Noekya’s Blog

enero 29, 2009

3. TÉCNICAS, MEDIOS Y MATERIALES DE CREACIÓN PLÁCTICA MÁS VISUALES.

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3. TÉCNICAS, MEDIOS Y MATERIALES DE CREACIÓN PLÁCTICA MÁS VISUALES.

 

 

En la actualidad existen multitudes de técnicas para imágenes y objetos.

 

Hay algunas técnicas que se utilizan desde la antigüedad pueden ser las siguientes:

 

         Técnicas tridimensionales (volumen): talla, modelado, vaciado, etc…

         Técnicas bidimensionales: Dibujo, pintura, grabado y estampación, mosaico, etc.

         Otras técnicas tradicionales: vidriera, calado, tejidos, cestería, etc…

 

Y muchas otras han sido descubierta son hace tanto tiempo, como las técnicas derivadas de la fotografía o del TIC:

 

         Técnicas derivadas de la fotografía y el cine (suelen ser audiovisuales): fotografía, cine, televisión, video, animación, etc.

         Técnicas infográficas.

         Otras: neón, apilamientos, eat art, object trouve, etc…

 

-La expresión del cuerpo también es una técnica de creación, el cuerpo humano es un medio mediante el cual se pueden explicar sensaciones, estados de ánimos, e infinidad de sentimientos.

 

 

 

 

 

-La técnica de Happening es una manifestación artítica, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.

La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los “espectadores”, para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad.

El happening en cuanto manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.

 

 

 

-La técnica de Performance se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. El performance está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events y al body art. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.

La historia del “performance art” empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.

  • El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto.
  • La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración.
  • Una “acción artística” es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística.
  • La performance tiene parentesco con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.
  • El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.

En el arte contemporáneo- que siempre busca redefinír sus formas y maneras-, nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura.

 

 

 

-El Land art es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste americano a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman Earthworks, palabra que puede traducirse como excavaciones, aterramientos o desmontes).

El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. En realidad, puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros, esculturas). Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el Arte Povera.

(Enciclopedia wikipedia)

 

 

 

Todas las técnicas son válidas: lo que importa no es la técnica, sino el resultado.

Vamos a introducirnos en las técnicas más usuales:

1.       Técnicas y procesos tridimensionales (VOLUMEN).

 

 

 

Los conceptos que confortan este proceso son:

         Adición

         Sustracción

         Construcción

         Deformación

         Transformación

         Otros

 

PRINCIPALES PROCEDIMIENTOS TRADICIONALES DE CREACIÓN EN VOLUMEN

Adición

Modelado

Arcilla (barro)

Cera

Yesos y escayolas

Plastilinas

Otras pastas (papel, madera, etc)

Sustracción

Talla (directa o indirecta)

Madera

Piedra

Poliespan (porex)

Otras (marfil o eboraria por ejemplo)

Construcción

Soldaduras y ensamblajes

Encofrados

Otros

Deformación

Repujado, cincelado, etc

Forja

Vidrio soplado

Prensados y mecanizados

Transformación

Vaciado (moldes)

Vaciados en yeso, resinas, coladas de arcilla,etc

Vaciado + Fundición

Bronce

Metales preciosos (oro, plata, etc)

Otros (plomo, hierro, etc)

 

1A) Adición (lat adire: añadir).

 

LAS TÉCNICAS DE ADICIÓN SON LAS DE MODELADO:

         Arcilla (barro)

         Cera

         Yesos y escayolas

         Plastilinas

         Otras pastas (papel, pulpas, etc)

 

Modelado y Cerámica

 

En esta sección te damos información sobre los distintos trabajos artesanales relacionados con el modelado y la cerámica. Se pueden modelar los más diversos materiales: la arcilla, la masa de miga de pan, masa de sal, porcelana fría, papel maché, plastilina,  pasta de modelar, fimo, sculpey,… Hay masas de modelar adecuadas a todas las necesidades.

Los trabajos de modelado son aptos para todas las edades, siendo un trabajo habitual en los centros escolares. 

Para trabajar con niños muy pequeños podemos usar  la plastilina o la masa blanda, pensadas para que no pase nada si los niños se la llevan a la boca.

