mí desde otro sería un injusticia.

 

 

 

 

 

Todas las animadores son mujeres sirven para: excitar al público, y estan clasificadas.

 

 

Se crean estereotipos de sociedad. (Se graba todo y la vida ocurre en la pantalla).

 

 

Creemos que somos libres pero detrás de las imágenes hay un poder mayor intentando manipularnos a su antojo, como marionetas inconscientes a la cual le mueven los hilos sin poder hacer nada.

 

Mito de la caverna

 

 

 

 

  

 

 

 

 

 

 

Sin tetas no hay paraíso, La serie más vista en 2008

 

Catalina es una joven de 17 años, buena estudiante y buena hija, que convive con su madre Fina y su hermano Jesús. Su padre abandonó a su madre cuando esta era pequeña, y desde entonces Jesús se convierte en un padre para Catalina, deja de estudiar y se pone a trabajar para poder darle un futuro a su hermana y ayudar a su madre. A pesar de ser tan dulce y risueña no ha encontrado la felicidad plena, pues tiene un complejo: su falta de pecho.

Todo va bien hasta que un día se reencuentra con un antiguo amigo de la infancia, Rafael Duque. Este antes convivía en el mismo barrio de Catalina, eran vecinos. Rafael tiene un hermano mayor, Lolo, del que desde pequeño tuvo que hacerse cargo por orden de su madre. Tuvo una infancia dura ya que su padre propinaba palizas a ambos hijos, pero su madre siempre protegía a su hermano mayor, Lolo, mientras que él tenía que refugiarse en la casa de Catalina. Todos estos hechos de su infancia lo marcaron para siempre, y por no tener cariño y amor de su madre se convierte en un joven ambicioso, capaz de cualquier cosa por conseguir sus objetivos, por lo que empieza en su juventud a relacionarse con las drogas y actualmente es uno de los narcotraficantes más importantes del país. Es por esto por lo que se hace rico, tiene muchos coches, una casa enorme… Todo el mundo lo llama el Duque (Miguel Angel Silvestre).

Tras el reecuentro con Catalina, se ven varias veces y la joven se enamora de él, se acuestan… La primera vez que lo hicieron, a Catalina le daba vergüenza de que Rafa la viera desnuda, pero más adelante le da igual; comienzan una relación que cambiará para siempre la vida de Catalina, ya que se mete en un mundo del que es difícil salir, relacionándose con el mundo de la prostitución y de las drogas en compañía de sus amigas, Jessi, Vanessa, Cristina y Paula. En la segunda temporada se puede ver como es el Duque el que necesita mucho más a Catalina que ella a él, ya que esta cree que mató a su hermano. Ella le transmite información sobre los contactos de su marido, Miguel Cortés, para destruir su negocio. Averigua y se entera que Duque no mato a su hermano cuando descubre que Rafa la quiere de verdad decide dejar a Cortes. Pero este secuestra a Paula que esta embarazada. Cortes la amenaza que si se marcha le hara daño a sus amigas y a su familia. Por ordenes de su marido le dice a Rafa que ya no le quiere. Duque se entera y decide colaborar con la policía para poder estar con Catalina. Cuando Catalina se entera se reconcilia con él. Un día decide irse con el pero se desmaya Catalina cree que esta embarazada pero lo que es que le están envenenando. Gracias a un amigo de Moreno descubren que las están envenennando cambian las pastillas y finge estar todavía enferma. Martinez empieza a colaborar con la policía se enteran de que el comisario le ha pasado información a Cortes y finalmente lo detienen. Catalina sigue fingiendo y habla con el duque por el móvil, un día Elena (hermana de Cortes) encuentra unas pastillas que estaban enterradas y así se entera de que no las ha estado tomando. Catalina ve que la ha descubierto intenta escapar pero Cortes le pega y cae desplomada al suelo. Finalmente, Catalina mata a Cortés, después de que este maltratara brutalmente a Rafael. Más tarde, Catalina y Rafa se escapan, pero Catalina debe ir a ver a su sobrino al hospital. Mientras Rafael debe distraer a sus amigos sudamericanos, y hay una pelea en el desguace, donde el Duque termina herido. Finalmente, Rafa, Jessi y Cata se marchan para al final llegar a su destino, la costa de Marruecos. No obstante, Rafa y Cata son encontrados por Morón y sus hombres antes que por la polícia. Morón dispara a Duque después de suponer que el sudamericano estaba muerto, y Rafael muere, y Catalina es detenida y condenada a 13 años de pena en la prisión.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Aun sabiendo el triste final en el que acaba Catalina, la protagonista, son muchas las que sueñan con tener esa vida, ese amor prohibido pero perfecto que aunque le hace pasar momentos pésimos tiene su recompensa, él.

 

 

Los imaginarios cambian, están en continuo proceso.

A veces, las imágenes se alimentan de imágenes anteriores, que a su vez son fruto de interacciones con imaginarios previos.

 

LA RELACIÓN ENTRE LAS IMÁGENES Y LOS IMAGINARIOS ES CONTINUA; CAMBIA SIN PARAR, A LA VEZ QUE CAMBIA EL MUNDO

 

•         Nuestro análisis de las obras deberá tener en cuenta no solo la forma o los datos históricos sino también la relación entre las obras y  los imaginarios u otras obras

•         A través de estas relaciones se abordan cuestiones fundamentales para entendernos como personas, tales como la diferencia de género, la concepción de la vida y la muerte, las relaciones interpersonales, etc…

 

Las producciones (los “trabajos”) de nuestros alumnos también están influidas por los imaginarios y son ellas mismas creaciones dialécticas.

No sólo se trata de que los niños pinten para aprender o expresarse, también tenemos la posibilidad de incluir objetivos conceptuales más ambiciosos.y de reflexionar con ellos sobre las imágenes y sobre sus propios trabajos o modos de actuar.

 

 

 

2.- LA IDENTIDAD ES UNO DE LOS ASPECTOS FUNDAMENTALES
 PARA TRABAJAR  EN LA ESCUELA.

 

Las imágenes influyen de tal manera que crean estereotipos o canon de bellezas que son negativos para la sociedad. Nunca nos encontramos a gusto con nuestro físico porque hacemos una comparación con modelos perfectos los cuales intentamos imitar y esto es algo negativo y muy perjudicial.

 

 

 

 

 

Este tema es muy interesante e importante, tenemos que reflexionar sobre todos los temas tratados.

 

 

 

Tema 4: ¿Por qué existen las imágenes?,Sociedad del espectáculo.

 

 

Tema 4

- ¿Por qué existen las imágenes?
- Sociedad del espectáculo

 

 

 

En el primer día de clase hicimos una serie de actividades como introducción al temario.

 

Una actividad en grupo consistía en poner en un folio en blanco, para y por qué existen las imágenes.

 

Un compañero, Sergio, fue el encargado de apuntar nuestras repuestas que están aquí reflejadas.

 

¿Por qué existen las imágenes?
Escribe por qué y para qué crees que existen las imágenes

 

Representar la realidad

Conocer cosas que no hemos visto

Expresar y expresarse sentimientos, emociones, etc.

Recordar

Comprender realidad y relacionar cosas entre si

Comunicarnos

Explicar sin palabras

Convencer

Informar

Situarnos en el tiempo

Dar vida a as cosas

Dar color y sensaciones

Diferentes puntos de vista

Ayudan a las explicaciones

Decorativas

Una imagen dice mas que mil palabras

Momentos únicos

Observar el estilo de los demás

Conocer que nos transmite

Hacernos una idea del mundo

Desarrollarla inteligencia y el pensamiento

Porque existe la luz

Representar lo inexistente

Aprender de la subjetividad de los demás

Atrapar la atención

Distorsionar la realidad

Crear expectación

Marketing

Publicidad

Inmortalizar el momento

Recrear el mundo e interpretar la realidad

 

En esta actividad salí voluntaria porque no estoy de acuerdo en que una imagen represente la realidad, ya que la realidad es más compleja y una imagen puede representar una falsa realidad, también cada persona posee un punto de vista y no todos comprendemos y entendemos las imágenes de la misma manera y muchos más aspectos que influyen en la interpretación de las imágenes.

 

 

A continuación de las actividades el profesor nos introdujo en el tema.

 

Las imágenes que nos muestran diariamente en telediarios, Internet, y otros medios de comunicación están minuciosamente estudiadas, vemos lo que políticos y hombres de altos cargos con poder nos quieren mostrar, el objetivo no es otro que intentar manipularnos y hacernos ver su “realidad”.

Las imágenes son tan influyentes en nosotros que hasta con modifica nuestra forma de ver, de hablar, de entender, de opinar…

 

Las imágenes construyen nuestra visión del mundo.

 

 

El 11 M, un día trágico en España.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Todos recordaremos el Día del atentado de las torres gemelas.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Las fotos de una guerra nunca pasan desapercibidas para nadie.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Detrás de cada guerra hay un interés o objetivo!

 

 

 

 

El poder de las imágenes

Eduard Punset nos cuenta en El poder de las imágenes cómo las imágenes son un elemento fundamental en los procesos cognitivos que pretenden una permanencia a largo plazo en la memoria. Dicho de otro modo: es más fácil que acabemos recordando lo visto de forma concreta que con cualquier otra percepción más abstracta.

Poner imágenes a un concepto abstracto en el cerebro surte un efecto inmediato. No visualizamos fácilmente el hambre en abstracto en Ghana, pero, en cambio, la imagen de alguien herido en la carretera activa reacciones de solidaridad inmediatas.

En los laboratorios estamos comprobando el impacto, hasta ahora desconocido, de las imágenes en los procesos cognitivos. Las últimas investigaciones aclaran que la imagen cuenta como instrumento de permanencia o duración de la memoria. Sin imagen es difícil que algo se asiente en la memoria a largo plazo. Y sin memoria a largo plazo no se produce la reacción querida: un sentido determinado del voto.

A continuación añadiré un interesante recorte de periódico sobre el poder de las imágenes.

El control de las imágenes se pierde en la noche de los tiempos. Todas las religiones han ejercido su poder por medio del uso de imágenes. A través de ellas han difundido su fe y han velado sus misterios. El poder político no ha quedado a la zaga utilizando las artes visuales como vehículo de propaganda, como elemento de agitación o como agente de represión. Cualquiera puede encontrar innumerables ejemplos en la antigüedad clásica, en el barroco o en la época de las vanguardias, pero no ha sido hasta hace muy pocos años cuando el control político de la imagen ha llegado a ser total y sus efectos aniquiladores.

El mundo de la imagen reclama constantemente reflexiones artísticas y políticas pero muy pocas veces las obras y los ensayos que tratan sobre la imagen pasan de ser mera retórica sobre algún aspecto parcial del tema, por eso cada nueva obra de Jaar es esperada con expectación. Este artista chileno, afincado en Nueva York, ha hecho de las imágenes fotográficas su medio de expresión artística y su arma política de denuncia de situaciones tales como la represión de la inmigración en la frontera de Río Grande, la situación de los campos de refugiados vietnamitas en Hong Kong o el genocidio de Ruanda. Su procedimiento es sencillo: busca un soporte estético para mostrar unas imágenes contundentes que, sin necesidad de alteración, denuncian situaciones que todos quisiéramos ignorar. Sus imágenes se aproximan al reportaje periodístico, sin embargo la manera en que se componen como obra de arte y la forma discursiva que adoptan presupone la existencia de un hálito poético y de una reflexión filosófica y ética.

En la obra que ahora presenta en Madrid, titulada El lamento de las imágenes, estas condiciones poéticas y filosóficas llegan a un alto grado de sublimación al presentar dos enormes mesas de luz que se enfrentan verticalmente. Sobre las mesas no hay nada, sólo una luz cegadora que emana de ellas. Periódicamente la mesa que cuelga del techo se aproxima a la otra silenciosa y lentamente, como si fuera una máquina de tortura, provocando el efecto de la compresión de la luz, que cobra la apariencia de un volumen sólido. Al llegar a quedar las dos mesas muy próximas, la luz que proyecta una sobre la otra es retenida entre ambas, generándose una dolorosa penumbra. Este juego mecánico, de una simplicidad conmovedora, es la metáfora más contundente que se puede crear sobre la paradoja que supone el que una vez cegados de imágenes por el poder, éste sea capaz de sustraer ahora todas las imágenes para sumirnos en el estado de suprema ceguera en el que comenzamos a vivir.

Hemos visto el mundo y conocido infinitud de cosas que desconocíamos no por nuestra experiencia directa, sino a través de imágenes que nos muestran como es el mundo.

Sin levantarnos del sofá podemos viajar a tiempos lejanos y sentir experiencias contadas mediante imágenes.

Hasta hace algo más de un siglo, las imágenes eran bienes relativamente escasos que se utilizaban con fines precisos.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La pintura prehistórica

    La pintura prehistórica no narra, nuestra. Muestra la realidad inmediata al ser humano, aquella que el hombre necesita dominar para poder subsistir en un entorno que le es hostil, al que ha de enfrentarse continuamente y de cuya hostilidad él mismo forma parte. Por ello, esta pintura, consecuencia de la necesidad más que del disfrute, es extraordinariamente económica y, a la vez, contundente en sus formas, unas formas que nosotros, milenios después se nos pueden aparecer como bellas. No hay nada de superfluo en la pintura de cualquiera de los cientos de cuevas que conservan los primeros indicios de la capacidad creativa humana. Las imágenes que convierten las paredes rocosas de las cavernas en santuarios del arte responden a una estricta selección: determinadas especies animales, y, con menos frecuencia, seres humanos y signos geométricos de complejas simbología.

 

 

 

 

 

Los temas utilizados en el antiguo Egipto son muy diferentes a la utilización de las imágenes en nuestro presente

La plástica en Egipto tiene un carácter religioso y cortesano. Las piezas más importantes proceden de los templos y de los sepulcros. El panteón egipcio aparece densamente poblado, a pesar de las épocas monoteístas (Akenatón en Tell-el-Amarna) y aporta una gran variedad iconográfica ya que los dioses pueden adoptar formas zoomorfas y cada uno posee un atributo que le identifica.
Existe además una simbología política: la reunificación de los dos Egiptos expresada mediante las dos coronas (alta = flor del loto + baja = flor del papiro) o la representación conjunta del halcón y del buitre. El poder del faraón viene expresado en el áspid (capacidad destructora) o el ureus (cobra) que es el símbolo de la protección de que está dotado el soberano.
Otras circunstancias que favorecen el desarrollo de la plástica en general es la necesidad de satisfacer las necesidades del alma en su peregrinar por la vida del Más Allá. Por ese motivo, los sepulcros se hallan repletos de representaciones de servidores que facilitarán la vida del difunto.

 

 

 

En el arte griego ya empezaron aparecer los primeros desnudos, por supuesto la intencionalidad de su creación no es ni parecida a los desnudos de la actualidad que detrás de una imagen tan perfecta hay en muchas ocasiones una intencionalidad de convencer o comercial.

 

 

 

 

 

 

La religión es un tema muy delicado en el que yo no voy a comentar nada. Solo quisiera hacer una comparación de estos videos!

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

En nuestra sociedad muchos comentan sobre este video, que están locos que no entienden su religión y que mucho menos se van a parar a comprenderla.

 

 

 

 

 

 

  

 

 

 

Y lo que no ven es que no hay una gran diferencia entre una y otra. El salto de la reja es algo típico en nuestra cultura o religión, la muchedumbre llora y reza mientras intenta tocar a la Virgen. A mí estas manifestaciones o llamalo como quieras me parece patetico tanto de una religión como de la otra pero lo respesto porque no todos tenemos las mismas creencias y nos emocionan las mismas cosas.

 

 

 

Las imágenes privadas, particulares, para el interior de las casas, hasta avanzado el siglo XIX, también eran generalmente  privilegio de las clases acomodadas o de las élites culturales.

 

 

 

 

 

 

 

 

La imprenta

La imprenta es un método de reproducción de textos e imágenes sobre papel o materiales similares, que consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa, sobre unas piezas metálicas, llamadas tipos, para transferirla al papel por presión.

Historia

La imprenta fue inventada por los chinos. El problema de la imprenta no era tanto cómo imprimir, sino disponer de papel barato y en suficiente cantidad. Ya los romanos tuvieron sellos que imprimían inscripciones sobre objetos de arcilla. Entre 1048, Bì Shēng inventa en China,- donde ya existía un tipo de papel de arroz-, el primer sistema de imprenta de tipos móviles, a base de complejas piezas de porcelana en las que se tallaban los caracteres chinos; el gran problema del chino es la inmensa cantidad de caracteres que hacen falta para su escritura.

En Europa, muchas personas y poblaciones pretendieron ser parte de este arte; aunque las opiniones apuntan a que fue el alemán Johannes Gutenberg, por las ideas que tenía y la iniciativa de unirse a un equipo de impresores, lo que lo apoya como el inventor de la tipografía. Existe documentación subsecuente que le atribuye la invención aunque, curiosamente, no consta el nombre de Gutenberg en ningún impreso conocido.

Ante la controvertida historia aparecieron a disputar la gloria del llamado “Padre de la Imprenta” los nombres del alemán Mentelin, impresor de Estrasburgo (1410-1478); el italiano Pánfilo Castaldi, médico y después tipógrafo en 1470 y Lorenzo de Coster, de Haarlem, (Países Bajos) (1370-1430). Cada uno tiene un monumento en sus respectivas localidades; sin embargo, perdieron el pleito definitivamente los partidarios de Mentelin y Castaldi.

Una edición que data del año 1502 en Maguncia, Alemania, impresa por Juan Schoöeffer (hijo de Pedro), sucesor de la imprenta que en el pasado le perteneció a Gutenberg, dice:

Este libro ha sido impreso en Maguncia, ciudad donde el arte admirable de la tipografía fue inventado en 1450 por el ingenioso Johannes Gutenberg y luego perfeccionado a costa y por obra de Johann Fust y de Peter Schöeffer… entre otros.

 

 

 

 

 

 

2.- Hacia la sociedad del espectáculo: la revolución tecnológica y de los medios de comunicación en los siglos XIX y XX.

2a.- El gran cambio en la producción de imágenes fueron los medios fotográficos y sus derivados.

 

 

La fotografía

 

 

La fotografía es el proceso de capturar imágenes y almacenarlas en un medio de material sensible a la luz, basándose en el principio de la cámara oscura, con la cual se consigue proyectar una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumentado su nitidez. Para almacenar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace algunos años exclusivamente la película sensible, mientras que en la actualidad se emplean, casi siempre, sensores CCD y CMOS y memorias digitales; es la nueva fotografía digital.

El término fotografía, procede del griego φως phos (“luz”), y γραφίς grafis (“diseñar”, “escribir”) que, en conjunto, significa “diseñar/escribir con la luz”. Es difícil establecer la paternidad de la palabra, y más aún determinar con exactitud quién haya sido el inventor de la técnica misma, ya que ésta contó con una larga fase preparatoria. Pero podemos decir que gran parte de su desarrollo se debe a Joseph-Nicéphore Niépce, y que el descubrimiento fue hecho público por Louis-Jacques-Mandé Daguerre, conocido también como Louis Daguerre, tras perfeccionar la técnica.

Antes de que el término fotografía se utilizara para identificar esta técnica de impresión química de imágenes, fue conocida popularmente como daguerrotipia.

La fotografía puede clasificarse bajo la más amplia denominación de tratamiento de imágenes y, debido a esto, ha fascinado a artistas y demás personas desde sus inicios. Los científicos, sobre todo, han aprovechado su capacidad para plasmar con precisión todo tipo de circunstancias y estudios, tales como los dedicados a la locomoción humana y animal de Eadweard Muybridge (1887). A los artistas la fotografía los ha seducido por estos aspectos, pero han tratado siempre de ir más allá de la mera representación fotomecánica de la realidad, ya que se puede crear un nuevo “mundo según el punto de vista del artista”.

 

Actualmente la sociedad utilizan la fotografía como medio de expresión del cuerpo, y la vida de una personas se puede recopilar en fotografías, a través de la fotografía se pueden expresar diversos sentimientos, y mostrar nuestra forma de ser y pensar, como también hay personas que se fotografían de manera sensual y sexual y las cuelga en la red, es repulsivo y vergonzoso ver como la nueva generación usa estos medios como: msn, tuenti… para ser un escaparate donde cualquier usuario está invitado a mirar.¿ Donde ha quedado la intimidad y el misterio de la humanidad?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

2b.- Los cambios técnicos en la imprenta en el siglo XIX, y después los del XX, facilitaron la reproducción de gran cantidad de imágenes.

 

En el siglo XIX se perfeccionan los sistemas de impresión (por ejemplo con la litografía), y eso posibilita la aparición de carteles, publicidad, etc. en grandes cantidades.

 

La Litografía es un procedimiento de impresión, hoy casi en desuso salvo para la obtención y duplicación de obras artísticas. Su creador fue Aloys Senefelder, de origen alemán. Etimológicamente la palabra litografía viene de los términos griegos lithos piedra, y graphe dibujo.

 

 

 

 

La técnica litográfica se basa en el desvío recíproco entre sustancias lipoficas e hidrofilas, esto quiere decir que el agua rechaza las tintas grasas; las zonas que imprimen y las que no imprimen se encuentran en el mismo nivel, por ello las matrices litográficas se llaman también planograficas.