 También hay muchos aficionados a la masa de porcelana fría, que se puede comprar ya preparada o prepararla nosotros mismos en casa.  Hay muchas recetas para hacerla y será la experiencia la que nos diga que receta usar en cada caso. En los libros y revistas sobre modelado con masas encontramos los ingredientes e instrucciones para hacerla. Debe contener entre otros componentes el porcelanizador, la cola blanca y el agua.  

El modelado del Fimo o el Sculpey para obtener figuras, y sobre todo pendientes, collares, anillos y pulseras también ocupa a muchos artesanos y aficionados, que crean así su propia bisutería. Son masas que se compran ya hechas y coloreadas y se endurecen en el horno casero. Popularmente se conocen como FIMO o plastilina para horno. Son adecuadas para los niños, aunque del proceso de cocción deba ocuparse un adulto. Hay colores básicos, imitación a piedra, fluorescentes y perlados. Sculpey tiene también una masa que al cocer queda flexible, siendo ideal para que los niños creen muñecos y otros objetos.

Para trabajar con Fimo y Sculpey hay herramientas como los cortadores, moldes flexibles, musgueras o extrusionadoras de metal con diferentes boquillas y aparatos para hacer láminas de pasta conocidos como pasta machine. Podéis encontrar todas estas herramientas en la sección modelado de nuestra tienda on line.

El papel maché también es una masa que nos da muchas posibilidades. Se puede modelar a partir de la masa comprando la pasta de papel, preparar la pasta nosotros mismos, trabajar con un soporte, periódicos y cola o comprar figuras ya hechas y decorarlas. También es un trabajo muy apropiado para los niños y es muy económico.

(http://www.manualidadesybellasartes.com/modelado.html)

Concepto de modelado:

En esa esfera de la expresión humana que denominamos creación artística, la actividad específica de la escultura es el proceso de representación de una figura en tres dimensiones. El objeto escultórico es por tanto sólido, tridimensional y ocupa un espacio.

También es escultor el modelador, el que efectúa un modelado, quien lo mismo que el pintor, agrega, valiéndose de un material blando (cera, arcilla, yeso). El modelado pertenece, pues, al campo de la escultura, pero difiere radicalmente de la escultura propiamente dicha por lo que concierne al procedimiento. No será ya necesario adivinar, se podrá concebir sobre la marcha, e incluso cambiar el plan previsto. En sentido estricto, sólo es escultura la primera. Hoy, sin embargo, no se tiene una apreciación tan radical, y en materia de creación artística se considera la operación de modelar tan válida como la de quitar de un bloque.

El modelado puede constituir una finalidad en sí mismo o, por el contrario, ser un procedimiento auxiliar de la escultura. En efecto, el escultor que quita materia no puede operar valiéndose únicamente de la memoria; ha de tener a la vista un modelo. No es más que un punto de referencia, pero no puede prescindir de él si desea evitar errores irreparables. El modelo es parte del proceso que lleva a la idea final.
     El modelado es especialmente apto para el momento creativo, como lo es el dibujo. El artista podrá, indistintamente, añadir o quitar de la masa blanda. De ordinario, hará numerosos bocetos de tamaño pequeño, y finalmente un modelo a escala de la escultura que pretenda llevar a cabo.
     Pero también hacen escultura los que modelan con intención definitiva, bien para ofrecernos el material ya endurecido, bien para trasladarlo a otro material (vaciado) por mediación de un molde. El fundido en bronce y metales nobles será, pues, una manera de hacer escultura.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Técnicas habituales de modelado

         Cilindros (también llamados churros)

         Placas

         Macizo

         Manteniendo hueco

         Técnicas cerámicas (por ej. Torneado)

El modelado necesita un armazón o esqueleto que soporte el peso del material.

 

 

Proceso de modelado de un retrato.

Palillos de modelar

 

 

 

Técnicas de torneado cerámico:

En el torneado te permite una forma de trabajar más libre ya que estas en constante proceso de cambio y transformación y puedes ir corrigiendo mientras trabajas con el barro.

 

 

 

El torno es una máquina que, por medio de una rueda, hace que algo dé vueltas sobre sí mismo.

 

 

 

 

¿Cómo se conservan las obras modeladas?

¿Cómo conservar las obras modeladas?

Técnicas directas

Arcilla

Secado al aire

Cocción

Cera

Enfriado/secado al aire

Yesos y escayolas

Plastilina

No endurece nunca del todo, salvo que se cueza u otros

Otros

Normalmente endurecen al aire

Técnicas indirectas

Todas las técnicas

Moldeado; vaciado (sacar moldes)

Vaciado + fundición

Copia a otro material (saca de puntos, escaneado)

 

 

La cocción de la cerámica

 

 

La cocción constituye el último paso en el proceso de producción de la cerámica. En esta operación se necesita utilizar una cantidad de calor muy superior a la que proporciona un horno doméstico. Es posible emplear, de todas formas, un horno de confección más o menos casera, pero resulta mejor adquirir un pequeño horno eléctrico. Su precio no es prohibitivo.

Se pueden cocer las piezas en el horno del taller al que se acuda, pero con un horno propio se controla mejor el proceso de cocción. Para empezar adquiera un modelo económico, como el de 30 x 40 x 30 cm. (Dimensiones de la cámara de cocción).

Haga que un electricista compruebe las conexiones eléctricas. Recuerde que la temperatura del horno se mide con un termopar y un pirómetro, que constituyen un conjunto eléctrico que mide y regula temperaturas elevadas y que debe formar parte del horno.

Lleve un registro de las cocciones efectuadas. Para cada una, anote las temperaturas a intervalos de una hora. De este modo se dará cuenta de los progresos que realiza.

El fuego es el gran maestro o, si lo preferimos, el amo y señor del arte de la cerámica. Las piezas que hemos preparado serán verdaderamente “cerámicas”, sólo y cuando el fuego haya actuado sobre ellas. Para que una cerámica esté totalmente acabada son necesarias dos cocciones. La primera recibe el nombre de “bizcochado”. Este proceso transforma la tierra cruda en tierra cocida. El objeto cocido que sale del horno se denomina “bizcocho”. No creamos que esta primera acción del fuego se limita a hacerlo más duro o más resistente a la humedad y, en consecuencia, más apto para recibir el agua de los esmaltes. El verdadero objetivo de esta primera acción es el de provocar en su interior reacciones químicas. Estas reacciones producen gases que salen a través de pequeños poros que actúan de válvulas de descarga. El objeto, en el horno, sufre una verdadera transformación físico química. Para poder darse una idea, aunque sea superficial, diremos que durante la cocción se elimina toda la humedad remanente en el objeto, los hidrosilicatos se disocian, los óxidos se liberan, los carbonatos se descomponen y toda la pasta está sujeta a imperceptibles movimientos de dilatación y contracción por el cambio de volumen de los productos de las reacciones.

La temperatura de cocción varía de acuerdo con el tipo de pasta utilizada y, en consecuencia, con el tipo de objeto que se quiera fabricar. Para los productos en terracota, la temperatura del horno oscila entre los 850º y los 1000º C; para el gres y la loza, de los 1000º a los 1300º C; y para la porcelana, de los 1300º a los 1500º C, aproximadamente.

Al calentar la arcilla, ésta sufre una serie de modificaciones que, a partir de un cierto momento, son irreversibles. La arcilla sometida a una temperatura de 100º C se seca por completo, pero puede volver a su estado primitivo si se empapa con agua. Si se la calienta hasta 600 – 700º C, empieza a tomar un color rojo muy oscuro, y sufre profundas modificaciones químicas. En este momento la arcilla es blanda, desmenuzable y porosa, y no vuelve a ser plástica ni pierde su forma por la acción del agua.

A temperaturas del orden de 900 – 1000º C las partículas de la arcilla empiezan a conglomerarse y a adquirir mayor resistencia. Todas las sustancias carbonosas, como los residuos vegetales, se queman y volatilizan, dando como resultado un material puro y brillante y de color a veces muy distinto del original. Por ejemplo, al llegar a este punto los típicos tiestos modelados en arcilla roja tienen un brillante color terracota y una estructura resistente y porosa. Muchas arcillas negras adquieren en la cocción un color marfileño, consecuencia de la desaparición de las sustancias orgánicas quemadas.