En las técnicas manuales la formación de la matriz consiste en la adhesión de las tintas grasas y resinosas sobre el papel litográfico. Con estas tintas se efectúa el dibujo que se trata de reproducir, el cual queda fijado mediante una solución de ácido nítrico y goma arábiga. La adhesión de la sustancia grasa produce un jabón calcáreo o metálico insoluble que constituye la base de señales de impresión. Sobre las partes que no se imprimen, una preparación especial determina la formación de sales hidrofilas, con lo cual, sobre el plano de la matriz existen dos zonas contra puestas gráficamente, que permiten la impresión, previas las operaciones de entintado y humidificación. De los fondos coloreados y conformados de acuerdo con las zonas claras del original hasta el empleo de tintas planas superpuestas, se pasó por las coloraciones por superposición.

Engelmann, hacia 1835, llamó cromolitografía a la técnica de reproducción litográfica en colores. Se hacen tantos dibujos sobre papel o placa como tintas se consideren necesarias para la reproducción. El registro se obtiene realizando sobre el papel de cada color la correspondiente cruz de registro.

Características

Para este tipo de impresión se utiliza una piedra caliza pulimentada sobre la que se dibuja la imagen a imprimir con una materia grasa, bien sea mediante lápiz o pincel. Este proceso se basa en la incompatibilidad de la grasa y el agua. Una vez la piedra humedecida, la tinta de impresión solo queda retenida en las zonas dibujadas previamente.

Para cada color debe usarse una piedra distinta y, evidentemente, el papel tendrá que pasar por la prensa de imprimir tantas veces como tintas se empleen. En los carteles impresos mediante el sistema litográfico, tan frecuentes en la segunda mitad del siglo XIX y primeras décadas del siglo XX, se utilizaban quince, veinte o más tintas. Entre ellos son de destacar los que anunciaban las corridas de toros, los de las Semana Santa, y los diseñados durante la Guerra Civil española.

En una imagen litográfica las letras no pueden ser retiradas y reutilizadas en otro sitio: son únicas y precisan re dibujarse, o copiarse, para cada uso. El litógrafo podía reproducir una imagen “única” dibujada, combinando texto e imagen en complicadas disposiciones formales del color. El proceso cromolitográfico alcanzó su cima durante el siglo XIX. La mejora en los métodos del fotograbado (el grabado de una imagen fotográfica en una plancha metálica recubierta con una capa sensible y “mordida” después con ácido, obteniéndose así una imagen impresora en relieve) amenazó la supervivencia de la litografía, conduciendo a su progresivo declive a partir de la década de 1890.

El inventor de este sistema de impresión fue el tipógrafo alemán Alois Senefelder (1771-1834). Aunque este procedimiento fue extensamente usado con fines comerciales, la mayor parte de los grandes pintores de los siglos XIX y XX también lo emplearon ya que facilitaba obtener un cierto número de copias de un mismo trabajo: Picasso, Toulouse-Lautrec, Joan Miró, Piet Mondrian, Ramon Casas, Antoni Tàpies, Alphonse Mucha, etc…

 

2c.- El cine.

 

El cine (abreviatura de cinematógrafo) o cinematografía, es la técnica que consiste en proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo (o película, o film, o filme). La palabra cine designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan las películas. Etimológicamente, la palabra cine proviene del griego κινή (kiné), que significa “movimiento” (ver, entre otras, “cinético”, “cinética“, “kinesiología”, “cineteca”, etcétera).

Como forma de narrar historias o acontecimientos, el cine es un arte, y comúnmente, considerando las seis artes del mundo clásico, se le denomina séptimo arte. No obstante, debido a la diversidad de películas y a la libertad de creación, es difícil definir lo que es el cine hoy. Sin embargo, las creaciones cinematográficas que se ocupan de la narrativa, montaje, guionismo, y que en la mayoría de los casos consideran al director como el verdadero autor, son consideradas manifestaciones artísticas, o cine arte (cine de arte). Por otra parte, a la creación documental o periodística se le clasifica según su género. A pesar de esto, y por la participación en documentales y filmes periodísticos de personal con visión propia, única y posiblemente artística (directores, fotógrafos y camarógrafos, entre otros), es muy difícil delimitar la calidad artística de una producción cinematográfica. La industria cinematográfica se ha convertido en un negocio importante en lugares como Hollywood y Bombay (el denominado “Bollywood”; un vocabulario básico de términos relacionados con el cine asiático).

 

 

 

Historia

La historia del cine comienza el 28 de diciembre de 1895 (113 años), fecha en la que los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto.

El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara. Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas. Y fue Georges Méliès quien profundizo por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y quien comienzo a desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con “Viaje a la luna” y en 1904 con “Viaje a través de lo imposible”, aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada. A partir de entonces la cinematografía no hizo más que mejorar y surgieron grandes directores como Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, o Charles Chaplin que mantuvieron en constante evolución la técnica hasta que en 1927 se estrena la primera película con sonido El cantante de jazz, a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejo de existir y se impusierón guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la época muda había creado.

Al cabo de los años la técnica permitio la incorporación del color, llegando en 1935 con “La feria de las vanidades” de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con “Lo que el viento se llevo”. El color tardó más en ser adoptado por el cine. El público era relativamente indiferente a la fotografía en color opuestamente al blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro del color y disminuir los costes frente al blanco y negro, más películas se filmaron en color.

 

 

Asegurando su lugar en sucesión al cine clásico como por su proximidad al postmodernismo.

 

Aunque al principio sin voz, el cine llegó a ser en muy poco tiempo un auténtico espectáculo de masas, para el que se creaban enormes escenarios y se utilizaban cantidades increibles de extras.

 

 

El cine crea fenómenos nuevos, como la admiración desmedida por los actores. Una relación afectiva imposible físicamente, inducida por la admiración a través de la pantalla.

 

Antiguamente el espectáculo se vivía en directo y era más real y cruel. En tipos de espectáculos como la lucha de gladiadores en Roma, la escena de acababa con un final trágico, la muerte de algunos de los dos “actores”, los gladiadores.

 

 

El combate

El día de la fiesta los gladiadores lujosamente vestidos se dirigían al anfiteatro atravesando la ciudad. Una vez en la arena efectuaban un simulacro con armas de madera o sin punta (arma lusoria) que venía a ser una preparación para la lucha. Para dar la señal de comienzo del combate se tocaba un cuerno. Entonces, los lanistas escogían a los gladiadores que debían actuar y delimitaban el espacio del combate en la arena marcándolo con un bastón. Al llegar los gladiadores al momento final del triunfo preguntaban al público si debían matar al vencido o no, el cual previamente había pedido clemencia levantado la mano. Si los espectadores entendían que merecía el perdón bajaban el pulgar, haciendo ver que el vencedor debía arrojar su arma a tierra, aunque hay fuentes que aseguran que lo que se hacía era esconder el pulgar, queriendo decir que el vencedor debía envainar la espada. Aun así, solamente 1 de cada diez gladiadores moría y generalmente era por las heridas accidentales en la batalla, se le mataba para evitarle el sufrimiento. Si se dictaminaba muerte, lo que se hacía era dirigir el pulgar en posición horizontal y con una serie de movimientos en dirección al cuerpo, que algunos han interpretado en dirección a la garganta, señalando el fatídico punto hacia donde debía dirigir el golpe mortal. Aunque lo más probable es que el vencedor hundiera su arma entre la clavícula y el omóplato, para llegar al corazón y de esa manera dar una muerte rápida.

El vencido, en ese último momento, no ofrecía resistencia, y afrontaba su muerte con dignidad. También es bastante desconocido el hecho de que el índice de supervivencia de los gladiadores era mayor de lo que se piensa. Durante el Bajo Imperio, tan solo el emperador tenía el derecho de perdonar o condenar a muerte. Los gladiadores victoriosos recibían en premio palmas, coronas adornadas de cintas y en los tiempos del Imperio una cantidad de dinero. Cuando a un gladiador se le entregaba en premio una espada roma (rudi) era señal de que se le autorizaba para abandonar la profesión de gladiador.

Los gladiadores que morían en la arena eran arrastrados al espoliario por los esclavos que estaban al servicio del anfiteatro los cuales se valían de un garfio de hierro y los sacaban por la puerta llamada de la Muerte. Dicha puerta conducía al Spoliarium, dependencia del anfiteatro destinada a depositar los cadáveres para despojarlos de sus armas y vestiduras, acto que determina bien el concepto de expoliar de donde proviene la palabra.

Es errónea la creencia de que el pulgar hacia arriba significaba perdón, y el pulgar hacia abajo significaba muerte. Este equívoco es antiguo (como demuestra el cuadro que ilustra este artículo) y sigue siéndolo, amplificado actualmente por el cine.

 

2d.- La televisión y los posteriores medios visuales.

 

La televisión

•         1937: Primeras emisiones regulares de TV electrónica en Francia y UK

•         1936: Juegos Olímpicos de Berlín: los nazis realizan la primera transmisión televisiva en directo

•         1948: Primeras emisiones por televisión en España: Madrid y Barcelona

 

La televisión ocupa un gran espacio de tiempo en nuestras vidas, con la invención de la televisión se produjo importantes cambios en la vida de las personas, las familias se reunían a la hora de su programa favorito o se disponían películas en grupo.

En la actualidad cada familia suele poseer 2 televisor como media, ya no se reúnen todos los miembros de la familia, ya que hay una gran infinidad de programas a gusto de todos.

Con solo pulsar un botón tenemos el espectáculo en casa.

Las tecnologías avancen constantemente y la sociedad no se encuentra preparada para estos nuevos cambios, creen saber utilizar todo pero no tiene en cuenta la parte más importante la privacidad, nosotros mismos somos parte del espectáculo.

 

 

 

3.- VIVIR EN UNA SOCIEDAD DEL ESPECTÁCULO

 

 

 

 

 

La sociedad del espectáculo (La société du spectacle) es un trabajo de filosofía publicado en 1967 por el situacionista y teórico político, Guy Debord

Descripción de la obra

En doscientos y veintiún párrafos clasificados en nueve capítulos, Debord traza el desarrollo de una sociedad moderna en la que “Todo lo que una vez fue vivido directamente se ha convertido en una mera representación”. Debord argumenta que la historia de la vida social se puede entender como “la declinación de ser en tener, y de tener en simplemente parecer”. Esta condición en la cual la vida social auténtica se ha substituido por su imagen representa, según Debord, que “el momento histórico en el cual la mercancía completa su colonización de la vida social. El espectáculo es la imagen invertida de la sociedad en la cual las relaciones entre mercancías han suplantado relaciones entre la gente, en quienes la identificación pasiva con el espectáculo suplanta actividad genuina. “El espectáculo no es una colección de imágenes”, Debord escribe, “en cambio, es una relación social entre la gente que es mediada por imágenes”.

La sociedad del espectáculo proporciona una reinterpretación extensa del trabajo de Marx, más notablemente en su aplicación del fetiche de la mercancía a los medios de comunicación contemporáneos. También amplía el concepto de la enajenación para incluir actividad más allá del trabajo, y expone la política espectacular común de los regímenes soviético y estadounidense.

 

“La condición de estrella del espectáculo es la especialización de la vivencia aparente, objeto de identificación con la vida aparente y sin profundidad…”

Guy Debord

 

El espectáculo se presenta como una enorme positividad indiscutible e inaccesible. No dice más que esto: “lo que aparece es bueno, lo bueno es lo que aparece”

Guy Debord

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Todos pasamos a ser actores, comediantes de un mundo del espectáculo que abarca cada momento de nuestras vidas: A VECES SÓLO VEMOS SI GRABAMOS, SI ENTRAMOS EN LA PANTALLA.

 

 

Performing

 

 

 

 

Y otra vez se repite el canon de belleza o estereotipos, que nos hace sentirnos deseosos de ser como ellos, todos queremos ser perfectos y no importa cuánto dinero cueste.

 

 

 

 

 

La cirugía como medio de perfección

La finalidad es que el paciente que ha nacido con un defecto congénito o ha sufrido un accidente que le ha hecho perder la función alcance la normalidad tanto en su aspecto como en la función de su cuerpo. También permite brindar la mejoría estética al remodelar cuerpos para hacerlos más hermosos. ¿Más hermosos o más parecidos a estereotipos?

 

 

 

 

La sociedad del espectáculo convierte cualquier suceso, por lejano que sea, en un objeto a consumir por parte del público. Cosifica toda la vida, la convierte en producto, en algo “congelado” para ser mirado: no para ser vivido. Multiplica el conocimiento (a través de lo audiovisual fundamentalmente), pero facilita una vida que no es real 

 

4.- A la vez somos actores  y espectadores de la sociedad del espectáculo 

 

 

 

 

 

Telerrealidad

 

La Telerrealidad o los reality shows, son un género televisivo en el cual se muestra lo que le ocurre a personas reales, en contraposición con las emisiones de ficción donde se muestra lo que le ocurre a personajes ficticios (personajes interpretados por actores, de ahí, su efecto de realidad.

Existen tres tipos principales de telerrealidad:

• Observador pasivo: la cámara observa pasivamente las actitudes de una persona o de un grupo de personas.
• Observador o Cámara escondida: la cámara observa a personas que ignoran que son filmadas. Suele utilizarse en programas que hacen bromas o enfrentan a la gente a situaciones inverosímiles, y filman sus reacciones para entretener a su audiencia.
• Concurso de telerrealidad: en este tipo de emisiones un grupo de personas en un ambiente cerrado compiten por un premio, mientras son observados de forma continua por las cámaras.

De esta forma, hay que destacar tres características de la telerrealidad:

• Muestra una serie de hechos que, estrictamente, no pueden incluirse dentro de las categorías de realidad y ficción, sino que son la manifestación de una nueva forma de ser: la hiperrealidad televisiva.
• Las acciones de los personajes invitados suele basarse en mostrar públicamente hechos relacionados con su vida privada.
• Exige la colaboración de personas no profesionales del medio. El objetivo puede ser reforzar la interactividad entre la televisión y el espectador.

 

 

Gran hermano 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Cuando tratemos con niños debemos intentar hacerlos pensar y construir sus propias opiniones no dejarse influir por imágenes, y también intentar que distingan la vida real y el espectáculo, que sean libres completamente sin influencia de nada ni nadie aunque es una tarea díficil no es imposible.

3. TÉCNICAS, MEDIOS Y MATERIALES DE CREACIÓN PLÁCTICA MÁS VISUALES.

 

 

3. TÉCNICAS, MEDIOS Y MATERIALES DE CREACIÓN PLÁCTICA MÁS VISUALES.

 

 

En la actualidad existen multitudes de técnicas para imágenes y objetos.

 

Hay algunas técnicas que se utilizan desde la antigüedad pueden ser las siguientes:

 

•         Técnicas tridimensionales (volumen): talla, modelado, vaciado, etc…

•         Técnicas bidimensionales: Dibujo, pintura, grabado y estampación, mosaico, etc.

•         Otras técnicas tradicionales: vidriera, calado, tejidos, cestería, etc…

 

Y muchas otras han sido descubierta son hace tanto tiempo, como las técnicas derivadas de la fotografía o del TIC:

 

•         Técnicas derivadas de la fotografía y el cine (suelen ser audiovisuales): fotografía, cine, televisión, video, animación, etc.

•         Técnicas infográficas.

•         Otras: neón, apilamientos, eat art, object trouve, etc…

 

-La expresión del cuerpo también es una técnica de creación, el cuerpo humano es un medio mediante el cual se pueden explicar sensaciones, estados de ánimos, e infinidad de sentimientos.

 

 

 

 

 

-La técnica de Happening es una manifestación artítica, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.

La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los “espectadores”, para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad.

El happening en cuanto manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.

 

 

 

-La técnica de Performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. El performance está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events y al body art. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.

La historia del “performance art” empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.

• El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.

• La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración.

• Una “acción artística” es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.

• La performance tiene parentesco con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.

• El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.

En el arte contemporáneo- que siempre busca redefinír sus formas y maneras-, nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura.

 

 

 

-El Land art es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste americano a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman Earthworks, palabra que puede traducirse como excavaciones, aterramientos o desmontes).

El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. En realidad, puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros, esculturas). Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el Arte Povera.

(Enciclopedia wikipedia)

 

 

 

Todas las técnicas son válidas: lo que importa no es la técnica, sino el resultado.

Vamos a introducirnos en las técnicas más usuales:

1.       Técnicas y procesos tridimensionales (VOLUMEN).

 

 

 

Los conceptos que confortan este proceso son:

•         Adición

•         Sustracción

•         Construcción

•         Deformación

•         Transformación

•         Otros

 

PRINCIPALES PROCEDIMIENTOS TRADICIONALES DE CREACIÓN EN VOLUMEN
Adición	Modelado	Arcilla (barro)
		Cera
		Yesos y escayolas
		Plastilinas
		Otras pastas (papel, madera, etc)
Sustracción	Talla (directa o indirecta)	Madera
		Piedra
		Poliespan (porex)
		Otras (marfil o eboraria por ejemplo)
Construcción		Soldaduras y ensamblajes
		Encofrados
		Otros
Deformación		Repujado, cincelado, etc
		Forja
		Vidrio soplado
		Prensados y mecanizados
Transformación	Vaciado (moldes)	Vaciados en yeso, resinas, coladas de arcilla,etc
	Vaciado + Fundición	Bronce
		Metales preciosos (oro, plata, etc)
		Otros (plomo, hierro, etc)

 

1A) Adición (lat adire: añadir).

 

LAS TÉCNICAS DE ADICIÓN SON LAS DE MODELADO:

•         Arcilla (barro)

•         Cera

•         Yesos y escayolas

•         Plastilinas

•         Otras pastas (papel, pulpas, etc)

 

Modelado y Cerámica

 

En esta sección te damos información sobre los distintos trabajos artesanales relacionados con el modelado y la cerámica. Se pueden modelar los más diversos materiales: la arcilla, la masa de miga de pan, masa de sal, porcelana fría, papel maché, plastilina,  pasta de modelar, fimo, sculpey,… Hay masas de modelar adecuadas a todas las necesidades.

Los trabajos de modelado son aptos para todas las edades, siendo un trabajo habitual en los centros escolares. 

Para trabajar con niños muy pequeños podemos usar  la plastilina o la masa blanda, pensadas para que no pase nada si los niños se la llevan a la boca.

 También hay muchos aficionados a la masa de porcelana fría, que se puede comprar ya preparada o prepararla nosotros mismos en casa.  Hay muchas recetas para hacerla y será la experiencia la que nos diga que receta usar en cada caso. En los libros y revistas sobre modelado con masas encontramos los ingredientes e instrucciones para hacerla. Debe contener entre otros componentes el porcelanizador, la cola blanca y el agua.  

El modelado del Fimo o el Sculpey para obtener figuras, y sobre todo pendientes, collares, anillos y pulseras también ocupa a muchos artesanos y aficionados, que crean así su propia bisutería. Son masas que se compran ya hechas y coloreadas y se endurecen en el horno casero. Popularmente se conocen como FIMO o plastilina para horno. Son adecuadas para los niños, aunque del proceso de cocción deba ocuparse un adulto. Hay colores básicos, imitación a piedra, fluorescentes y perlados. Sculpey tiene también una masa que al cocer queda flexible, siendo ideal para que los niños creen muñecos y otros objetos.

Para trabajar con Fimo y Sculpey hay herramientas como los cortadores, moldes flexibles, musgueras o extrusionadoras de metal con diferentes boquillas y aparatos para hacer láminas de pasta conocidos como pasta machine. Podéis encontrar todas estas herramientas en la sección modelado de nuestra tienda on line.

El papel maché también es una masa que nos da muchas posibilidades. Se puede modelar a partir de la masa comprando la pasta de papel, preparar la pasta nosotros mismos, trabajar con un soporte, periódicos y cola o comprar figuras ya hechas y decorarlas. También es un trabajo muy apropiado para los niños y es muy económico.

(http://www.manualidadesybellasartes.com/modelado.html)

Concepto de modelado:

En esa esfera de la expresión humana que denominamos creación artística, la actividad específica de la escultura es el proceso de representación de una figura en tres dimensiones. El objeto escultórico es por tanto sólido, tridimensional y ocupa un espacio.

También es escultor el modelador, el que efectúa un modelado, quien lo mismo que el pintor, agrega, valiéndose de un material blando (cera, arcilla, yeso). El modelado pertenece, pues, al campo de la escultura, pero difiere radicalmente de la escultura propiamente dicha por lo que concierne al procedimiento. No será ya necesario adivinar, se podrá concebir sobre la marcha, e incluso cambiar el plan previsto. En sentido estricto, sólo es escultura la primera. Hoy, sin embargo, no se tiene una apreciación tan radical, y en materia de creación artística se considera la operación de modelar tan válida como la de quitar de un bloque.

El modelado puede constituir una finalidad en sí mismo o, por el contrario, ser un procedimiento auxiliar de la escultura. En efecto, el escultor que quita materia no puede operar valiéndose únicamente de la memoria; ha de tener a la vista un modelo. No es más que un punto de referencia, pero no puede prescindir de él si desea evitar errores irreparables. El modelo es parte del proceso que lleva a la idea final.
     El modelado es especialmente apto para el momento creativo, como lo es el dibujo. El artista podrá, indistintamente, añadir o quitar de la masa blanda. De ordinario, hará numerosos bocetos de tamaño pequeño, y finalmente un modelo a escala de la escultura que pretenda llevar a cabo.
     Pero también hacen escultura los que modelan con intención definitiva, bien para ofrecernos el material ya endurecido, bien para trasladarlo a otro material (vaciado) por mediación de un molde. El fundido en bronce y metales nobles será, pues, una manera de hacer escultura.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Técnicas habituales de modelado

•         Cilindros (también llamados churros)

•         Placas

•         Macizo

•         Manteniendo hueco

•         Técnicas cerámicas (por ej. Torneado)

El modelado necesita un armazón o esqueleto que soporte el peso del material.

 

 

Proceso de modelado de un retrato.

Palillos de modelar

 

 

 

Técnicas de torneado cerámico:

En el torneado te permite una forma de trabajar más libre ya que estas en constante proceso de cambio y transformación y puedes ir corrigiendo mientras trabajas con el barro.

 

 

 

El torno es una máquina que, por medio de una rueda, hace que algo dé vueltas sobre sí mismo.

 

 

 

 

¿Cómo se conservan las obras modeladas?

¿Cómo conservar las obras modeladas?
Técnicas directas	Arcilla	Secado al aire
		Cocción
	Cera	Enfriado/secado al aire
	Yesos y escayolas
	Plastilina	No endurece nunca del todo, salvo que se cueza u otros
	Otros	Normalmente endurecen al aire
Técnicas indirectas	Todas las técnicas	Moldeado; vaciado (sacar moldes)
		Vaciado + fundición
		Copia a otro material (saca de puntos, escaneado)

 

 

La cocción de la cerámica

 

 

La cocción constituye el último paso en el proceso de producción de la cerámica. En esta operación se necesita utilizar una cantidad de calor muy superior a la que proporciona un horno doméstico. Es posible emplear, de todas formas, un horno de confección más o menos casera, pero resulta mejor adquirir un pequeño horno eléctrico. Su precio no es prohibitivo.

Se pueden cocer las piezas en el horno del taller al que se acuda, pero con un horno propio se controla mejor el proceso de cocción. Para empezar adquiera un modelo económico, como el de 30 x 40 x 30 cm. (Dimensiones de la cámara de cocción).

Haga que un electricista compruebe las conexiones eléctricas. Recuerde que la temperatura del horno se mide con un termopar y un pirómetro, que constituyen un conjunto eléctrico que mide y regula temperaturas elevadas y que debe formar parte del horno.

Lleve un registro de las cocciones efectuadas. Para cada una, anote las temperaturas a intervalos de una hora. De este modo se dará cuenta de los progresos que realiza.

El fuego es el gran maestro o, si lo preferimos, el amo y señor del arte de la cerámica. Las piezas que hemos preparado serán verdaderamente “cerámicas”, sólo y cuando el fuego haya actuado sobre ellas. Para que una cerámica esté totalmente acabada son necesarias dos cocciones. La primera recibe el nombre de “bizcochado”. Este proceso transforma la tierra cruda en tierra cocida. El objeto cocido que sale del horno se denomina “bizcocho”. No creamos que esta primera acción del fuego se limita a hacerlo más duro o más resistente a la humedad y, en consecuencia, más apto para recibir el agua de los esmaltes. El verdadero objetivo de esta primera acción es el de provocar en su interior reacciones químicas. Estas reacciones producen gases que salen a través de pequeños poros que actúan de válvulas de descarga. El objeto, en el horno, sufre una verdadera transformación físico química. Para poder darse una idea, aunque sea superficial, diremos que durante la cocción se elimina toda la humedad remanente en el objeto, los hidrosilicatos se disocian, los óxidos se liberan, los carbonatos se descomponen y toda la pasta está sujeta a imperceptibles movimientos de dilatación y contracción por el cambio de volumen de los productos de las reacciones.

La temperatura de cocción varía de acuerdo con el tipo de pasta utilizada y, en consecuencia, con el tipo de objeto que se quiera fabricar. Para los productos en terracota, la temperatura del horno oscila entre los 850º y los 1000º C; para el gres y la loza, de los 1000º a los 1300º C; y para la porcelana, de los 1300º a los 1500º C, aproximadamente.

Al calentar la arcilla, ésta sufre una serie de modificaciones que, a partir de un cierto momento, son irreversibles. La arcilla sometida a una temperatura de 100º C se seca por completo, pero puede volver a su estado primitivo si se empapa con agua. Si se la calienta hasta 600 – 700º C, empieza a tomar un color rojo muy oscuro, y sufre profundas modificaciones químicas. En este momento la arcilla es blanda, desmenuzable y porosa, y no vuelve a ser plástica ni pierde su forma por la acción del agua.

A temperaturas del orden de 900 – 1000º C las partículas de la arcilla empiezan a conglomerarse y a adquirir mayor resistencia. Todas las sustancias carbonosas, como los residuos vegetales, se queman y volatilizan, dando como resultado un material puro y brillante y de color a veces muy distinto del original. Por ejemplo, al llegar a este punto los típicos tiestos modelados en arcilla roja tienen un brillante color terracota y una estructura resistente y porosa. Muchas arcillas negras adquieren en la cocción un color marfileño, consecuencia de la desaparición de las sustancias orgánicas quemadas.

 

 

 

 

 

 

1B) Sustracción

 

Las técnicas de talla son las técnicas usuales de sustracción:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Materiales usuales:

•          piedra

•          madera (también llamada talla dulce)

•         Marfil (eboraria)

•          porex (poliespan, corcho blanco)

•          otros (ladrillo por ej.)

 

El material de talla puede ser de una sola pieza
(monolítica, monolito, monobloque).

 

 

 

 

 

O por el contrario varias piezas unidas entre si (ensambladas). Esto es muy frecuente en la madera.

 

 

 

La talla permite menos libertad que el modelado al depender de la forma del bloque.

 

Dos tipos de talla

•         Directa

•         Indirecta

 

Talla directa: Se va quitando directamente del material.

 

 

 

 

 

Miguel Ángel utilizaba la talla directa que es más díficil y un fallo puede suponer el fin de la obra.

Los espectadores cuando vemos una obra pensamos que están echas de forma directa pero es todo lo contrario sólo los grandes escultores y valientes se atreven a realizar sus obras de talla directa: es muy difícil y es demasiado arriesgada: una equivocación puede significar estropear definitivamente la obra. Un ejemplo de escultor que realiza sus obras con talla directa era Miguel Ángel.

 

 

 

 

 

 

Talla indirecta: Se copia un modelo hecho en materiales más sencillos de trabajar (barro, escayola, etc) y se va traspasando a la talla con ayuda de herramientas y/o máquinas especiales para no equivocarse.

 

 

 

La talla indirecta se hace copiando un modelo hecho en una técnica más facil (por ejemplo modelado).

 

 

 

 

 

Procedimientos habituales de talla indirecta (también llamada saca de puntos).

•         Antiguamente se usaban métodos más o menos manuales:

–        Pantógrafo manual o puntómetro

–        Compases

•         Actualmente se usan frecuentemente métodos mecanizados e incluso informáticos:

–        Pantógrafo mecanizado (manual o asistido por ordenador)

–        Escáner 3D por láser y traslación a pantógrafo mecanizado asistido por ordenador

 

 

El compas del escultor es:

 

 

 

 

 

 

Pantógrafo de dibujo

 

El pantógrafo, como instrumento de dibujo, permite copiar una figura o reproducirla a una escala distinta. Para conseguir dibujos a diferente escala se varía la distancia entre los puntos de articulación (rótulas), conservando siempre la condición de paralelismo entre las varillas, dos a dos.

 

 

 

 

Para dibujar, se fija el pivote, y se desplaza el punto de referencia sobre el dibujo original; un lapicero situado en el punto de copiado reproduce la imagen a una escala mayor, que viene determinada por la relación de distancias P-PR y P-PC.

Cambiando el punto de referencia por el punto de copiado se reproduce la imagen a una escala menor.

 

1C) Técnicas de construcción.

 

Uno de los procedimientos de construcción  más conocidos es la soldadura.

La soldadura es un proceso de fabricación en donde se realiza la unión de dos materiales, (generalmente metales o termoplásticos), usualmente logrado a través de la coalescencia (fusión), en la cual las piezas son soldadas derritiendo ambas y agregando un material de relleno derretido (metal o plástico), el cual tiene un punto de fusión menor al de la pieza a soldar, para conseguir un baño de material fundido (el baño de soldadura) que, al enfriarse, se convierte en una unión fuerte. A veces la presión es usada conjuntamente con el calor, o por sí misma, para producir la soldadura. Esto está en contraste con la soldadura blanda (en inglés soldering) y la soldadura fuerte (en inglés brazing), que implican el derretimiento de un material de bajo punto de fusión entre piezas de trabajo para formar un enlace entre ellos, sin fundir las piezas de trabajo.

 

 

 

 

 

 

 

 

Otro procedimiento de construcción más moderno pero también muy utilizado es el assemblage o ensamblaje.

 

Assemblage es un proceso artístico en el cual se consigue la tridimensionalidad colocando diferentes objetos-no-artísticos muy próximos unos a otros. Hay que recalcar que estos objetos de los que se componen estas obras comparten la característica de que no han sido diseñados con fines estéticos sino que han sido redescubiertos por los artístas quienes los incorporan a sus obras, de manera conjunta o de forma individual, para lograr expresar un mensaje o emoción.

El assemblage es una técnica hermana del collage. El origen de esta palabra (en su sentido artístico) puede ser rastreado a comienzos de la década de los 50, cuando Jean Dubuffet creó una serie de collages con motivos de alas de mariposa que tituló assemblages d’empreintes. Sin embargo, tanto Marcel Duchamp como Pablo Picasso ya había trabajo esta técnica con anterioridad. A su vez, la joven esposa de Duchamp también protagonizó alguno de los más tempranos y bellos ejemplos de esta forma artística junto a Louise Nevelson, credor de una célebre serie de esculturas a partir de trozos de madera a finales de la década de los 30.

 

 

 

 

 

Desde el siglo XX es muy utilizada también la técnica de construcción del encofrado

Un encofrado es el sistema de moldes temporales o permanentes que se utilizan para dar forma al hormigón o concreto, u otros materiales similares como el tapial, durante su estado plástico, o ‘fresco’.

 

 

1D) Deformación

 

Como su propio nombre indica, son procedimientos que transforman el material original: golpeándolo, doblándolo, estirándolo, etc.

 

Deformaciones elástica y plástica

Tanto para la deformación unitaria como para el tensor deformación se puede descomponer el valor de la deformación en:

• Deformación (visco)plástica o irreversible. Modo de deformación en que el material no regresa a su forma original después de retirar la carga aplicada. Esto sucede porque, en la deformación plástica, el material experimenta cambios termodinámicos irreversibles al adquirir mayor energía potencial elástica. La deformación plástica es lo contrario a la deformación reversible.
• Deformación elástica o reversible el cuerpo recupera su forma original al retirar la fuerza que le provoca la deformación. En este tipo de deformación, el sólido, al variar su estado tensional y aumentar su energía interna en forma de energía potencial elástica, solo pasa por cambios termodinámicos reversibles.

Comúnmente se entiende por materiales elásticos, aquellos que sufren grandes elongaciones cuando se les aplica una fuerza, como la goma elástica que puede estirarse sin dificultad recuperando su longitud original una vez que desaparece la carga. Este comportamiento, sin embargo, no es exclusivo de estos materiales, de modo que los metales y aleaciones de aplicación técnica, piedras, hormigones y maderas empleados en construcción y, en general, cualquier material, presenta este comportamiento hasta un cierto valor de la fuerza aplicada; si bien en los casos apuntados las deformaciones son pequeñas, al retirar la carga desaparecen.

Al valor máximo de la fuerza aplicada sobre un objeto para que su deformación sea elástica se le denomina límite elástico y es de gran importancia en el diseño mecánico, ya que en la mayoría de aplicaciones es éste y no el de la rotura, el que se adopta como variable de diseño (particularmente en mecanismos). Una vez superado el límite elástico aparecen deformaciones plásticas (remanentes tras retirar la carga) comprometiendo la funcionalidad de ciertos elementos mecánicos.

 

La orfebrería

Se llama orfebrería al trabajo artístico realizado sobre utensilios o adornos de metales preciosos. Los metales que constituyen los objetos de orfebrería propiamente dichos son eminentemente la plata y el oro o una mezcla de ambos que en la antigüedad se llamaba electrón o eléctrum. Con dichos metales se fabrican ya desde edades muy remotas utensilios muy variados como vasijas, piezas de adorno, joyas, monedas, estatuas siguiendo el estilo, la ornamentación y el gusto propios de la época y de la nación que los elabora, como puede observarse recorriendo las principales civilizaciones.

 

 

 

 

La forja es otra técnica que también usa procedimientos de deformación.

La forja es el arte y el lugar de trabajo del forjador o herrero, cuyo trabajo consiste en dar forma al metal por medio del fuego y del martillo.

Una forja contiene básicamente una fragua para calentar los metales (normalmente compuestos de hierr), un yunque y un recipiente en el cual se pueden enfriar rápidamente las piezas forjadas para templarlas. Las herramientas incluyen tenazas para coger el hierro caliente y martillos para golpear el metal caliente.

En la forja se modela el metal por deformación plástica y es diferente de otros trabajos del hierro en los que se retira o elimina parte del material mediante brocas, fresadoras, torno, etc., y de otros procesos por los que se da forma al metal fundido vertiéndolo dentro de un molde (fundición).

 

 

 

 

 

 

Una técnica de transformación, muy espectacular es el procedimiento del soplado del vidrio, mediante el que se da forma a la pasta caliente del vidrio.

El vidrio soplado es una técnica de fabricación de vidrio artesanal.

Existen dos tipos de vidrio soplado.

• El vidrio soplado pyrex
• El vidrio soplado reciclado

 

 

 

 

 

VIDRIO SOPLADO PYREX

Ambos son artesanales, y requieren una gran destreza y ocupan de la mayor concentración posible, dado la temperatura del vidrio, y de la fragilidad del vidrio.

Esta técnica empleada en todo el mundo, para realizar por ejemplo artesanía como: Pipas, aretes, pulseras, collares, bisutería. Pero también existen otras especialidades para el soplado de vidrio, como el científico, especializados en la realización de aparatos de laboratorio, el soplado de vidrio para tubos de neón en los rótulos,… Esta técnica artesanal emplea herramientas como soplete de gas butano o propano y oxigeno, tenazas, pinzas, gomas de soplado, tornos, máquinas de corte y los hornos para el templado del vidrio. Los colores de los vidrios se obtienen de cristal pirex coloreados previamente (de fabrica). Para poder hacer una artesanía con esta técnica, se necesita de que el soplete funda el cristal pyrex, hasta llegar a unos 2000 grados centígrados con los que se pueda moldear libremente. Ya con la idea determinada. Todo esto carecerá de un buen trabajo, si no se tiene una experiencia previa, sobre el manejo de los colores y de su fundición, ya que a muy poca temperatura el vidrio no podrá trabajarse con facilidad y además tiene un enfriamiento muy rápido. La combinación de colores y formas vendrá de la creatividad del artista, al untarlos, fundirlos, mezclarlos, o adherirlos al cristal con el cual se va a trabajar. Para poder darle formas con volumen interior, muchas veces utilizan de una pajilla metálica que al perforarla en el cristal, sacan aire de sus pulmones, calibrando el aire según el diámetro de la burbuja o la forma que quieran hacer. Cuando la pieza es muy grande suplen los pulmones con la ayuda de un compresor. Para tener una mejor visualización sobre lo que se trabaja en esta artesanía. Pueden recordar de los agitadores con figuras en vidrio, el cristal de Murano (en cualquiera de sus modalidades).

 

VIDREO SOPLADO RECICLADO

Su primer uso, que se remonta a tiempos muy antiguos, era para objetos de bisutería. Añadiéndole diversos minerales durante el fundido se obtenían cuentas de diferentes colores. En la Antigua Roma se inventó el soplado, técnica que permitió la elaboración de recipientes e, incluso, de láminas para ventanas.

Para poder fundir el vidrio, se necesita de una temperatura de 1600 grados centígrados (C°), todo esto para que tome de un comportamiento viscoso y cristalino, con el cual se podrá trabajar con facilidad. Muy liquido seria imposible de trabajar al igual que muy denso. Se vierten cargas de vidrio soplado en un horno (conformado con ladrillo refractarios, uniéndolos con una mezcla de mortero y agua [como capa interior], como para exterior se emplea ladrillo de barro, todo esto con la finalidad de resistir las altas temperaturas y mantener el calor), después de vertidas las cargas se iniciara el “derretido” del vidrio. Para poder tomar el vidrio se utiliza una “caña” (tubo cilíndrico de acero hueco) previamente calentada de su parte lejana al cuerpo humano, para poder estar a la misma temperatura del vidrio y esta no sume un choque termal, y no dificulte su adhesión a la cana. Se introducirá en la “tina” (deposito de vidrio derretido) del horno, una vez introducida la cana se le dará vueltas al tubo (sobre su propio eje), para poder obtener la mayor cantidad de vidrio (según la pieza a fabricar). Una vez tomada la masa de cristal de le procederá a darle una forma esférica sobre una placa de acero, para poder manejarla mejor (todo esto girando la masa sobre lo ancho o largo de la placa). Una vez teniendo la forma deseada, se pasara a soplar (con la boca introducida en un extremo de la cana, soplado) la bola para poder darle la dimensión deseada (según la pieza a fabricar). Después se pasara a un molde (de acero en grano), y se procederá a soplar con muchas fuerzas dentro de la pieza (adentro del molde), para poder darle una forma predeterminada (en producciones mayores como vasos, copas, jarras, floreros, etc. es necesario de un molde para agilizar la producción), una vez teniendo una forma “predeterminada”, se mocha de un extremo con un simple golpe en la cana, dejando caer la pieza sobre un contedor (previamente acondicionado con tela de asbesto en su parte inferior y arena sílice de un grano demasiado grueso), todo esto con la finalidad de que la parte donde se unía el tubo con la pieza de vidrio soplado sirva como boca de alguna pieza (solo en vasos, copas, floreros, ensaladeras, licoreras, botellas). Una vez que se deposita, con otro tubo (para acabar), previamente calentado a la temperatura del vidrio (en el contenedor a 900 grados centígrados (C°), se tomara de la parte donde no esta la abertura, y se introducirá al horno (por una de sus bocas), para poder calentar la pieza para poder trabajarla. Una vez teniendo la temperatura deseada, se abre poco a poco el orificios con unas tenazas (de hierro forjado artesanalmente), para darle un diámetro superior al inicial. Después de obtenido el diámetro calculado, se utiliza un madero cubierto de papel periódico (previamente humedecido con agua), y se le da la forma a la boca, según se desee. Después de terminada la pieza, colocándole las aplicaciones que se deseen, se pasara a un horno de temple, para poder disminuir la temperatura poco a poco, y este agarre características especiales (según el método del templado) como dureza, tenacidad.

 

1E) Transformación

 

Técnicas de vaciado

Consisten en hacer moldes (o negativos) y rellenarlos después con algún material (positivado).

Materiales de relleno

Materiales para rellenar Moldes
Barro para cocer	Colada	Barro líquido vertido en el molde a piezas
	Apreton	Barro en pasta apretado sobre el molde a piezas o flexible
Escayola o yeso	Procedimientos diversos: colada, en pasta, rellenado etc. Hueco o macizo. Con o sin armazón
Cementos	Muy diverso tipo: cemento blanco+marmolina, cemento+arena, cemento+chamota (polvo barro cocido), etc. Puede ir sin armazon o con armazón de metal (hormigón armado), de fibra de vidrio, etc. Puede ser hueco o macizo.
Resinas sintéticas	Normalmente una resina sintética+carga (aridos, pigmento, etc)		poliéster+carga+fibra vidrio
			Epoxi+carga (puede llevar también fibras)
			Otras
Otros

Moldeado con escayola

 

 

 

Moldeado de un relieve con molde silicona muy sencillo

 

 

La fundición

Se denomina fundición al proceso de fabricación de piezas, comúnmente metálicas pero también de plástico, consistente en fundir un material e introducirlo en una cavidad, llamada molde, donde se solidifica.

El proceso tradicional es la fundición en arena, por ser ésta un material refractario muy abundante en la naturaleza y que, mezclada con arcilla, adquiere cohesión y moldeabilidad sin perder la permeabilidad que posibilita evacuar los gases del molde al tiempo que se vierte el metal fundido.

En Escultura el más usual es el de la “cera perdida”

Fundición a la cera perdida

•         Primero se saca una copia de cera, hueca y con finas paredes

•         Esa copia de cera se rodea de un molde de material refractario, y se rellena también de material refractario

•         Se calienta todo hasta que la cera se funde y sale del molde, y en el espacio resultante (donde estaba la cera) se echa bronce u otro metal

•         Se rompe y quita el molde, y se retoca la pieza

 

 

 

 

 La cera, que también se emplea en la preparación de bocetos, es material que solicita lo menudo, la escultura en pequeño. Con ella se han creado escenas de vitrina o «escaparate». la minuciosa obra del escultor en cera recibe el auxilio del policromador; hay una cercanía muy grande entre la escultura y la pintura en estas vitrinas con escenas de cera pintada. Son obras de interior, de gabinete, piezas hogareñas.

 

2) TECNICAS y PROCESOS BIDIMENSIONALES

Técnicas bidimensionales tradicionales (excepto las de impresión)
Dibujo	Carboncillo
	Sanguina y otras barras
	Lapices
	Tintas (tinta china, sepia, bistre, etc.)
	Pastel
	Ceras
	Otros (tizas, punta de plata, etc.)
Pintura (con pincel, aerógrafo, rodillos, esponjas, espátulas, etc.)	Al agua
	Al aceite/disolventes
	Temple
	Fresco

 

 

El dibujo tiene como característica primordial el empleo del trazo o la línea. Frente a otras técnicas artísticas, destaca por la brevedad en su ejecución. Generalmente, es de dimensiones reducidas.

El soporte habitual del dibujo es el papel. Para los apuntes y los dibujos de pluma y pincel, se prefiere el papel blanco, de granulado fino y superficie lisa . El papel de grano grueso, sea coloreado o no, es más adecuado para el dibujo a lápiz, el carboncillo o el pastel.

1) El dibujo a tinta

El dibujo a pluma emplea distintos tipos de tintas:

a) La más frecuente es la tinta china, que se confecciona a basede negro de humo disuelto en aceite, de goma arábiga y aglutinantes. Una vez mezclada con agua produce tonos grises.

b) La sepia es una tinta que se obtiene de la sustancia contenida en una glándula del cefalópodo del mismo nombre. Dicha sustancia se diluye en agua en distinto grado de concentración y se le añade goma arábiga.

Además de constituir la materia prima del dibujo a pluma, la tinta es también la base de otras dos técnicas de dibujo: el pincel y la aguada.

El pincel se usa con tintas puras o diluidas en agua.

La aguada se obtiene a partir de tinta china o de tintas de colores, que se diluyen en agua y se aplican con pincel. Las aguadas más frecuentes en Goya son las de tinta parda, pues se prestan muy bien a sus habituales contrastes de luz y sombra.

Es frecuente encontrar mezcladas en un mismo dibujo las diversas técnicas. La pluma y la tinta se utilizan para trazar laslíneas y las figuras, y el pincel y la aguada para matizar lasactitudes y los contrastes.

2) El dibujo a lápiz

El dibujo a lápiz se define por el material empleado:lápiz negro, lápiz blanco de yeso y de color, a los que se sumanlas tizas coloreadas.

El carboncillo se consigue con unos bastoncillos obtenidos de la combustión lenta de la madera, a los que se añaden resinas y alcohol para prolongar su duración.

La sanguina es un lápiz rojo de arcilla ferruginosa.

El lápiz negro que se usaba en época de Goya era el grafitoinglés, cuya mina se fabricaba con plomo. En 1790 se inventóuna nueva técnica de fabricación de lápices: el llamadolápiz Conté. Se trata de un conglomerado de polvo degrafito y arcilla, que sigue utilizándose hoy en día para lafabricación de lápices corrientes.

 

 

 

EL CARBONCILLO

El carboncillo se fabrica en bastones de unos 13 a 15 cm por un diámetro que va desde la ramita de 5 mm. a la rama de hasta 1,5 cm. Algunas marcas ofrecen tres gradaciones: blando ‘ medio y duro.

Derivado del carboncillo, el lápiz carbón, conocido también como lápiz o crayón Conté, está constituido por una mina de carbón vegetal y sustancias aglutinantes protegidas por la madera del lápiz. Se fabrica en tres, cuatro y hasta seis gradaciones, indicadas con números, con letras o con los términos blando, duro, etc….

Otras variantes del carboncillo

Como variantes del carboncillo y el lápiz carbón se fabrican varios productos de excelente rendimiento y calidad. Son de carbón vegetal o artificial, comprimido, en algunos casos mezclado con arcilla y añadiendo siempre sustancias aglutinantes, logrando en conjunto la estabilidad del lápiz carbón y (sobre todo en las gradaciones blandas) la intensidad y fluidez de los colores al pastel. Cabe destacar las minas redondas con mezcla de arcilla de un negro intenso, mate, inalterable e incluso difícil de borrar; así como los bastones, barras y cretas en bastones, todos ellos máximos exponentes del dibujo al carbón.

Todos los fabricantes ofrecen estos productos en diferentes gradaciones. Hay que mencionar, también, el carbón en polvo, un medio que generalmente se combina con cretas o carbón comprimido contando siempre con aplicarlo mediante difuminos… y dedos.

 

 

 

 

 

Cretas blancas

La creta blanca, es la barra o el lápiz que utilizamos para realzar blancos en un dibujo al carbón o a la sanguina sobre papel de color.

Técnicas del carboncillo y el lápiz carbón

El primer condicionamiento del dibujo al carboncillo, y en cierto modo del lápiz carbón, es el hecho de dibujar con una punta que difícilmente puede mantenerse aguda y constante como la del lápiz grafito, lo cual supone y obliga a dibujar de manera más libre, menos precisa y desde luego, a una escala más amplia; con el carboncillo no pueden dibujarse miniaturas. Los estudios de figura al carboncillo suelen hacerse a media hoja como mínimo. Por lo mismo el dibujo al carboncillo ha de ser más libre, más suelto que el dibujo a lápiz grafito.

El tamaño más grande y la realización más libre condicionan también la manera de coger el carboncillo.

El segundo factor a tener en cuenta es que el carboncillo y el lápiz carbón son medios especialmente indicados para el estudio y la resolución de efectos de luz y sombra, de modelado, de volumen. Es conveniente, pues, elegir modelos y formas de iluminación que permitan realzar este factor. Como veremos en el capítulo de prácticas, en esta técnica interviene básicamente el esfumado con difumino y con dedos.

El carboncillo se borra con facilidad. Pasando un trapo por encima del dibujo desaparece…, pero no del todo: si el trazo dibujado es intenso queda una señal débil, difícil de eliminar totalmente, aun borrando con la goma de plástico.

La inestabilidad del carbón y del carboncillo hace necesaria la fijación del dibujo una vez terminado. El fijador no es otra cosa que una capa de líquido pulverizado que al secarse forma una película que cubre y protege el dibujo. El fijador se sirve en frascos y en aerosol. El fijador líquido se aplica soplando con un pulverizador manual. Es posible fijar con azúcar disuelto en agua y alcohol; también es posible fijar con un aerosol de laca para el cabello; pero lo más práctico y seguro es hacerlo con fijador en aerosol fabricado para este fin.

 

 

 

 

SANGUINA

La sanguina es una técnica pictórica basada en una variedad de óxido férrico llamada hematites, que se presenta bajo la forma de polvo, barra o placa. Puede tener distintas tonalidades, todas ellas en la gama del rojo -de ahí su nombre, ya que recuerda a la sangre-, desde el rojo anaranjado hasta el rojo pardovioláceo. Llamada antiguamente sinopia –por la ciudad turca de Sinope, de donde procedía la hematites-, fue utilizada en principio para dibujos preparatorios del fresco: el trazado de sanguina era aplicado directamente sobre el revestimiento del muro que se iba a pintar. La sanguina se convirtió en técnica de dibujo propiamente dicha a finales del siglo XIV: fue empleada entonces sobre un soporte de papel, bien bajo su forma sólida –trazo dejado por la barra de sanguina-, bien bajo su forma líquida –agua aplicada con el pincel-, y mezclada a menudo con otras técnicas: plumilla, piedra negra o tiza blanca. Las cualidades esenciales de este material son la luminosidad y el poder ilusionista en el acabado de las encarnaciones, que hacen de esta técnica la ideal para dos tipos de estudio: el retrato y el desnudo. La sanguina ha sido utilizada por numerosos pintores, especialmente Leonardo, Miguel Ángel, Pontormo, Lorrain, Le Bru, Fragonard y los impresionistas franceses –Manet, Renoir, Morisot, etc-.

 

 

 

 

Obtenido de “http://es.wikipedia.org/wiki/Sanguina“

 

El lápiz de grafito

El lápiz es el objeto más elemental, además del papel claro está, para dibujar. Es éste quien mancha el papel y lo pigmenta logrando crear un rastro tras de si conocido como trazo.

 

 

 

 

 

Los lápices de color

La mayoría de lápices hechos en los Estados Unidos son pintados de amarillo.Según Henry Petroski,esta tradición comenzó en 1890 cuando la L&C Hardtmuth Company de Austria-Hungría introdujo su marca de fábrica Koh-I-Noor, nombrada después del diamante famoso. Fue pensado para ser el mejor lápiz y más costoso del mundo, y en un momento en que la mayoría de los lápices eran pintados en colores oscuros o no eran pintados en absoluto, los de Koh-I-Noor era amarillo. Así como simplemente ser distintivo, el color se pudo haber inspirado por la bandera austrohúngara; era también sugestivo del Oriente, en un momento en que el grafito de la mejor-calidad vino de Siberia. Otras compañías entonces copiaron el color amarillo de modo que sus lápices fueran asociados a esta marca de fábrica de alta calidad, y eligieron marcas de fábrica con referencias orientales explícitas, tales como Mikado (retitulado Mirado) y Mongol No todos los países utilizaron el amarillo en sus lápices; sin embargo, los lápices alemanes, por ejemplo, son a menudo verdes, basados en los colores de la marca registrada de Faber-Castell, una compañía alemana importante a los efectos de escritorio. Los lápices están comúnmente redondeados, hexagonales o a veces triangular en la sección. Los lápices del color (es decir, aquellos con mina de color) son generalmente del mismo color que el de la mina.

 

 

 

La tinta china

La tinta china es una tinta de invención china usada principalmente en caligrafía china y japonesa, así como en la pintura china y japonesa sumi-e.

Se compone de carbón vegetal muy finamente molido, que se apelmaza y compacta con algún tipo de pegamen con base acuosa, como resinas vegetales o algunos extractos animales. Con el carbón molido y el pegamento se forman unas barras pequeñas con forma de lingote que se prensan y se dejan secar hasta alcanzar una consistencia totalmente sólida. Esta tinta en estado sólido puede durar años o siglos sin perder sus propiedades.

La calidad de la tinta depende de muchos factores, como la madera de la que proviene el carbón, el proceso de prensado, el pegamento utilizado, el tiempo que tiene, etc. y existen desde barras muy baratas hasta piezas de coleccionista.

La tinta suele ser negra, aunque también puede mezclarse con colorantes para conseguir tintas de otros colores.

 

 

 

La tinta bistre

La tinta bistre es un pigmento marrón hecho de hollín” y de aspecto “marrón cálido medio a oscuro, con un dejo amarillento” que, disuelto en agua hirviendo, se utilizaba, según Maltese, como tinta para dibujos en códices miniados a partir del siglo VII. Maltese la define como “hollín en suspensión acuosa de diversas concentraciones, según la tonalidad que se quiera obtener” y afirma luego que es acuarela más que tinta y se emplea más para dar sombras que para trazar líneas de contorno.

 

 

La tinta sepia

 

 

 

 

Tinta+lápiz

 

 

 

 

Pastel (barras de pigmentos de color aglutinado con goma arábica)

 

 

 

 

Ceras (barras de pigmentos de color y cera u otro material graso)

 

 

 

Punta de plata

 

 

 

 

La acuarela

La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. En el Este de Asia, la acuarela ejecutada con tinta es denominada Sumi-e. En la pintura china, coreana y japonesa ha sido un medio pictórico dominante, realizado frecuentemente en tonalidades monocromáticas negras o marrones.

 

 

 

Guache

El gouache o guache, es una acuarela opaca. Es distinto de la pintura transparente sobre papeles brillantes, si uno quiere puede pintar aplicando campos lisos, con líneas precisas, pero normalmente es utilizado para producir un efecto de pinceladas con un flujo espontáneo.

Un gouache bien pintado no debe tener gruesos empastes ni capas muy espesas de pintura, sin embargo produce un efecto de ser más espeso de lo que en realidad es. Su luminosidad no depende de la base, si es blanca o no, sino que su brillo está en la misma pintura. Debido a su opacidad, los colores claros pueden pintarse sobre los oscuros sin que estos aparezcan a través de los claros. Además, puede rebajarse en agua, dándole una transparencia parecida a la de la acuarela.

 

 

 

Los acrílicos

Los acrílicos son unas pinturas que destacan por su larga inalterabilidad de los colores, su adecuación para el pintado de murales de obra al exterior, así como la posibilidad de conseguir aspectos de acuarela, gouache, óleo, etc…pinceles, brochas, espátulas, etc…) y sobre cualquier tipo de superficie, ya sean lienzos de tela o papeles especiales para acuarela.

 

 

 

 

Pintura al óleo

En arte se conoce como óleo a los aceites que se usan para combinar con otras sustancias y obtener así un producto idóneo para la pintura y como extensión, se fueron llamando óleos a la misma pintura en sí.

El uso del óleo se conoce desde la modernidad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad Media sobre todo combinándolo con la pintura al temple o al fresco. Con esta mezcla retocaban las obras realizadas en yeso y conseguían así un secado más rápido. Con el avance y las investigaciones de la alquimia se fueron inventando mezclas favorables para los resultados de la pintura. El aceite que más se empleaba era el de linaza que solía mezclarse con los pigmentos de minerales que son los que proporcionan el colorido, pero no era el único y cada artista en su taller tenía su propia fórmula que guardaba muy en secreto. Muchos siguieron los consejos y experiencias escritos en el Tratado del monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año 1100.

Esta pintura obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre otras, el poder realizar su obra lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de lo que ocurría en la pintura al temple, o al fresco), el poder retocar la obra día a día, variar la composición, los colores, etc.

Las bases sobre las que se aplica el óleo son diversas, sin que por ello varíe su aspecto. Lo que si varía es la técnica de preparación de estas bases pues es muy distinto pintar sobre lienzo, tabla, fresco o cobre. A partir del siglo XVII con el arte barroco los pintores eligieron como soporte favorito de sus pinturas al óleo sobre lienzo, siendo este más práctico para la elaboración de grandes composiciones, que la tabla. De tal forma tomó importancia el material empleado por los artistas que se empezó a emplear la palabra lienzo u óleo en lugar de cuadro para designar las obras pictóricas. Los primeros grandes artistas de pintura al óleo fueron los flamencos.

La tradición sostiene que fueron los hermanos Van Eyck los que inventaron la pintura al óleo. Esta afirmación, falsa, se basa en que, efectivamente fueron ellos, sobre todo Jan, los que explotaron las innumerables posibilidades de esta técnica, infrautilizada hasta entonces.

Van Eyck utilizaba el óleo con gran precisión y los venecianos (Tiziano) lo ampliarán aprovechando las posibilidades de textura de la pintura con base de aceite. La perspectiva aérea la desarrolla Leonardo de Vinci (la Gioconda). El flamenco Rubens, pintor barroco parte de una base oscura o neutra. Estos pintores se caracterizaban por ser directos en grado extremo (capas con gran vitalidad y mínimas correcciones). Rembrandt creará el “grisaille”; éste se convirtió en el método académico en el siglo XVIII. En el Romanticismo hay mayor libertad técnica. En el impresionismo los pintores usan una técnica más directa. En el expresionismo abstracto hay un intento de primar la expresión en lugar de la corrección técnica, igual que los neoexpresionistas.

El equipo que usan estos artistas son pinceles (cerda blanca o marta roja, también de pelo sintético, y diferentes tamaños), espátula, caballete y paleta. Las técnicas fundamentales son, trabajar por capas, o en directo “alla Prima”.

 

 

 

 

Pinturas al fresco

Un fresco es una pintura realizada sobre una superficie cubierta con una delgada y suave capa de yeso, en la cual se va aplicando cal apagada (CaOH₂) y cuando la última capa está todavía húmeda, se pinta sobre ella, de ahí su nombre.

El fresco se ejecuta en jornadas de trabajo de 8 horas, ya que la cal en un periodo de 24 horas comienza su proceso de secado y no admite más pigmentos. Por ello algunos acabados se realizaban en seco, con temple, es decir, aglutinados con cola. A esa técnica se la conoce como fresco seco.

La realización de un fresco se desarrolla en tres fases: soporte, intonaco, colores.

El soporte, de piedra o ladrillo, debe estar seco y nivelado. Antes de la fase de intonaco, se prepara con una capa llamada arriccio, de un centímetro de espesor aproximadamente, con el fin de dejar la superficie lo más lisa posible. El intonaco se compone de un impasto compuesto de polvo de mármol, cal y agua. El color, se aplica sobre el intonaco mientras éste se encuentra aún húmedo. La gama de colores se reduce a los de origen mineral. Al secarse la cal, los pigmentos quedan integrados químicamente en la propia pared, por lo que su durabilidad se vuelve muy alta.

La principal dificultad de esta técnica es el hecho de que no se puede corregir lo hecho. Una vez que el color ha sido aplicado es inmediatamente absorbido por la base. Las únicas correcciones posteriores se pueden hacer sólo cuando el fresco ha secado, mediante aplicaciones de temple. Sin embargo, estas correcciones carecen de la permanencia del buon fresco.

Otra dificultad consiste en la diferencia de tono del color entre el momento de aplicación y el resultado final una vez seco. El pintor debe anticipar y adivinar el resultado final.

Probablemente el ejemplo más significativo de pintura al fresco sea el conjunto de pinturas realizadas en la Capilla Sixtina por Miguel Ángel, que sumadas a las obras realizadas en la misma capilla por los artistas de la generación anterior, Ghirlandaio, Botticelli y Perugino, más el panel frontal con las escenas del Juicio Final del propio Miguel Ángel, hacen de ese recinto el sancta sanctorum de la pintura al fresco, y quizá de la pintura en general.

La famosa obra, La Última Cena de Leonardo Da Vinci no puede ser considerada un fresco. Su autor nunca dominó esta técnica, por lo cual empleó una base de arcilla y un aglutinante –elaborado de óleo y barniz- que le permitió corregir la pintura y lograr una riqueza de color y una precisión en el detalle similar a la de un cuadro al óleo. Sin embargo, el desgaste de la pintura es bastante mayor que en el caso de un fresco, en La Ultima Cena el deterioro comenzó a los pocos meses de terminada la obra. Otro ejemplo de falso fresco realizado por Leonardo y con los mismos resultados catastróficos es el de La batalla de Anghiari, realizado en el palacio Viejo de Florencia y que resultó igualmente dañado a causa de los afanes experimentadores de su creador.

 

 

 

 

 

Pintura al temple

En general, todas las técnicas pictóricas se basan en tres elementos básicos: el pigmento, el disolvente y el aglutinante. En el caso de la pintura al temple el disolvente es el agua y el aglutinante algún tipo de grasa animal u otras materias orgánicas.

Las formas de obtener la emulsión son:

• Por enriquecimiento de pinturas magras (agregando aceites o similares).

• Por empobrecimiento de pinturas grasas: (pintura al óleo), no recomendado.

• Por emulsión directa: mezcla del pigmento con el aglutinante (óptima).

En el caso de ésta última, hay que diluir el pigmento en una emulsión que puede ser de colas de conejo o pescado, clara o yema de huevo, caseína (proteína de la leche) o cualquier mezcla de las anteriores.

Otros aditivos habituales son goma arábiga, para dar una cierta textura; ácido acético (vinagre) y barniz de óleo (dammar o similar, por ejemplo) como conservante; sacarosa (azúcar) como aglutinante no secativo; agua destilada como diluyente o aligerante; glicerina como retardante del secado y aligerante; aceite de linaza; aguarrás o esencia de petróleo; etc. El barniz se puede usar también como texturizante. En caso de agregar disolvente orgánico, frente al aguarrás es más aconsejable la esencia de petróleo, dado que es necesaria menos cantidad y su origen mineral la hace más estable (no amarillea con el tiempo).

Otra forma de obtener el conservante es mediante la hidrolización de la acetidina (o también llamado ester acetil acético, etanoato de etilo, acetato de etilo…) la cual se comercia como disolvente universal. La proporción es de cuatro partes de agua destilada por cada una de acetidina y agitar durante unos dos minutos hasta lograr una substancia homogénea. Ésta es una disolución de ácido acético y etanol al cincuenta por ciento en mol. Su olor es muy penetrante y desagradable (similar al del tiner) y requiere cantidades pequeñas. También se puede usar para recuperar pintura casi seca.

Según normas antiguas (como los tratados de Cennino Cennini) a la hora de emplear clara o yema, hay que saber que la clara da más transparencia y ligereza, siendo ideal para las luces y sectores intermedios. La yema da tonos más oscuros y puede estropearse con más facilidad, es más aconsejable para las sombras siempre aligerada con algo de clara.

Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea. Puede considerarse característico de los estilos Románico y Gótico en el occidente Europeo, y de los iconos bizantinos y ortodoxos, en Europa Oriental.

Este procedimiento pictórico se aplica usualmente sobre tabla, aunque, a menudo era utilizado para retocar pinturas murales al fresco y añadirles detalle. Esta técnica se usaba abundantemente para aplicar azul ultramar, incompatible químicamente con el buon fresco, por ejemplo en mantos azules, cielos, etc. Se conocía como fresco secco o retoque alla secca.

Ya Cennino Cennini hablaba de un temple sólo de aceite, que es lo que luego se conoció como pintura al óleo. En los últimos tiempos de la Edad Media eran muy habituales los temples con mezcla de aceites y barnices grasos. E incluso ir añadiendo aceite a las sucesivas capas de temple.

Desde finales del siglo XV, en consecuencia, el temple va siendo sustituido por la pintura al óleo, a causa de las ventajas que presenta, sobre todo la invisibilidad de las pinceladas y el poder aplicarse sobre lienzo.

En el Renacimiento, el óleo fue traído al sur de Europa proveniente de los Países Bajos e introducido, entre otros por Leonardo Da Vinci.

Actualmente, la pintura al temple se está poniendo de nuevo de moda debido a las recuperadas posibilidades que ofrece y a su precio más económico y producción más sencilla.

Según algunos autores incluso se puede considerar a la pintura acrílica como una pintura al temple, si se entiende temple como toda pintura fabricada con un aglutinante en emulsión. Según este criterio, nuestra época es la del gran resurgir del temple.

 

 

 

 

 

Técnicas de grabado y estampación

Técnicas bidimensionales de grabado y estampación (impresión)
Grabado	Monototipos y sellor
	Xilografía (en madera)
	Linóleo
	Litografia (en piedra litográfica)
	Sobre plancha metálica
	Colagraf
	Serigrafía (pantallas)
	Otros (Grabado en escayola o en plástico por ejemplo ej.)
Otras técnicas de estampación	Estarcido y aerografía
	Uso del fax, fotocopiadora, etc.
	Infografía e impresión

 

 

 

Tórculo

Un tórculo es una prensa utilizada para el arte de el grabado, con torniquetes de metal que presionan un rodillo contra una platína en la cual se coloca el papel y la placa de grabado, para que la tinta se traspase de la lámina al papel. Esta máquina puede ser utilizado para cualquier tipo de grabado, desde el linoleo hasta el grabado al aguafuerte. Esto, porque el tórculo es solo el encargado de realizar la presión para poder pasar la tinta de la plancha a el papel o lamina al que se desee pasar la impresión. El tórculo es el ancestro y lo que llego a inspirar la imprenta, esto por que la imprenta y el tórculo tienen funciones muy similares. Esta prensa puede ser de metal o madera.

 

 

 

 

Grabado en linoleo

 

 

 

 

 

 

Xilografías

Es una técnica de impresión con plancha de madera. El texto y/o la imagen deseada se talla a mano con un cincel o buril en la madera. Se utiliza habitualmente una sola matriz (llamada también taco) para cada página. A continuación se impregna con tinta y presionándola contra un soporte (como el papel) se obtiene la impresión del relieve.

Las maderas más adecuadas para realizarla son la de boj, la de cerezo o la de peral. Otras maderas menos duras, como las de arce y roble, no son adecuadas para la xilografía.

Existen dos tipos de xilografía en función de como se realice el grabado en la madera:

• Xilografía “al hilo”: la superficie de grabado está cortada en paralelo a las fibras del tronco. Este método es propenso a la aparición de nudos y fibras irregulares con el consecuente problema para la impresión.
• Xilografía “a testa”: la cara es perpendicular a las fibras.

Se diferencia de los demás sistemas de impresión de textos en que utiliza una plancha fija para imprimir todo el contenido, mientras que los restantes se basan en tipos móviles (letras) que se reordenan y utilizan para otras páginas.

 

 

 

 

3.- Técnicas de mosaico

Técnicas de mosaico más usuales

•         Collage

•         Mosaico

–        Piedra

–        Vidrio

–        Madera y otros (taracea)

–        Enguijarrado

–        Etc.

 

Collage

El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip.Viene del francés coller, que significa pegar.

En pintura, un ‘Kollaje’ se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc. Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el colaje en 1912 con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla, está en discusión si fue primero Picasso o Georges Braque. El primero había pegado fotografías a sus dibujos en fechas tan tempranas como 1899, y en la primavera de 1912 incorporó hule en forma de rejilla a su citada pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla. Pero el segundo realizó a finales del verano de aquel año los primeros papiers collés al incorporar a sus obras recortes de papel pintado comercial que imitaba madera, uno de cuyos ejemplos es Tête de femme (1912). En aquel momento, los dos artistas se habían instalado en Sorgues, si bien Picasso se encontraba de viaje en París cuando Braque compró el papel y realizó estas obras. A su vuelta Picaso se entusiasmó con el descubrimiento de su amigo y los dos se lanzaron a introducir en sus pinturas recortes de diarios o revistas, etiquetas de licores o cigarrillos, y también papeles coloreados. Juan Gris rápidamente entendió la potencia del hallazgo y lo empleó también. El Futurismo lo adaptó también sin problemas -hay ejemplos de Carlo Carrà y Giacomo Balla- y los dadaístas multiplicaron sus posibilidades expresivas y conceptuales de la mano de Hans Arp, Marcel Duchamp, Hanna Hoch, Kurt Schwitters o George Grosz. De hecho, los dadaístas berlineses, que reivindicaban para sí mismos la denominación de “montadores” frente a la épica del “artista”, se consideran los inventores del fotomontaje, una técnica realizada a partir de la fotografía en combinación o no con la tipografía impresa, en la que los vanguardistas rusos, como El Lissitzki, Aleksandr Ródchenko o Solomon Telingater, fueron auténticos maestros.

Del collage se depuró un principio previo o técnica cuyo primer creador fue al parecer el dadaísta Marcel Duchamp: el “objeto encontrado”, según la cual cualquier cosa que elige un artista es sacralizada como “arte”, desde una piedra que llama su atención en un camino a una imagen que le gusta en una revista. De ahí a la amalgama de “objetos encontrados” o collage hay sólo un paso.

El collage ha sido usado, pues, en las vanguardias históricas de principios del siglo XX: Futurismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo, Constructivism… Artistas plásticos que frecuentemente han usado esta técnica incluyen a Max Ernst, Juan Gris, Georges Braque, Marcel Duchamp, Man Ray, Antoni Tàpies, Jasper Johns y el artista mexicano Alberto Gironella. Asimismo es una técnica habitualmente empleada por los creadores del Arte correo en la difusión de sus trabajos. Existen nuevos grupos literarios que están implementando el collage colectivo como técnica de composición de textos.

Entre los representantes más reconocidos del collage tenemos a:

• Pablo Picasso,
• Jean Arp,
• Giacomo Balla…

 

 

 

 

 

Mosaico

Un mosaico era una obra compuesta de rocas. También puede estar hecha de madera. Por extensión se llama mosaico a cualquier obra realizada con fracciones diversas.

Se utilizó en los yacimientos de la ciudad asiria llamada Nínive.Se ha podido ver que decoraban las paredes y las columnas con pequeños trozos de arcillas de colores dibujando formas geométricas.

En el mundo europeo fue muy frecuente y desde muy temprano (desde fines del siglo V a. C.) el pavimento compuesto por guijas de río (piedrecillas chicas que se encuentran en las orillas) de tamaños y de colores distintos. Con estas guijas se hacían dibujos sencillos de temas geométricos. En los pueblos de Castilla y León (en España) han seguido a través de los siglos esta tradición para los patios y zaguanes de las casas. Es lo que llaman enguijarrado.

Este sistema de pavimentación se ha podido ver claramente en las casas de Olinto (Olynthos), antigua ciudad griega de la región de Macedonia en la península Calcídica, que fue destruida por Filipo II de Macedonia en el año 348 a. C., y en las ciudades de Pella y Corinto. Las escenas representadas con estos guijarros suelen ser del mundo marino, del repertorio homérico y del culto a Dioniso.

Todos los pueblos antiguos hicieron incursión en este arte tanto en la antigüedad clásica como en la de Mesoamérica. En la antigüedad clásica llegó a ser un producto muy elaborado y de gran lujo con la cultura helenística, en que se empezaron a realizar obras más complicadas con temas complejos y episodios de la vida cotidiana y de la mitología. Los materiales empleados también fueron más ricos (mármol, vidrio, ónice). El arte del mosaico adquiere su difusión en época del Imperio romano.

A lo largo de la historia de la humanidad el arte del mosaico se ha ido desarrollando y enriqueciéndose, adquiriendo el estilo y los materiales adecuados a cada época, hasta llegar al siglo XXI en que las obras de arte se siguen sucediendo aunque no mucho.

 

 

 

 

4.- Otras técnicas tradicionales

 

Las Vidrieras

 

 

Se pueden imitar muy bien vidrieras con materiales escolares, y dan muy buen resultado.

 

5.- Técnicas de imagen fotográfica e infográfica

 

•         Técnicas derivadas de la fotografía y el cine (suelen ser audiovisuales): fotografía, cine, televisión, video, animación, etc.

•         Técnicas infográficas

 

Los hermanos Lumiére

 

 

 

Louis Jean (5 de octubre de 1864 – 6 de junio de 1948) y Auguste Marie Louis Nicholas (19 de octubre de 1862 – 10 de abril de 1954) fueron los inventores del proyector cinematográfico.

Ambos nacieron en Besançon, Francia, pero crecieron en Lyon. Su padre tenía un taller fotográfico y ambos hermanos trabajaban con él, Louis como físico y Auguste como administrador. Louis hizo algunas mejoras en el proceso de fotografías estáticas.

Al morir su padre en 1892 los hermanos empezaron a trabajar en la posibilidad de imágenes en movimiento. Patentaron un número significativo de procesos notables, como agujerear la cinta del film para permitir su movimiento por la cámara.

Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el cinematógrafo, que se basaba en la persistencia retiniana de imágenes en el ojo humano. Ellos cargaban las piezas de la cámara filmadora en un cajón para su traslado.

El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1894. Así, en el verano de 1894, los hermanos Louis y Auguste Lumière tenían a punto la cámara que servía tanto como tomavistas o como proyector, y con ella llevaron a cabo su primera filmación ese otoño. El 22 de marzo de 1895 fue mostrada en París en una sesión de la Société d’Encouragement à l’Industrie Nacional la conocida La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir («Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir»), rodada tres días antes el 19 de marzo de 1895.

Tras diversas presentaciones en sociedades científicas, en la Universidad de la Sorbona, en Bruselas y otros lugares, se procedió a su explotación en la primera sesión exhibida para un público comercial, como primer espectáculo de pago el 28 de diciembre de 1895 en París, en el Salon Indien del Grand Café, en el Boulevard des Capucines, donde se proyectaron varias cintas entre las que destacaban, aparte de la ya citada Salida de la fábrica Lumière, otras como Llegada de un tren a la estación de la Ciotat o El desayuno del bebé, e incluía la primera película de ficción: El regador regado. Así, con este catálogo, el cine comenzó su historia a modo de documental, como testigo objetivo de la vida cotidiana.

Los hermanos pensaban que «el cine es una invención sin ningún futuro», utilizable sólo para el ámbito de la intimidad. No obstante, aprovecharon todo lo que el nuevo invento les ofreció para generar riqueza y montar un negocio rentable. Los Lumière enviaban un cinematógrafo y un operador allá donde era requerido, por ejemplo a la Coronación del zar Nicolás, etc. Con estas cintas rodadas en los lugares más exóticos del planeta surge el montaje.

Su posición económica y el interés que mostraban hacia la ciencia les hizo menospreciar las posibilidades comerciales de su invento, por lo que finalmente abandonaron la producción cinematográfica.

En 1903 patentaron un proceso para realizar fotografías en color, el Autochrome Lumière, lanzado al mercado en 1907.

Actualmente su cámara esta en el museo de cine de Paris, con la de George Méliès.

 

 

 

 

 

 

 

Cámara de video

La cámara de vídeo es un dispositivo que captura imágenes convirtiéndolas en señales eléctricas, en la mayoría de los casos a señal de vídeo, también conocida como señal de televisión. En otras palabras, una cámara de vídeo es un transductor óptico.

Las primeras cámaras de vídeo, propiamente dichas, utilizaron tubos electrónicos como captadores: un tipo de válvulas termoiónicas que realizaban, mediante el barrido por un haz de electrones del target donde se formaba la imagen procedente de un sistema de lentes, la transducción de la luz (que conformaba la imagen) en señales eléctricas. En la época de los 80 del siglo XX, se desarrollaron transductores de estado solido: los CCDs (Dispositivos de cargas interconectadas). Ellos sustituyeron muy ventajosamente a los tubos electrónicos, propiciando una disminución en el tamaño y el peso de las cámaras de vídeo. Además proporcionaron una mayor calidad y fiabilidad, aunque con una exigencia más elevada en la calidad de las ópticas utilizadas.

La televisión en blanco y negro, que utiliza únicamente la información de la luz de una imagen, la luminancia, utiliza cámaras de un solo canal de captación. Los sistemas para televisión en color, que necesitan captar las características que diferencian los colores, la crominancia, usan tres canales; cada uno de ellos destinado a la captura de cada color primario.

 

 

 

 

 

 

 

 

El Arte Digital

El Arte Digital es una disciplina creativa que comprende obras en las que se utilizan elementos digitales en el proceso de producción y/o en su exhibición.

En sus inicios, al contrario del resto de obras artísticas que se manifestaban sobre un soporte analógico:(lienzo, instrumento musical, material escultórico…) las obras de arte digital se manifiestan mediante soportes digitales o al menos tecnológicamente avanzados.

A modo de ejemplo, el arte digital puede apreciarse en diversos ámbitos como cine (trilogía de El Señor de los Anillos), animación 3D (Shrek), etc.

 

 

 

 

 

Cámara digital

Una cámara de video digital es un dispositivo electrónico usado para capturar y almacenar fotografías electrónicamente en un formato digital, en lugar de utilizar películas fotográficas como las cámaras convencionales, o imágenes grabadas en cinta magnética usando un formato analógico como muchas cámaras de video.

Las cámaras digitales compactas modernas generalmente son multifuncionales y contienen algunos dispositivos capaces de grabar sonido y/o video además de fotografías. Actualmente se venden más cámaras fotográficas digitales que cámaras con película de 35 mm.

 

 

 

 

 

7.- ALGUNAS NOCIONES ELEMENTALES

Los pasos más usados en el arte son los bocetos y las pruebas, modelos, y finalmente realizar la obra.

Del modelo o idea original a la obra definitiva suele haber mucho trabajo intermedio.

 

Los bocetos

Un boceto, también llamado esbozo (Layout en inglés), es un dibujo realizado de forma esquemática y sin preocuparse de los detalles o terminaciones para representar ideas, lugares, personas u objetos.

Un boceto es un dibujo hecho a mano alzada, utilizando lápiz, papel y goma de borrar, realizado generalmente sin instrumentos de dibujo auxiliares. Puede ser un primer apunte del objeto ideado que aún no está totalmente definido. Se pueden utilizar tanto técnicas de perspectiva como vistas ortogonales. Es un dibujo rápido de lo que luego llegará a ser un dibujo definido o la obra de arte final en sí.

 

 

 

También es muy frecuente hacer maquetas, fotomontajes y diseños por ordenador.

 

Maquetas

 

 

 

 

Fotomontajes y diseños por ordenador 

 

 

 

 

 

En este tema hemos aprendido conceptos nuevos, no es mi tema preferido pero hay información muy importante referente a la asignatura y con esta información adquirimos nuevos conocimientos que nos servirán para enseñar a los alumnos.

 

 

Tema 2: Elementos de la forma, color, sintaxis de la imagen y campo visual.

 

 

  

Tema 2: Elementos de la forma, color, sintaxis de la imagen y campo visual.

 

 

 

ELEMENTOS DE LA FORMA

 

 

 

En el segundo tema comenzó con la explicación sobre los elementos de la forma (punto, línea, plano y figura).

 

En el momento en el que pongamos algo en el campo gráfico esto empieza a funcionar de una determinada manera.

 

El punto, en geometría, es uno de los entes fundamentales, junto con la recta y el plano. Son considerados conceptos primarios, o sea, que sólo es posible describirlos en relación a otros elementos similares. Se suelen describir apoyándose en los postulados característicos, que determinan las relaciones entre los entes geométricos fundamentales.

El punto es un elemento geométrico adimensional, no es un objeto físico; describe una posición en el espacio, determinada en función de un sistema de coordenadas preestablecido.

El punto es el lugar donde se cruzan dos rectas, dependiendo donde se coloca el punto nos va a dar una distinta sensación, nos puede provocar tensión o equilibrio y calma.

La zona de máximo equilibrio es en el centro, cuanto mas alejado se encuentre del centro mayor tensión.

 

 

 

 

 

 

 

 

                                 

 

 

 

 

 

  

 

 

 

 

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

A continuación seguiré el temario hablando de las líneas y tipos de las mismas.

 

Una línea es una sucesión continua de puntos. La línea, es el elemento más básico de todo grafismo y uno de los más utilizados. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también puede ser dinámica y variada. Cada línea tiene dos sentidos y una dirección.

 

Existen distintos tipos de líneas:

 

Recta (una dimensión).

Por tener una sola dimensión se denominará:

• Línea recta, el lugar geométrico de la sucesión continua de puntos en la citada dimensión, además tiende a ser infinita en ambos sentidos y direcciones.

 

Planas (dos dimensiones).

Una sucesión continua de puntos contenidos en un plano, aunque siga cualquier criterio, se denomina línea. Puede ser:

• Línea recta, la sucesión continua de puntos en una misma dirección.
• Línea curva, de formas redondeadas, con uno o varios centros de curvatura.
• Línea quebrada o poligonal, formada por segmentos rectos consecutivos no alineados, presentando puntos angulosos.
  • poligonal abierta, si no están unidos el primero y último segmentos.
  • poligonal cerrada, si cada segmento esta unido a otros dos
• Línea mixta, una combinación de las anteriores.

Espaciales (tres dimensiones).

También, una línea es el lugar geométrico de una sucesión continua de puntos en un espacio tridimensional, aunque siga cualquier criterio. Puede ser:

• Línea recta, curva o quebrada, similares a las anteriores.
• Línea curva alabeada, la que presenta formas redondeadas y no puede ser contenida en un plano.
• Línea quebrada tridimensional, la que presenta puntos angulosos y no puede ser contenida en un plano.
• Línea mixta tridimensional, una combinación de las anteriores.

Para finalizar el tema sobre las líneas quisiera mencionar el Horizonte (del griego “orizon”: limitar) es la “línea” que aparentemente separa el cielo y la tierra, esta “línea” involucra un espacio circular de la superficie de la tierra.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Concepto de eje sentido:

Establecemos inconscientemente una especie de “eje” vertical (ortogonal al suelo) sobre cada forma, con arreglo al cual establecemos su equilibrio. Le llamamos eje sentido.

El “eje sentido” nos permite comprender cómo las formas se alejan de lo vertical y adquieren dinamismo, tensión, etc…

Otro término importante es el Equilibrio.

Muchas veces nos confundimos entre lo que es Estática y lo que es Dinámica, por eso antes de empezar con el estudio del equilibrio de cuerpos es necesario diferenciar entre dichas ramas de la Mecánica. La Estática estudia el equilibrio de los cuerpos, es decir, aquellos cuerpos que se encuentran tanto en reposo como en movimiento con velocidad constante; mientras que la Dinámica estudia los cuerpos acelerados, aunque se puede establecer el equilibrio dinámico mediante la introducción de las fuerzas de inercia.

Para detallar y explicar la parte teórica tomaremos algunos ejemplos de la vida cotidiana en los cuales se aplican principios físicos, como:

·                       Equilibrio en el vuelo de un esquiador

·                       Por qué vuela el avión

·                       ¿Por qué no se cae la Torre Pisa?

·                       Fuerzas y principios físicos en la caída de un gato

·                       Equilibrio en el vuelo de un Búmeran

·                       Equilibrio en el baile

·                       Equilibrio de una plataforma sostenida por una columna

·                       Curiosidades de la física.

 

Finalmente quedará demostrado que la Física no es solamente abstracta, sino que es también práctica y ocurre en la vida diaria, y el estudio del equilibrio es un paso previo para el estudio de la Dinámica y otras ramas de la Física. (www.monografías.com).

 

 

 

 

 

 

RITMOS INTERNOS. REPRESENTACIÓN DEL MOVIMIENTO.

 

Podemos definir al ritmo interno como las líneas (imaginarias) que dan sensación dinámica de las formas, de su sensación de movimiento.

Una imagen que esté representada sobre una línea vertical transmite poco dinamismo y da una gran sensación de calma.

Cuanto más dinámico sea el ritmo interno de las figuras, o la forma en que parecen estar inscritas, más dinámica será la obra.

El dinamismo es un sistema filosófico que considera el mundo corpóreo como formado por agrupaciones de elementos simples, realmente inextensos, y cuyo fondo esencial es la fuerza; de suerte que los fenómenos corpóreos resultan del choque de fuerzas elementales, y se reducen en definitiva a modos del movimiento.(Enciclopedia Wikipedia).

 

También existen varias posturas simultáneas, es decir, varias fases del movimiento.

El movimiento es un fenómeno físico que se define como todo cambio de posición que experimentan los cuerpos de un sistema, o conjunto, en el espacio con respecto a ellos mismos o con arreglo a otro cuerpo que sirve de referencia. Todo cuerpo en movimiento describe una trayectoria.

La parte de la física que se encarga del estudio del movimiento sin estudiar sus causas es la cinemática. La parte de la física que se encarga del estudio de las causas del movimiento es la dinámica.(Enciclopedia Wikipedia).

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Las Líneas cinéticas, estelas y rastros poseen un gran dinamismo y producen en las imágenes una sensación de movimiento indiscutible.

También es conveniente hablar del fenómeno de la deformación en una imagen, ya que es una gran estrategia para dar movimiento y dinamismo.

La deformación es el cambio en el tamaño o forma de un cuerpo debido a la aplicación de una o más fuerzas sobre el mismo o la ocurrencia de dilatación térmica.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Planos y figuras.

 

Un plano es una sucesión de líneas. Existen tres tipos de planos:

-Rectos.

-Curvos o alabeados.

-Mixtos.

Las Figuras regulares, son aquellas que tienen todos los lados y los ángulos iguales:

–        Cuadrados y rectángulos

–        Triángulos: Equilátero, isósceles, escaleno

–        Círculos, elipses, óvalos, ovoides, etc.

–        Otras: Hexágonos, heptágonos…trapecios, rombos, etc…

Y para concluir existen las Figuras irregulares son los que no cumplen alguno de las condiciones de las figuras regulares.

 

Dinámica de las formas: Existen dos tipos de formatos para representar a una imagen, de forma horizontal o vertical.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

1. Un rectángulo es un paralelogramo cuyos cuatro lados forman ángulos rectos entre sí. Los lados opuestos tienen la misma longitud.

Tiene como características:

-Sus lados son iguales dos a dos.

-Sus 4 ángulos son rectos.

-Las diagonales son iguales pero no perpendiculares.

Tiene un carácter estático y equilibrado con escasa o ninguna tensión y predominan en él las dimensiones verticales y horizontales.

El rectángulo horizontal tiene un predominio de las horizontales sobre las verticales, por lo que es aún más reposado que el otro.

Hay algunas tipos excepcionales de rectángulos como son:(enciclopedia wikipedia)

• El cuadrado se puede considerar un caso particular del rectángulo, en el que todos sus lados tienen la misma longitud.

• El Rectángulo áureo, también denominado rectángulo de oro o rectángulo Φ, es el rectángulo cuyos lados están en razón áurea. Si b y h son los lados, b/h = Φ. Para construirlo a partir de un cuadrado de lado AB, basta con determinar el punto medio M de uno de los lados AB, y trazar, con centro en el punto M, una circunferencia que pase por uno de los vértices C del lado opuesto.

 

 

 

 

Leonardo Da Vinci utilizó rectángulos áureo para Mona Lisa.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

• Rectángulo (Rectángulo raíz de 2), aquel cuya relación entre base y altura es igual a la raíz cuadrada de dos. Si b y h son los lados, b/h = .

El interés de este rectángulo radica en que si es dividido en dos mitades, por su lado más largo, los dos nuevos rectángulos obtenidos tiene cada uno la mitad de área que el original, pero exactamente sus mismas proporciones. Es por ello que, entre otros usos, es el formato utilizado para dimensionar las hojas de papel según la norma DIN.

Construcción partiendo del cuadrado: de forma similar al rectángulo áureo, se traza con centro en el punto A, una circunferencia que pase por el vértice opuesto C.

• Doble cuadrado

 

2. El cuadrado es un polígono que tiene los cuatro lados y los cuatro ángulos iguales (todos rectos); en álgebra, el cuadrado de un número n se indica como n², expresión similar a n x n, y equivale al área de un cuadrado geométrico de lado n.

El cuadrado tiene un carácter equilibrado, aunque posee tensión interna. Al ser los cuatro lados idénticos, sin que ninguno destaque, se produce tensión visual ente ellos.

Formato cuadrado:

 

 

 

 

 

3. El círculo es el conjunto de los puntos de un plano que se encuentran contenidos en una circunferencia. En castellano, la palabra círculo^[] tiene varias acepciones, la primera: es una superficie geométrica plana contenida dentro de una circunferencia con área definida, mientras que se denomina circunferencia^[] a la curva geométrica plana, cerrada, cuyos puntos son equidistantes del centro, y sólo posee longitud. “Aunque ambos conceptos están relacionados, no debe confundirse la circunferencia (línea curva) con el círculo (superficie).”

El círculo tiene un carácter muy dinámico: es una curva cerrada que produce un movimiento sin fin. Pero es equilibrado, pues establecemos rápidamente su eje vertical.

 

 

 

 

 

 

4. Curvas cerradas o curva de Jordan es una curva cerrada que no se corta a sí misma.

Su equilibrio va a depender directamente del de sus ejes. Siempre son dinámicas.

 

 

 

 

 

 

 

Cualquier superficie sirve de soporte para una imagen, por lo que los tipos de formatos son infinitos. Aunque los formatos más comunes son los rectangulares.

También existen formatos mixtos como:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Y formatos múltiples, como los populares polípticos como:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

5. El triángulo es un polígono de tres lados; está determinado por tres segmentos de 3 rectas que se cortan, denominados lados; o 3 puntos no alineados llamados vértices. También puede determinarse un triángulo por cualesquiera otros tres elementos relativos a él, como por ejemplo un ángulo y dos medianas; o un lado, una altura y una mediana.

Si está contenido en una superficie plana se denomina triángulo, o trígono, un nombre menos común para este tipo de polígonos. Si está contenido en una superficie esférica se denomina triángulo esférico. Representado, en cartografía, sobre la superficie terrestre, se llama triángulo geodésico.

Cuando los triángulos no apoyan ningún lado sobre la horizontal, sean equiláteros, isósceles  o escaleno, se incrementa su tensión y pueden perder el equilibrio.

Conclusión: Dependiendo de su tipología y de la posición de su eje, las formas nos parecen más o menos dinámicas y equilibradas.

Clasificación de los triángulos .

Por la longitud de sus lados se clasifican en:

• Triángulo equilátero: es un caso especial del triángulo isósceles. Y se da cuando los tres lados del triángulo tienen la misma longitud (los tres ángulos internos miden 60 grados ó radianes.)

 

 

 

 

 

• Triángulo isósceles: si tiene al menos dos lados de la misma longitud. El tercer lado puede o no ser igual, en este caso, si los tres lados fueran iguales sería un triángulo equilátero.

 

 

 

 

 

• Triángulo escaleno: si todos sus lados tienen longitudes diferentes. En un triángulo escaleno no hay ángulos con la misma medida.

 

 

 

 

 

Triángulo equilátero: Un triángulo equilátero, es un poligono de tres lados, triángulo con los tres ángulos agudos e iguales a 60º y los tres lados iguales; este triángulo es simétrico respecto a sus tres alturas.

Características:

•         Equilibrio total: Eje sentido central y simétrico. Si está apoyado sobre uno de los lados, el equilibrio es muy firme.

•         Cierto dinamismo (forma de flecha).

 

  

  

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El color

 

Dimensiones del color

 

Color, brillo y contraste.

 

El color es un fenómeno psicológico, una experiencia subjetiva que depende de dos conjuntos de factores: las propiedades físicas de la luz y el modo en que se organiza el sistema nervioso humano.

 

PROPIEDADES FÍSICAS DE LA LUZ EN RELACIÓN AL COLOR.

La luz es una parte relativamente pequeña del espectro electromagnético (400-700 nm de longitud de onda). Dentro de esta parte del espectro, distintas longitudes de onda se corresponden con la percepción de distintos colores.

Refractando luz blanca sobre un prisma, Newton consiguió distinguir los distintos colores del espectro visible y los distribuyó en un diagrama, desde entonces conocido como disco de Newton. Este diagrama, en el que los colores se ordenan en virtud de su longitud de onda permite estimar qué colores de anulan entre sí (complementarios) y qué puede resultar de la combinación de dos colores básicos.

El espacio del color de Munsell (1905) es una versión más sofisticada del disco de Newton, que permite además, clasificar todos los colores posibles a partir de sus tres propiedades básicas:

· Matiz: longitud de onda, color propiamente dicho.
· Brillo: cantidad de luz, lo claro o lo oscuro que resulta un determinado elemento del espacio.
· Saturación: cantidad de color que tiene un elemento, cuanto más saturado, más vivo, cuanto menos saturado, más pastel.

(/www.uam.es/personal_pdi/psicologia/travieso/web_percepcion/cobrico.html).

 

 

 

 

 

El matiz es una de las propiedades del color. El matiz es la propiedad que se refiere a los aspectos cualitativamente diferentes de la experiencia de color que tienen relación con diferencias de longitudes de onda con mezclas de diferentes longitudes de onda.

El matiz es la cualidad que diferencia a un color de otro: permite clasificarlo con términos como rojo, amarillo o azul.

Existe una alta correlación entre longitud de onda y matiz, tal como aparece en el arco iris. Estos colores forman parte del grupo de colores espectrales, los relacionados con una longitud de onda determinada. Mientras que los colores no espectrales serían los no relacionados con una longitud de onda determinada (como los púrpuras y morados). Sólo pueden obtenerse mediante la mezcla de dos o más luces monocromáticas.

Los colores cromáticos son los colores tanto espectrales como no espectrales, pero tiene importancia para entenderlos el matiz, mientras que en los colores acromáticos, su visualización o percepción se entiende mejor en relación al referirnos a la dimensión de claridad que a la del matiz (blanco, gris y negro).

Obtenido de “http://es.wikipedia.org/wiki/Matiz_(color)“

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La saturación: Saturación, o Croma, que es la mezcla del los colores entre si. Es decir la interferencia de las ondas con otras de diferentes frecuencias. Una saturación alta supone que apreciamos el color en toda su pureza, limpio de interferencias. Una menor saturación indica que el color tiene mezcla con otros colores con los que interfiere. Cuando las ondas de todos los colores se perciben con igual valor el matiz no se diferencia y se visualiza exclusivamente el color blanco.

 

 

 

 

 

 

El brillo: Brillo, o Valor, se refiere a la intensidad lumínica. Es la frecuencia de la onda luminosa. Una luminosidad alta hace que el color se aprecie más vibrante e intenso y una bajada en la frecuencia produce que color se apague hacia el negro.

 

(www.webtaller.com/maletin/articulos/seleccion_de_colores_armonicos.php.)

 

COLORES PRIMARIOS

 

Un color primario es un color que no se puede crear mezclando otros colores del gamut en un cierto espacio de colores. Los colores primarios se pueden mezclar entre sí para producir la mayoría de los colores: al mezclar dos colores primarios se produce lo que se conoce como color secundario, y al mezclar un secundario con un primario se produce lo que a veces se llama color terciario. Tradicionalmente, los colores rojo, amarillo y azul se consideran los pigmentos primarios del mundo del arte. Sin embargo, esto no es técnicamente cierto, o al menos es impreciso. Los tres colores primarios de la pigmentación son el magenta, el amarillo cadmio y el cian. (Cuando se dice que los colores primarios de la pigmentación son el “rojo, amarillo y azul”, “rojo” es una forma imprecisa de decir “magenta” y “azul” es una forma imprecisa de decir “cian”). En realidad, el azul y el rojo son pigmentos secundarios, pero son colores primarios de la luz, junto con el verde.

 

 

 

 

 

(http://es.wikipedia.org/wiki/Color_primario)

 

 

 

Color

 

•         Primarios luz (suma da luz blanca)

–        Verde

–        Azul

–        Rojo

•         Primarios materia (suma de gris muy oscuro)

–        Amarillo

–        Cyan

–        Magenta

 

Primarios luz                                                        

 

 

Color (materia)

 

•         Primarios

–        Amarillo

–        Cyan (celeste)

–        Magenta

•         Secundarios (suma de 2 primarios)

–        Verde

–        Naranja

–        Violeta

 

COLORES FRÍOS Y CÁLIDOS

 

 

 

 

 

 

Colores cálidos: Los colores cálidos en matices claros: cremas y rosas, sugieren delicadeza, feminidad, amabilidad, hospitalidad y regocijo y en los matices oscuros con predominio de rojo, vitalidad, poder, riqueza y estabilidad. Por asociación la luz solar y el fuego al rojo-anaranjado, al amarillo, etc. La distinción entre colores cálidos y colores fríos es bastante corriente. Los términos “cálidos” y “fríos” apenas se refieren a los tintes puros, parecería que el rojo es un color cálido y el azul es frío. Los dos términos parecen adquirir su significado cuando se refieren a la desviación de un color dado en la dirección de otro color. Un amarillo o un rojo azulado tienden a ser fríos, como también un rojo o un azul amarillento. Por el contrario un amarillo o azul rojizo parecen cálidos. El que determina el efecto no es el color principal, sino el color que se desvía ligeramente de él. Un azul rojizo parece cálido, mientras que un rojo azulado, parece frío. La mezcla de dos colores equilibrados no manifestarían claramente el efecto.

El verde, mezcla de amarillo y azul, se aproximaría más al frío, mientras que las combinaciones del rojo con el azul para dar el púrpura, y con el amarillo, para dar el anaranjado , tenderían a la neutralidad o a la ambigüedad. Parece que el equilibrio entre dos colores que integran una mezcla es sumamente inestable. Puede hacerse fácilmente que uno de ellos predominan sobre el otro. El observador puede ver en un naranja (anaranjado), un rojo modificado por un amarillo o un amarillo modificado por un rojo. En la primera versión el color resultara frío, en la segunda, cálido. El fenómeno de la asimilación y el contraste, hará que uno de los colores adquiera relieve a expensas del otro. De este modo la inestabilidad de la mezcla se reduce grandemente y por lo tanto su “temperatura” puede definirse con más seguridad. No es tanto el tinte dominante el que produce la cualidad expresiva, como sus aflicciones. Tal vez los tintes básicos constituyen valores bastante neutros, que se distinguen más bien por su carácter de singularidad y de reciprocidad que por su expresión específica. Y sólo cuando el color produce una atención dinámica al inclinarse hacia el otro color, revela sus características expresivas.

 

 

 

 

 

 

 

Colores fríos:
Se los considera por asociación con el agua al azul, violeta y verdoso. Los colores fríos en matices claros expresan delicadeza, frescura, expansión, descanso, soledad, esperanza y paz y en los matices oscuros con predominio de azul, melancolía, reserva, misterio, depresión y pesadez. El clima influye mucho en el gusto por los colores. Las personas que viven en países cálidos y de mucho sol prefieren, los colores cálidos, mientras que aquellas otras que viven en latitudes frías y de poco sol muestran su gusto por los colores fríos.

 

 

 

 

 

 

(http://www.arqhys.com/clasificacion-color.html)

Colores terciarios:

Los colores terciarios son los formados por la mezcla de un color primario con un color secundario o bien de los tres colores primarios. Son los que conforman la tercera línea de la estrella de color.

Mezclas

• Rojo con violeta : púrpura
• Rojo con anaranjado: pigmento
• Azul con violeta: índigo
• Azul con verde: verde azulado
• Amarillo con anaranjado: marigold
• Amarillo con verde: limón
• Rojo, amarillo y azul: negro( el negro no es un color)
• Rojo, azul y amarillo es lo mismo que decir [rojo y verde (azul y amarillo); azul y anaranjado (rojo y amarillo); y amarillo y violeta(azul y rojo)].

Obtenido de “http://es.wikipedia.org/wiki/Color_terciario“

 

 

Interacción del color:

Colores complementarios

Cada color primario tiene un complementario, que es el que se hace mezclando los otros dos primarios

 

COLORES COMPLEMENTARIOS:

Los colores complementarios son aquellos colores que, en el espectro circular, se encuentran justo uno frente al otro en un círculo cromático. De esta forma la denominación complementario depende en gran medida del modelo empleado. Se obtiene mediante la contraposición de un primario con un color secundario formado por los otros dos primarios. Así por regla general (en el sistema RGB), el complementario del color verde es el color rojo, el del azul es el naranja y del amarillo el violeta.

 

 

Interacciones del color:

 

Contraste simultáneo:

•         Cuando están unos junto a otros, los colores interaccionan entre sí.

•         Si están próximos dos complementarios (por ejemplo amarillo y violeta) se refuerzan mutuamente. Lo mismo ocurre con colores muy diferentes, o con grados de saturación o brillo distintos

•         Cuando están juntos dos colores próximos en el circulo cromático, suelen competir anulándose y distorsionando nuestra percepción del matiz.

Cuando vemos un color, nuestra percepción de él es influida por los colores que lo rodean. Nunca podremos considerar las características de un color como absolutas sino siempre relativas al entorno.

 

ARMONÍAS ELEMENTALES

•         Tonales: predominio de un color: todos tienen un poco de ese color.

•         De contraste: los colores son complementarios y se equilibran entre sí

•         Basadas en combinaciones: Por ejemplo pares de complementarios

 

Gama tonal Cálidos y fríos.

 

 

Armonía de contraste

 

 

 

 

 

Están presentes todos los colores primarios, y entre ellos se equilibran armónicamente. Pueden estar presentes también secundarios, terciarios, etc.

 

 

 

Armonía por pares de complementarios

Dominan la gama un color y su complementario (o sea, en realidad los tres primarios). Puede haber otros colores.

 

Uso del contraste simultaneo para dar sensación de espacio

 

Armonía por pares de complementarios

Dominan la gama un color y su complementario (o sea, en realidad los tres primarios). Puede haber otros colores.

 

Juegos blanco y negro

 

 

 

Los colores transmiten sensaciones y significados:

•         Los colores pueden operar sobre nuestra percepción y nuestro ánimo. No sólo nos llama más la atención el rojo y lo vemos “más cerca” que el azul, sino que una habitación pintada de rojo nos resultará menos tranquilizadora que una de azul.

•         Además los colores suelen tener asociados significados simbólicos. Esto es cultural, depende de cada cultura. Por ejemplo el negro es nuestro color de luto, en tanto en la India lo es el blanco.

 

Valor psicológico del color

 

 

 

 

 

Valor simbólico del color

 

 

 

 

                      

Valor cultural del color: La simbología de los colores cambia de una cultura a otra.

 

 

 

3. PESO VISUAL

 

PESO VISUAL Y PUNTOS FUERTES EN LA COMPOSICIÓN

La composición es la disposición de los objetos que intervienen en una imagen.

·         Los objetos enmarcados producen una sensación de “peso visual” (interés o atracción visual) variable. Algunas reglas sobre el peso visual son:

·         A mayor tamaño del objeto, mayor peso visual (los objetos pequeños pueden pasar desapercibidos, especialmente en imágenes en movimiento. De ahí que se utilicen planos detalle para presentar objetos que tienen importancia para la comprensión de la narración audiovisual.

 

 

 

 

·         Cuanto más alejado del centro del encuadre (más arriba y más a la derecha) se encuentre el objeto mayor será su peso visual.

 

 

 

 

·         Lo vertical parece pesar más que lo horizontal.

 

 

 

 

·         Las formas regulares tienden a poseer más peso que las irregulares.

·         Una imagen con contraste mayor tiende a pesar más.

 

 

·         Lo excepcional y  lo especialmente atractivo.

 

 

·         Los tonos saturados tienen mayor peso visual que los poco saturados.

·         Los colores cálidos (rojo, naranja, amarillo) tienen más peso visual que los colores fríos (verde, azul, violeta).

En la composición se busca el equilibrio de los elementos que intervienen en la imagen. Esto se logra con imágenes simétricas (equilibrio estático), pero es mejor un equilibrio dinámico contrapesándose unas a otras mediante diferencias en la posición, el tamaño o el tono.

Las líneas que convergen en un motivo le dotan de peso, especialmente si el motivo está situado a la izquierda del cuadro, ya que la atención se detiene con más facilidad mientras que si se sitúa a la derecha del cuadro, la tendencia es a continuar la exploración saliendo del cuadro por la derecha.

Un objeto de gran tamaño centrado puede ser contrapesado por otros más pequeños descentrados.

Un objeto grande de tono claro es contrapesado por un objeto pequeño de tono oscuro y más si éste se situa en la parte superior del encuadre, a la derecha y en profundidad.

 

SINTAXIS DE LA IMAGEN

La composición

La composición en referencia al lenguaje visual, supone la organización de los elementos que forman el conjunto de la imagen, con el fin de obtener un efecto de unidad y orden.

Al disponer los elementos de la imagen para que entre ellos se compensen y para que todo tenga todo una cierta unidad lo que hacemos es crear una COMPOSICION EQUILIBRADA.

 

 

 

Existen algunas reglas básicas de composición:

 

LA LEY DE LA BALANZA

Como en la naturaleza o el universo, el peso visual es el que determina, en última instancia, el poder de atracción gravitatoria de cada elemento de la composición. Existe cierta confusión entre tener peso y aguantar peso, conceptos que son, sin embargo, curiosamente contrapuestos. Se dice, por ejemplo, que un objeto pesa menos en el lado izquierdo del cuadro que en el derecho y, a la vez, que el lado izquierdo aguanta más peso que el derecho; y es que aguantar más peso significa que las cargas soportadas, siendo las mismas, se aligeran de parte de su densidad visual, es decir, pesan menos. Sin embargo, el peso visual es una cualidad del objeto que difícilmente puede medirse, dado que son muchos los factores que influyen en él alterando toda posible cuantificación, salvo la que pueda arrojar la muy fina balanza de la retina del pintor.

La balanza se puede equilibrar de dos maneras:

•         Con pesos idénticos a ambos lados:

–        Composición simétrica, o clásica, o estática

•         Con pesos desiguales a ambos lados:

–        Composición dinámica o asimétrica

•         La composición simétrica o clásica es muy equilibrada y perfecta, relativamente sencilla ,monótona, a veces aburrida y a veces excesivamente estática

 

Pero la mayoría de las imágenes no son perfectamente simétricas.

Para equilibrar una balanza no es necesario que todos los pesos sean iguales: se pueden tener pesos desiguales pero a diferente distancia del centro.

También es posible que tener pesos muy diferentes pero que entre sí se equilibren:

Ejemplos de composición dinámica: pesos desiguales equilibrados con distancias distintas al eje medio del formato

Ejemplos de composición dinámica: pesos desiguales a lados pero equilibrados entre sí

Otros aspectos de la composición:

•         Es frecuente usar composiciones con ritmos internos en diagonal, línea quebrada o líneas curvas cuando queremos más dinamismo

•         Del mismo modo, es frecuente utilizar composiciones en las que predomina lo horizontal para dar sensación de reposo, de placidez

•         O la vertical muy exagerada para acentuar la espiritualidad de una obra…

 

 

 

Tema 1: Percibir ,mirar ,ver. Poder contar, no tener miedo.

 

 

Tema 1: Percibir, mirar, ver. Poder contar no tener miedo.

 

 

 

 

Este tema vamos a iniciarlo hablando de los sentidos, y especialmente nos situaremos en el sentido de la vista.

 

El origen de toda percepción visual es la luz. (Blanca y abundante).

 

La luz(del latín  lux, lucis) es la clase de energía electromagnética radiante capaz de ser percibida por el ojo humano. En un sentido más amplio, el término luz incluye el rango entero de radiación conocido como el espectro electromagnético. La ciencia que estudia las principales formas de producir luz, así como su control y aplicaciones, se denomina óptica.

 

La fuente principal de luz por la cual vemos imágenes es el sol.

 

La Luz solar, en el más amplio sentido, es el espectro total de radiación electromagnética proveniente del Sol. En la Tierra, la luz solar es filtrada al pasar por la atmósfera. Esto es usualmente durante las horas consideradas como día. Cerca de los polos geográficos durante el verano, la luz solar también ocurre en las horas que definen la noche y en los inviernos en estas zonas la luz solar podría simplemente no llegar. La radiación térmica producida directamente por la radiación del sol es diferente del incremento en la temperatura atmosférica debido al calentamiento radiativo de la atmósfera por la radiación solar. La luz solar puede ser “grabada” usando un heliógrafo. La Organización Meteorológica Mundial define la luz solar como la irradiación directa proveniente del sol medida en el suelo de al menos 120 W·m^-2.

La luz solar directa proporciona alrededor de 93 lumenes de iluminación por vatio de potencia electromagnética, incluyendo infrarrojo, visible y ultra-violeta.

Luz solar brillante proporciona iluminación de aproximadamente 100,000 candelas por metro cuadrado en la superficie terrestre.

La luz solar es un factor fundamental en el proceso de fotosíntesis, tan importante para la vida.

 

 

 

 

 

 

 

 

Existen otras fuentes de luz no blancas y menos intensas como son la luz eléctrica, el fuego…

 

 

 

 

 

 

 

Espectro electromagnético.

Se denomina espectro electromagnético a la distribución energética del conjunto de las ondas electromagnéticas. Referido a un objeto se denomina espectro electromagnético o simplemente espectro a la radiación electromagnética que emite (espectro de emisión) o absorbe (espectro de absorción) una sustancia. Dicha radiación sirve para identificar la sustancia de manera análoga a una huella dactilar. Los espectros se pueden observar mediante espectroscopios que, además de permitir observar el espectro, permiten realizar medidas sobre éste, como la longitud de onda, la frecuencia y la intensidad de la radiación.

El espectro electromagnético se extiende desde la radiación de menor longitud de onda, como los rayos gamma y los rayos X, pasando por la luz ultravioleta, la luz visible y los rayos infrarrojos, hasta las ondas electromagnéticas de mayor longitud de onda, como son las ondas de radio. Se cree que el límite para la longitud de onda más pequeña posible es la longitud de Planck mientras que el límite máximo sería el tamaño del Universo aunque formalmente el espectro electromagnético es infinito y continuo.

 

 

 

 

 

 

La luz blanca es la suma de todos los colores.

La luz blanca o visible puede descomponerse en luces monocromáticas, siempre que atraviese algún obstáculo que obligue a las diferentes ondas que constituyen la luz blanca a viajar a velocidades diferentes, por ejemplo un prisma transparente. El resultado es el arco iris o espectro de la luz blanca.

La descomposición de la luz blanca en los diferentes colores que la componen, data del siglo XVIII, debido al físico, astrónomo y matemático Isaac Newton.

 

La luz blanca se descompone en estos colores principales:

 

• Rojo. El color que sufre la menor desviación.
• Anaranjado.
• Amarillo.
• Verde.
• Azul.
• Añil.
• Violeta. El color que sufre la mayor desviación

 

Esto demuestra que la luz blanca está constituida por la superposición de todos estos colores. Cada uno de los cuales sufre una desviación distinta ya que el índice de refracción de, por ejemplo, el vidrio es diferente para cada uno de los colores. Si la luz de un color específico, proveniente del espectro de la luz blanca, atravesara un prisma, esta no se descompondría en otros colores ya que cada color que compone el espectro es un color puro o monocromático.

 

 

 

 

 

 

 

La luz se propaga en línea recta hasta llegar a nuestros ojos y dependiendo el espectro que se refleje veremos un color u otro.

 

 

 

 

 

 

La visión se produce gracias al órgano del ojo.

Las funciones del ojo: El ojo recibe los estímulos de los rayos de luz procedentes del entorno y los transforman en impulsos nerviosos. Estos impulsos llegan hasta el centro cerebral de la visión, donde se descodifican y se convierten en imágenes. La vista es uno de los cinco sentidos que nos permiten comprender el mundo que nos rodea y desenvolvernos en él. La pupila es el diafragma del ojo. Los músculos del músculo ciliar que tienen forma circular y de radio, la abren o la cierran en función de la luminosidad.

 

 

 

 

 

 

 

 

Aunque los ojos son los órganos principales de la visión, hay más canales de percepción asociados a ella.

A continuación hablaremos del sentido del tacto, que está fundamentalmente asociado a la visión.

Ya que el profesor a utilizado información obtenida por la enciclopedia wikipedia, no quiero ser repetitiva y he buscada información en una página de Internet (www.aula2.elmundo.es), que en mi opinión está muy bien estructurada y hace una explicación sencilla sobre el tema.

 

 

EL TACTO

Las células nerviosas especializadas que conforman el sentido del tacto captan una serie de estímulos específicos que permiten diferenciar distintas sensaciones. La mayoría de estas estructuras (corpúsculos, discos de Merkel y terminaciones libres) se encuentran a lo largo de la superficie del cuerpo (repartidas en mayor o menor cantidad según las zonas) y perciben el frío, el calor, la presión y el dolor; de modo que el sistema nervioso recibe información de lo que ocurre en el interior y el exterior del organismo.

 

 

 

 

 

 

 

CARACTERÍSTICAS

 

La piel, las mucosas y otras zonas de nuestro organismo poseen unos receptores que nos provocan las sensaciones del tacto, frío, calor y dolor, incluso desde el interior del cuerpo. Así se configura el mayor órgano de los sentidos, que percibe cualquier contacto, los distintos niveles de temperatura y las impresiones de malestar o sufrimiento. Con este mecanismo se establece además un sistema de defensa que avisa de una situación perjudicial en el organismo (los denominados nociceptores son los encargados de recibir la sensación del dolor).

 

¿Cómo llega al cerebro?

 

 

La información de los estímulos que recibe el cuerpo se transmiten por las vías nerviosas hasta la médula espinal y finalmente llegan a la corteza cerebral, donde se hacen conscientes y se interpretan. Las funciones del tacto se localizan en una zona específica, el área somatosensorial, donde se reciben los impulsos desde la superficie cutánea a una parte concreta que depende del lugar del cuerpo de donde proviene.

 

También me gustaría añadir un tema que veo interesante que es el alfabeto braille.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 El braille es un sistema de lectura y escritura táctil pensado para personas ciegas. Fue ideado por el francés Louis Braille a mediados del siglo XIX, que se quedó ciego debido a un accidente durante su niñez mientras jugaba en el taller de su padre. Cuando tenía 13 años, el director de la escuela de ciegos y sordos de París –donde estudiaba el joven Braille– le pidió que probara un sistema de lecto-escritura táctil inventado por un militar llamado Charles Barbier para transmitir órdenes a puestos de avanzada sin tener necesidad de delatar la posición durante las noches. Louis Braille, al cabo de un tiempo descubrió que el sistema era válido y lo reinventó utilizando un sistema de 8 puntos. Al cabo de unos años lo simplificó dejándole en el sistema universalmente conocido y adoptado de 6 puntos.

El braille resulta interesante también por tratarse de un sistema de numeración binario que precedió a la invención de los ordenadores.

La vista es un órgano importante pero no imprescindible, los ciegos o nosotros mismos cuando carecemos de luz con el sentido del tacto podemos hacernos una idea aproximada a la realidad. Aunque al igual que todos los sentidos el tacto también nos puede engañar. “No es oro todo lo que reluce”, “Las apariencias engañan”, serían refranes muy certeros para mi explicación, la vida es más compleja que una simple previsualización de ella.

 

Además del tacto y la visión hay otros modos de percibir el espacio, el volumen, la forma…

 

 

·        SOMÁTICA: Toma como órgano perceptivo a todo el cuerpo y en especial la piel, cuya función de límite entre la integridad corporal y el medio es objetivo a desarrollar

·        VIBRATORIA: Los huesos y otras cajas de resonancia son los encargados de posibilitar la asimilación de las ondas que nos llegan en forma de vibración y que se traducen en una experiencia interna.

·        VESTIBULAR: Es en el oído interno de donde parte la información que posibilita nuestra orientación en el espacio y configura la construcción del equilibrio. Cuando esto no es así surgen problemas en el rendimiento escolar y el comportamiento de los niños.

Ver es más que percibir a través de los sentidos.El cerebro interpreta lo que ve.

Una frase muy típica como es: “ No es lo que parece”, tiene mucha razón en ocasiones, no todo lo que interpretamos de lo que percibimos con los sentidos es lo adecuado, los sentidos no engañan ya que proyecta la realidad lo que es más complejo es el resultado final o llamémoslo conclusión que hace el cerebro.

 

Un claro ejemplo de que los sentidos nos engañan y creemos en una realidad que a veces es más compleja, es el mito de la caverna de Platón.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Platón describió en su mito de la caverna una gruta cavernosa, en la cual permanecen desde el nacimiento unos hombres hechos prisioneros por cadenas que les sujetan el cuello y las piernas, de forma que únicamente pueden mirar hacia la pared del fondo de la caverna y no pueden escapar. Justo detrás de ellos, se encuentra un muro con un pasillo y, seguidamente y por orden de lejanía respecto de los hombres, una hoguera y la entrada de la cueva que da al mundo, a la naturaleza. Por el pasillo del muro circulan hombres cuyas sombras, gracias a la iluminación de la hoguera, se proyectan en la pared que los prisioneros pueden ver.

En este mito, el ser humano se identifica como los prisioneros. Las sombras de los hombres y de las cosas que se proyectan, son las apariencias, es decir, lo que captamos a través de los sentidos y pensamos que es real (región sensible). Las cosas naturales, el mundo que está fuera de la caverna y que los prisioneros no ven, son el mundo de las ideas, en el cual, la máxima idea, la idea de Bien (o verdad), es el sol. Uno de los prisioneros logra liberarse de sus ataduras y consigue salir de la caverna conociendo así el mundo real. Es este prisionero ya liberado el que deberá guiar a los demás hacia el mundo real, es el símbolo del filósofo.

La situación en la que se encuentran los prisioneros de la caverna representa el estado en el que permanecen los seres humanos ajenos al conocimiento; únicamente aquellos capaces de superar el dolor que supondría liberarse de las cadenas y volver a mover sus entumecidos músculos, podrán contemplar el mundo de las ideas con sus infrautilizados ojos.

¿Crees que no somos prisioneros, los cuales vemos imágenes que nos manipulan y pensamos de acuerdo otras personas que nos muestran su verdad?¿Somos totalmente libres o marionetas inconscientes?…

 

 

 

LEY DE GESTALD

 

 

Se trata de un concepto de construcción, asociamos lo que vemos con un esquema establecido en nuestro cerebro; a estos esquemas la GESTALT  los llama “pattern”. La capacidad que tenemos para asociar esquemas es prodigiosa, además existen conceptos establecidos universales, por ejemplo, el concepto de gato abarca a todas las razas distintas de este animal, aunque veamos dos razas muy distintas de perro los asociamos dentro de un gran grupo.

 

 

Leyes de la Gestalt

 

“La percepción humana no es la suma de los datos sensoriales, sino que pasa por un proceso de reestructuración que configura a partir de esa información una forma, una gestalt, que se destruye cuando se intenta analizar, y esta experiencia es el problema central de la psicología”.

 

·        Ley de proximidad. 

Cuando las partes de una totalidad reciben un mismo estímulo, se unen formando grupos en el sentido de la mínima distancia. Esta ordenación se produce de modo automático y, sólo por una resistencia del perceptor, o por otra ley contradictoria, puede anularse esta lectura.

La Gestalt define estos principios basándose en la Ley Prágnanz  [de “la buena forma”] o de la “mejor forma”, como: lo simple, lo regular, lo simétrico, lo semejante, lo próximo.

 

 

 

 

·        Ley de igualdad o equivalencia.

 Cuando concurren varios elementos de diferentes clases, hay una tendencia a constituir grupos con los que son iguales. Si las desigualdades están basadas en el color, el efecto es más sorprendente que en la forma.

 

 

 

 

 

·        Ley de Prägnanz (Ley de la buena forma y destino común)

Prägnanz es palabra alemana de difícil traducción. Quiere decir como “forma que transporta la esencia de algo”. la usan los sicólogos de la Gestalt como la tendencia de una forma a ser más regular, simple, simétrica, ordenada, comprensible, memorizable… la asociamos a la expresión de “buena forma” o “formas con destino común”.

Las partes de una figura que tiene “buena forma”, o indican una dirección o destino común, forman con claridad unidades autónomas en el conjunto.

 

 

 

 

 

·        Ley del cerramiento

Las líneas que circundan una superficie son, en iguales circunstancias, captadas más fácilmente como unidad o figura, que aquellas otras que se unen entre sí. Las circunferencias, cuadriláteros o triángulos producen el efecto de cerramiento…

 

 

 

 

 

·        Ley de simetría

La ley de simetría tiene tal trascendencia, que desborda el campo de la percepción de las formas para constituir uno de los fenómenos fundamentales de la naturaleza. La biología, la matemática, la química y la física, y hasta la misma estética, se organizan siguiendo las leyes especulares, simples o múltiples, de la simetría.

Es ley muy arraigada en el ser humano, cuya propia estructura fisiológica, también es simétrica, El macro y el microcosmo parecen regirse por leyes de simetría.

 

 

 

 

 

 

 

·        Ley de continuidad

Esta ley se constituye con elementos que son comunes a otras leyes ya mencionadas.

 

 

 

 

 

·        Ley de figura-fondo

Esta ley perceptiva de figura-fondo es la de mayor fuerza y trascendencia de las expuestas, porque puede considerarse que abarca todas las demás, ya que en todas late este principio organizativo de la percepción, observándose que muchas formas sólo se constituyen como figuras definidas cuando quedan como superpuestas o recortadas sobre un fondo más neutro.

 

 

 

 

Cuando dos campos tienen la misma línea límite común, es la figura la que adquiere forma, y no el fondo.

2.- El fondo parece que continúa detrás de la figura.

3.- La figura se presenta como un objeto definido, sólido y estructurado. 

4.- La figura parece que tiene un color local sólido y el fondo parece más etéreo y vago.

5.- Se percibe la figura como más cercana al espectador.

6.- La figura impresiona más y se recuerda mejor que el fondo, que queda indefinido.

7.- El límite o línea que separa figura y fondo, pertenece siempre a la primera.:

8.- La distancia de la figura puede ser fijada con más precisión que la distancia al fondo que queda por detrás a distancia indeterminada

 

 

Las ilusiones ópticas

Nuestras ideas y pensamientos son un reflejo de la realidad del mundo. Toda la información que tenemos nos llega a partir de un estímulo externo, el cual percibimos gracias al sistema sensorial (vista, oído, tacto, olfato y gusto). La información que filtramos con nuestros sentidos pasa posteriormente a ser procesada y modificada por nuestro cerebro, para ser comprendida y almacenada mediante los símbolos y el lenguaje, en el caso de los seres humanos.

 

 

 

 

 

 

·        Ilusiones ópticas: Tamaño. 

 

 

 

     

 

 

·        Ilusiones ópticas: Dirección-posición.  

 

 

    

 

 

·        Ilusiones ópticas: Curvatura.      

 

 

    

 

 

·        Ilusiones ópticas: Movimiento.

 

 

 

 

 

·        Ilusiones ópticas: Contrastes y postimágenes.   

 

 

   

 

 

 

·        Ilusiones ópticas: Contraste y Color. 

 

 

 

          

 

 

 

·        Ilusiones ópticas: Color.

 

 

 

               

 

 

 

“VER” ES MÁS QUE PERCIBIR A TRAVÉS DE LOS SENTIDOS:

Factores pscilógicos sociales, etc…que influyen en la percepción.

Ahora vamos a ver otros factores que también y no menos importante influyen en la percepción.

 

•         Aspectos no conscientes

•         Aspectos culturales

•         Aspectos subjetivos…

 

Los aspectos no conscientes, son aquellos que hacemos de forma involuntaria, como por ejemplo los recorridos con la mirada, como la tendencia a ver antes y mejor lo que está en la esquina superior derecha, lo que está arriba frente a lo que está abajo, etc … La atención a reclamos, nos llama la atención lo insólito, lo fuera de lugar, lo sexual, lo atractivo…Contenido subliminal: Un mensaje subliminal es una señal o mensaje diseñado para pasar por debajo (sub) de los límites normales de percepción. Puede ser por ejemplo, inaudible para la mente consciente pero audible para la mente inconsciente o profunda; puede ser también una imagen transmitida de un modo tan breve que pase desapercibida por la mente consciente pero aun así, percibida inconscientemente. La primera mención registrada sobre la percepción subliminal es la realizada en los escritos de Demócrito (400 a.C.), que sostuvo que “mucho de lo perceptible no es percibido por nosotros”. Platón habló de esta noción en su escrito Timeo y no fue el único… Los prejuicios  en general implica llegar a un juicio sobre el objeto antes de determinar la preponderancia de la evidencia, o la formación de un juicio sin experiencia directa o real. También hay Factores que adjetivan por ejemplo la luz y situaciones que adjetivan  el escenario elevado, las luces, el sonido inmenso.

 

Ejemplo:  La atención a reclamos.

 

 

 

 

A continuación hablaré de los Aspectos culturales, juegan un papel importante en la percepción y aceptación de distintos hechos y situaciones en las que intervienen tanto las concepciones socio-culturales como las personales.

Así que el significado que se le da a la percepción de algo dependerá de nuestros propias concepciones acerca de temas relacionados con ese fenómeno o situación.  .Lo importante es convertir nuestra mirada en una herramienta para pensar, crear, y comprender nuestro entorno de una manera más abierta y realista.

Los aspectos culturales se divide en:

•         Modos de pensar la realidad

•         Codigos y simbologías asumidas inconscientemente

•         Contextos

•         Etc.

 

 

 

 

LA PERCEPCIÓN COMO FENÓMENO INTELIGENTE.

La percepción es la función psíquica que permite al organismo, a través de los sentidos, recibir, elaborar e interpretar la información proveniente de su entorno.

Cuando “veo” una autopista se que es un recorrido por donde transitan automóviles, pero esta definición solo es entendida por las personas cualquier animal no le ve sentido.

Es otra realidad cultural: VEMOS DESDE LA CULTURA, desde lo que ya sabemos o esperamos.

 

 

 

 

LA MIRADA ES RESULTADO DE LA INTELIGENCIA Y DE LA VOLUNTAD.

No se trata de que veamos las cosas y luego las interpretemos, sino que la inteligencia parece funcionar al revés: vemos desde el significado.

Teoría de la inteligencia creadora:

·        La inteligencia humana es una inteligencia animal transfigurada por la libertad.

·        La inteligencia creadora obra haciendo proyectos (estos proyectos pueden salir de la subjetividad del individuo y hacerse universales)

·        El más arriesgado proyecto de la inteligencia es crear un modelo de inteligencia, es decir, de sujeto humano, es decir, de humanidad (ética).

La principal característica de la inteligencia humana es la invención y promulgación de fines. El creador selecciona su propia información de acuerdo con el fin propuesto, dirige la mirada sobre la realidad y se fija sus propias metas. Es el modo de obrar que permite resolver problemas nuevos y que permite un ajustamiento de la realidad.

Los niños seleccionan aquello que les interesa contar, o les gusta dibujar, o creen que deben dibujar, y excluyen el resto. Es una de las razones por las que sus dibujos no son “realistas”.Podemos ayudarlos pensando qué es lo que miran, interpretándolo con mayor conocimiento, ayudándoles a comprenderlo mejor.

 

 

 

 

HACIA UNA MIRADA CREATIVA, INVESTIGADORA…

Según decidamos mirar, haremos una realidad mejor o todo lo contrario. Nuestra libertad decide. Ahí radica la “visión poética” o creadora.

Se trata de aprender a ver, de tener una mirada investigadora y de ayudar a los alumnos a que construyan las suyas propias, como también a elaborar sus propias historias y contarlas a su manera.

 

 

 

Para finalizar voy a mencionar dos motivos fundamentales para poder contar y crear.

El no se hacerlo, no me sale, no puedo, dejémoslo a un lado hay que aprender a superar los miedos, cambiar un no puedo por sí quiero puedo hacerlo, cada persona es única, todos nacemos con creatividad hay que saber desarrollarla y enfrentar dificultades con constancia y desenfreno, aprender de los errores y tener muy en cuenta “El saber no ocupa lugar”, los fracasos nos hacen más fuertes y cada victoria es una meta conseguida de una larga carrera de obstáculos.

 

 

Tema 0: Introducción en la EA

 

 

TEMA 0: Introducción en la EA

 

 

 

Comenzó la primera clase con la presentación del profesor y un conjunto de pruebas iniciales para orientarnos un poco e introducirnos en la asignatura.

 

Primera prueba inicial: el objetivo de ésta era anotar en una hoja las asignaturas que creyeras más convenientes para un niño en primaria. (Dos minutos).

 

 

 

 

 

 

 

La segunda prueba inicial consistía en dibujar en la misma hoja una silla (Dos minutos).

El objetivo de estas dos pruebas es intentar comprender que la realidad es relativa y que la realidad de los alumnos puede ser diferente a la nuestra propia.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La tercera prueba inicial consistía en definir la educación artística y para qué sirve, y para que te ha servido ahora en tu vida diaria.

Hay muchas maneras de dar clase, para ser maestro hay que tener vocación y aptitudes naturales, un buen maestro no es aquel que se rige sólo por un guión, tiene que causar entusiasmo en los alumnos y motivarlos, y para esto es imprescindible reflexionar sobre por qué y para qué enseñamos.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Después de realizar las pruebas el profesor dio una explicación sobre las imágenes y la clase participó.

 

 

 

 

 

 1)La información visual es cada vez más importante.

 

Vivimos en una sociedad actual que todo lo que nos rodea son imágenes. Las imágenes tienen un gran poder sobre nosotros, nos influye de tal manera que no somos concientes de qué somos como somos porqué así nos lo inculcan a través de las imágenes, y si nos “manipulan” inconscientemente y vivimos en un mundo qué detrás de todo hay un cierto interés por parte de alguien, deberíamos empezar a preguntarnos hasta qué punto somos libres. Las imágenes especialmente se encuentran a través de una pantalla “La vida ocurre hoy en la pantalla”, tenemos que aprender a usar las imágenes intentar comprenderlas e incluso protegernos de ellas. Es muy importante que el alumno sepa construir un conocimiento a partir de imágenes, de forma tradicional y también usando nuevas tecnologías.

 No obstante casi toda la información que obtenemos es visual, las artes visuales son, hoy en día, las que más información transmiten, por este motivo las imágenes también se usan para la publicidad.

 Para la representación de imágenes a parte de usar las técnicas tradicionales existen otras técnicas propias de una sociedad más virtualizada.

 

 

 

 

 

 

                   

 

 

  

                                                 

 

 

 

                                                                                                 

 

 

 

 

 

 2) Un giro epistemológico, cultural e informacional hacia lo visual.

 

 Cada día nos encontramos más rodeados de dispositivos visuales y tecnologías de la representación. Pero es muy importante “adquirir un alfabeto visual crítico” que nos permita analizar, interpretar,crear y construir nuestras propias ideas y conclusiones apartir de imágenes, conceptos que presentan tanto los textos escritos como los visuales o corporales.
 Analizamos y tenemos prejucios de las personas que visten de forma diferente, sólo con una simple previsualización creemos saber cómo es una persona y no tenemos en cuenta otros aspectos más imporantes del ser humano.

 

 

 

                                                

 

 

                                                                                                                                

 

 

 

LA CULTURA VISUAL

 

Es fundamental construir un enfoque interdisciplinar de los fenómenos relacionados con lo visual, que relacione las producciones tradicionalmente llamadas artísticas con aquellas consideradas como cultura de masas, a través de un crítica social y política de las prácticas que en ellas emergen. Así, entre otras, el campo de estudios de la Cultura Visual se basa en disciplinas como Filosofía, Etnografía, Antropología, Sociología, Psicología, Lingüística, Semiótica, Estética, Crítica de Arte, Historia del Arte, Crítica Literaria, Estudios Culturales, Estudios de Medios, Estudios Cinematográficos, Crítica Feminista, Crítica Postcolonial, etc.

Para poder abordar este amplio espectro disciplinar, el equipo de investigación del que parte este curso trabaja en colaboración con un grupo de profesionales y docentes vinculados o interesados en este campo de conocimientos. A partir de esta colaboración hemos diseñado una propuesta que posibilita el desarrollo de una perspectiva crítica y creativa en el ámbito de la Cultura Visual.

 

3)Revelancia de lo visual en la construcción identitaria y en la comprensión de la realidad.

 

Lo visual es el principal refente que tomamos para construir la realidad que nos rodea así como nuestra propia personalidad, dado que son las imágenes las responsables directas que dan forma al concepto que cada uno tiene de sí mismo, es decir, que cada uno de nosotros podemos forjar una imágen de nosotros mismos o señas de identidad propia a través de lo que observamos.Las imágenes intentan manipularnos y no somos conscientes del poder ejerce sobre nosotros.

Debemos intentar que los niños no se dejen influenciar por las imágenes y tengan su propia visión crítica de la realidad y cree y construya desde su punto de vista.
En conclusión, vivimos en un mundo en el que reina la perfección, en el que lo único que se manifiesta como gratificante es un físico atractivo. Esto explica por qué aparecen jóvenes con cuerpos envidiables y semidesnudos en anuncios de publicidad, lo  atractivo es lo que llama la atención del público.

 

 

 

 

 

 

 

                                                                             

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

4)Visualidad y capacidad para construir argumentos y relatos. Narratividad.

 

 

 

 

 

 

 

¿Crees que son felices?

 

 

 

 

  

5)Creatividad.

 

La creatividad es la capacidad de crear, de producir cosas nuevas y valiosas, es la capacidad de un cerebro para llegar a conclusiones nuevas y resolver problemas en una forma original.La actividad creativa debe ser intencionada y apuntar a un objetivo. En su materialización puede adoptar, entre otras, forma artística, literaria o científica, si bien, no es privativa de ningún área en particular. La creatividad es el principio básico para el mejoramiento de la inteligencia personal y del progreso de la sociedad y es también, una de las estrategias fundamentales de la evolución natural.Es un proceso que se desarrolla en el tiempo y que se caracteriza por la originalidad, por la adaptabilidad y por sus posibilidades de realización concreta.
Creatividad es la producción de una idea, un concepto, una creación o un descubrimiento que es nuevo, original, útil y que satisface tanto a su creador como a otros durante algún periodo.

Todos nacemos con una capacidad creativa que luego puede ser estimulada o no. Como todas las capacidades humanas, la creatividad puede ser desarrollada y mejorada. Así, existen muchas técnicas para aumentar y desarrollar la capacidad creativa. Una de las más interesantes es la conocida como mapas mentales.

 

 

 

 

 

 

 ¿Que puede ser más creativo que el dibujo de un niño, que proyecta la realidad tal y cómo la ve?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

6)LA RELEVANCIA DE LAS ARTES VISUALES EN LA COGNICIÓN

 

 

 

 

 

 

 

LA PUBLICIDAD

 

 

La publicidad es una técnica de comunicación masiva, destinada a difundir o informar al público sobre un bien o servicio a través de los medios de comunicación con el objetivo de motivar al público hacia una acción.

Cabe destacar que en ocasiones se confunde el término “publicidad” con el de “propaganda”, a este respecto es importante comprender que la propaganda busca la propagación (y persuasión) de ideas políticas, sociales, morales y religiosas sin fines directamente económicamente compensatorios .

 

A través de la investigación, análisis y estudio de numerosas disciplinas; tales como: la psicología, sociología, antropología, estadística, y la economía que son halladas en el estudio de mercado se podrá desarrollar un mensaje adecuado para el público.

La publicidad llega al público a través de los medios de comunicación, dichos medios de comunicación emiten los anuncios a cambio de una contraprestación previamente fijada para adquirir dichos espacios en un contrato de compra y venta por la agencia de publicidad y el medio, emitiendo el anuncio en un horario dentro del canal que es previamente fijado por la agencia con el medio, y con el previo conocimiento del anunciante, dicho contrato es denominado contrato de emisión o difusión. 

Las agencias de publicidad, centrales de medios, boutique creativas, productoras, etc. son participes muchas veces dentro del desarrollo publicitario, que esta elaborada por varios factores; entre los cuales el más importante esta el brief, el cuál dará las pautas previas para desarrollar dicha pieza publicitaria. Propiamente dicho, el Brief es un documento que especifica todas las características propias del producto o servicio en si, además suele contener un historial de todas las campañas previas que se han realizado hasta la fecha, usualmente este historial es agregado cuando el anunciante decide cambiar de agencia de publicidad.

La notoriedad de marca es una manera importante en que la publicidad puede estimular la demanda de un tipo de producto determinado e incluso identificar como denominación propia a dicho producto. Ejemplos de esto los hay en productos como adhesivos textiles, lencería femenina, papel higiénico, cinta adhesiva, pegamento en barra, encendedores de fuego, reproductores de música, refrescos. La notoriedad de marca de fábrica se puede establecer a un mayor o menor grado dependiendo del producto y del mercado. En Texas, por ejemplo, es común oír a gente referirse a cualquier bebida refrescante de cola bajo el mismo nombre, sin importar si es producida realmente por esa empresa o no. Cuando se crea tanto valor de marca que la marca tiene la capacidad de atraer a los compradores (incluso sin publicidad), se dice que se tiene notoriedad de marca. La mayor notoriedad de marca se produce cuando la marca de fábrica es tan frecuente en la mente de la gente que se utiliza para describir la categoría entera de productos. Kleenex, por ejemplo, puede identificarse como pañuelos de celulosa o como una etiqueta para una categoría de productos, es decir, se utiliza con frecuencia como término genérico. Una de las firmas más acertadas al alcanzar una notoriedad de marca de fábrica es la aspiradora Hoover, cuyo nombre fue durante mucho tiempo en los países anglosajones sinónimo de aspiradora. Un riesgo legal para el fabricante de la notoriedad de marca es que el nombre puede aceptarse tan extensamente que se convierte en un término genérico, y pierde la protección de la marca registrada. Un ejemplo de este caso sería el nombre comercial del Ácido acetilsalicílico.

En ocasiones determinados productos adquieren relevancia debido a la publicidad, no necesariamente como consecuencia de una campaña intencionada, sino por el hecho de tener una cobertura periodística relevante. En Internet o tecnologías digitales se habla de publicidad no solicitada o spam al hecho de enviar mensajes electrónicos, tales como correos electrónicos, mensajería instantánea celular, u otros medios, sin haberlo solicitado, por lo general en cantidades masivas. No obstante, Internet es un medio habitual para el desarrollo de campañas de publicidad interactiva que no caen en invasión a la privacidad, sino por el contrario, llevan la publicidad tradicional a los nuevos espacios donde se pueda desarrollar.

 

 

 

 

 

 

      

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                                                  

 

 

 

 

 

 

La Coca Cola

Es una bebida gaseosa transnacional. Su público objetivo son los jóvenes, sus spots son los que han tenido mayor impacto a nivel mundial, desde su lema “la chispa de la vida” hasta “sueña fútbol, come fútbol, toma Coca Cola” se ha identificado con la juventud.

Uno de los spots publicitarios que transmite son imágenes tomadas de las tribunas de un estadio de fútbol:

Son escenas de jóvenes de una de las tribunas de un estadio de fútbol. Es una masa enardecida, apasionada. En medio de ese desenfreno aparece un lema :“La pasión de la vida”. Banderas, banderolas, bombos, cornetas, gritos, fuegos que se encienden; todo dentro de una gran algarabía, se flamea banderas, suenan cornetas y muchos gritos. Otra vez la frase: “…de por vida”. Al final sale una chapa de Coca Cola remarcando el producto.

El estadio es un ambiente donde los jóvenes comparten los mismos códigos de conducta y comportamiento y los mismos símbolos de fuerza, poder y jerarquía. Este es uno de los espacios de socialización que el joven comparte con su grupo de pares. Son estos espacios diferenciados donde se crea un tipo de joven.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 NIKE

 

Es una empresa multinacional estadounidense de ropa, calzado y otros artículos de deporte fundada en 1968 por Phil Knight y Bill Bowerman.

 

 

 

 

 

 

HISTORIA

 

Phil Knight, graduado en Oxford viajó a su natal Japón a fin de obtener la distribución para Estados Unidos del calzado Tiger de la firma Onitsuka, por aquel entonces uno de los más reconocidos. Knight consiguió la distribución que efectuó bajo el nombre en los Estados Unidos de “Blue Ribbon Sports” o BRS. No fue hasta mediados los 60 que el antiguo entrenador de Knight se une a la empresa aportando su filosofía sobre el deporte y su conocimiento técnico sobre el deporte. En esa época se funda Nike que toma su nombre de la diosa griega de la victoria, Niké y Bowerman se convierte en la principal fuente de desarrollos para la compañía. 

Bill Bowerman, entrenador del equipo de atletismo de la universidad de Oregon, inventa las zapatillas con suela waffle. Obsesionado por el peso de los zapatos deportivos, un día derrite caucho en una waflera y da origen a esta suela duradera, liviana y con excelente tracción. Algunos modelos de zapatillas de los años 70: LD-1000, Daybreak, Oregon Waffle, Nylon Cortez y Waffle Racer.

 

 

 

Vista de una tienda Nike en Osaka, Japón.

 

 

Entrados los 70 Nike rompe relaciones con Onitsuka y se decide a lanzar sus líneas de calzado en solitario. Knight desarrolla la estrategia de márketing y coloca a un representante de la firma que se desplaza por los equipos y universidades. La marca gana en popularidad y empieza a comercializar otros materiales deportivos como camisetas y bolsas.

A principio de los años 80 se popularizaba en Estados Unidos el uso del calzado deportivo para el uso diario y esto junto con las estrategias de patrocinio hace que Nike llegue a los hogares estadounidenses de forma masiva. A mediados de los 80, la empresa atraviesa una crisis de la mano de su competidor Reebok, ésta se superará gracias a la contratación en 1985 de un jugador de baloncesto desconocido entonces llamado Michael Jordan que llevará a la marca a cotas de mercado desconocidas hasta la fecha. En este lustro es cuando se creó el eslogan publicitario más conocido de la marca, «Just Do It», reconocido incluso como marca autónoma en muchos ámbitos.

En los últimos años, ha desplazado el foco de su negocio desde la producción, que actualmente corre a cargo de empresas externas, a la imagen de marca, como símbolo del espíritu del deporte y la autosuperación.

 

MARCA

 

El isotipo, denominado “swoosh”, fue creado por la estudiante de diseño Carolyn Davidson en 1971, por el cual recibió sólo US$35 de la época, inspirado en una ala de la diosa griega de la victoria, Niké. Carolyn se casará posteriormente con Phil Knight.

 

EXPLOTACIÓN INFANTIL

 

Se ha criticado a Nike por su uso de mano de obra infantil en varias fabricas de países orientales, como Vietnam o China, (niños haciendo el trabajo de dos adultos, entre otros, en No Logo de Naomi Klein y en documentales de Michael Moore.

Intelectuales pro-globalización, como Johan Norberg, defienden a Nike, argumentando que los niños que trabajan para esta empresa estarían peor sin empresas como Nike, que pagan mejor la hora de trabajo que los empleadores locales.

No obstante, Nike es intocable jurídicamente a este respecto, pues no es el empleador directo en las fábricas de explotación infantil. Lo que hace Nike es acordar pedidos con contratistas locales.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El papel de mujer en la publicidad

 

 

 

 

La publicidad difunde una imagen de la mujer en base a dos modelos de la misma:

 a) el de ama de casa que promueve artículos alimenticios, de limpieza y accesorios domésticos.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

http://es.youtube.com/watch?v=6KAqu1Y9AcA&feature=related

 

 

 

 

 

 

 

 

 

b) el de la mujer atractiva y sensual, a la que se presenta como objeto sexual accesible. Los modelos femeninos que transmite la publicidad buscan reforzarse estos estereotipos, los cuales tienen una amplia difusión, dado el carácter masivo de los medios de comunicación modernos. La moda femenina que los medios producen utilizan los dos modelos mencionados, pero pone especial atención en destacar el aspecto sensual de la mujer, resaltando sus características como ser sexual.

La mujer ocupa un lugar importante en la publicidad pues es considerada como un sujeto básico en la compra en la mayor parte de las sociedades occidentales, tanto en mercancías para el hogar, para los hijos, como para ella misma. Además de ello, su imagen tiene valor como sujeto motivante, lo cual la ubica como sujeto comercial y objeto de consumo a la vez.

La revistas femeninas crean toda una “ideología femenina” que genera un comportamiento orientado hacia el consumo de artículos de arreglo personal, considerados como “prioritarios”, efectuando con ello, una labor política y social al preparar a las mujeres de las grandes ciudades para adaptarse a las condiciones sociales bajo una sensación de comodidad. La publicidad interviene aquí transmitiendo un modelo que indica a la mujer cómo comportarse y actuar, qué y como debe vestir y embellecerse, cómo alimentar a la familia, etc., para lograr ser aceptada socialmente.

En base a lo anterior, se puede afirmar que la moda (femenina o masculina), aparte de fenómeno psicosocial, puede considerarse como un negocio de los más redondos, pues antes de la salida al mercado de determinado producto, se crean las condiciones para que millones de individuos, sin importar edad o sexo, tiendan a adquirirlos para “estar al día” y / o satisfacer una nueva pseudo necesidad.

La publicidad usa a la mujer como objeto de atracción de los espectadores mediante un prototipo de mujer sensual y sexual. (www.monografías.com).

 

 

 

 

 

 

 

 

¿Está el helado más rico por anuciarlo Elsa Pataky?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El papel del hombre en la publicidad

 

 

 

El hombre sigue dominando la escena publicitaria, y no sólo porque actúe como conductor del spot en el doble de ocasiones que la mujer, sino también porque tiene una presencia cuatro veces mayor que la femenina en voces prescriptoras y la adelanta en todas las áreas de producto, salvo cosmética y hogar, lo que no deja de ser significativo. Además, un 40% de los personajes femeninos continúa asumiendo funciones dependientes, relacionadas con el papel tradicional de ama de casa, esposa, e incluso objeto sexual, mientras sólo un 9% de los personajes masculinos aparece en una situación de dependencia similar con respecto a otros personajes del spot.(revista de estadísticas publicitarias).

 

 

 

 

 

 

 

 

¿Crees qué esos slip te hacen este cuerpo?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

¿Qué intenta decir este anuncio?…No está en castellano pero creo que hace falta porque las imágenes lo dicen todo.

 

 

 

                                                                                                         

“Un Signo es tanto un logotipo, un cartel o un libro. Somos muy conscientes de que hoy por hoy en todos estos ámbitos se pueden dar casos de Insignificancia porque en realidad estamos rodeados de imágenes que no dicen nada”. Somos responsables de una disciplina que tiene que ayudar a generar imágenes que ayuden a pensar, orientarnos o incluso informarnos.

 

 

 

 

 

 

 

  

 

 

     

Analfabetismo galopante.

 

“En lo visual existe un analfabetismo galopante en el que todo se restringe a un griterío de forma que no dicen nada. Casi procuran un efecto narcótico. Lo bonito y lo feo se han convertido en los únicos criterios para seleccionar lo bueno y lo malo”. Ni siquiera las ganadoras de los concursos de Misses dicen que se les han elegido por su físico, pero todo se elige en función de si me gusta o no me gusta de manera totalmente subjetiva.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Confundimos lo atractivo con lo persuasivo.

 

“El atractivo es sólo uno de los componentes del lenguaje visual. Confundimos lo atractivo con lo persuasivo”. Hay que saber si nos dirigimos a un público infantil cuál es la imagen pertinente y adecuada y por lo tanto puedo transmitir la idea correcta. No valen las modas ni los escaparates; estamos hablando de eficacia a través de la imagen. “Estamos haciendo cajas bonitas para tapar unos bombones impresentables” y es más, cuando “confundimos lo atractivo con lo pertinente, estamos generando desconfianza. Empezamos a pensar que una máquina fea funciona mejor que una bonita” en definitiva que “lo bonito esconde algo malo” Si lo atractivo comporta algo al objeto, muy bien. Hablaremos de conceptos de agradabilidad pero nunca de engaño.

 Las imágenes no sólo nos cuentan cosas o nos provocan sensaciones, sino que también colaboran a la hora de construir nuestra visión peculiar del mundo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

• Como conclusión final y centrandome en los niños, creo que como futuros maestros nuestra finalidad es enseñar e intentar hacer entender a los niños de la manera más correcta y que interpreten imágenes e impongan y construyan sus propios criterios e ideas, y puedan pensar por ellos mismos sin influenciarse por nadie, tenemos una tarea muy díficil.