 

 

 

 

 

 

1B) Sustracción

 

Las técnicas de talla son las técnicas usuales de sustracción:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Materiales usuales:

          piedra

          madera (también llamada talla dulce)

         Marfil (eboraria)

          porex (poliespan, corcho blanco)

          otros (ladrillo por ej.)

 

El material de talla puede ser de una sola pieza
(monolítica, monolito, monobloque).

 

 

 

 

 

O por el contrario varias piezas unidas entre si (ensambladas). Esto es muy frecuente en la madera.

 

 

 

La talla permite menos libertad que el modelado al depender de la forma del bloque.

 

Dos tipos de talla

         Directa

         Indirecta

 

Talla directa: Se va quitando directamente del material.

 

 

 

 

 

Miguel Ángel utilizaba la talla directa que es más díficil y un fallo puede suponer el fin de la obra.

Los espectadores cuando vemos una obra pensamos que están echas de forma directa pero es todo lo contrario sólo los grandes escultores y valientes se atreven a realizar sus obras de talla directa: es muy difícil y es demasiado arriesgada: una equivocación puede significar estropear definitivamente la obra. Un ejemplo de escultor que realiza sus obras con talla directa era Miguel Ángel.

 

 

 

 

 

 

Talla indirecta: Se copia un modelo hecho en materiales más sencillos de trabajar (barro, escayola, etc) y se va traspasando a la talla con ayuda de herramientas y/o máquinas especiales para no equivocarse.

 

 

 

La talla indirecta se hace copiando un modelo hecho en una técnica más facil (por ejemplo modelado).

 

 

 

 

 

Procedimientos habituales de talla indirecta (también llamada saca de puntos).

         Antiguamente se usaban métodos más o menos manuales:

        Pantógrafo manual o puntómetro

        Compases

         Actualmente se usan frecuentemente métodos mecanizados e incluso informáticos:

        Pantógrafo mecanizado (manual o asistido por ordenador)

        Escáner 3D por láser y traslación a pantógrafo mecanizado asistido por ordenador

 

 

El compas del escultor es:

 

 

 

 

 

 

Pantógrafo de dibujo

 

El pantógrafo, como instrumento de dibujo, permite copiar una figura o reproducirla a una escala distinta. Para conseguir dibujos a diferente escala se varía la distancia entre los puntos de articulación (rótulas), conservando siempre la condición de paralelismo entre las varillas, dos a dos.

 

 

 

 

Para dibujar, se fija el pivote, y se desplaza el punto de referencia sobre el dibujo original; un lapicero situado en el punto de copiado reproduce la imagen a una escala mayor, que viene determinada por la relación de distancias P-PR y P-PC.

Cambiando el punto de referencia por el punto de copiado se reproduce la imagen a una escala menor.

 

1C) Técnicas de construcción.

 

Uno de los procedimientos de construcción  más conocidos es la soldadura.

La soldadura es un proceso de fabricación en donde se realiza la unión de dos materiales, (generalmente metales o termoplásticos), usualmente logrado a través de la coalescencia (fusión), en la cual las piezas son soldadas derritiendo ambas y agregando un material de relleno derretido (metal o plástico), el cual tiene un punto de fusión menor al de la pieza a soldar, para conseguir un baño de material fundido (el baño de soldadura) que, al enfriarse, se convierte en una unión fuerte. A veces la presión es usada conjuntamente con el calor, o por sí misma, para producir la soldadura. Esto está en contraste con la soldadura blanda (en inglés soldering) y la soldadura fuerte (en inglés brazing), que implican el derretimiento de un material de bajo punto de fusión entre piezas de trabajo para formar un enlace entre ellos, sin fundir las piezas de trabajo.

 

 

 

 

 

 

 

 

Otro procedimiento de construcción más moderno pero también muy utilizado es el assemblage o ensamblaje.

 

Assemblage es un proceso artístico en el cual se consigue la tridimensionalidad colocando diferentes objetos-no-artísticos muy próximos unos a otros. Hay que recalcar que estos objetos de los que se componen estas obras comparten la característica de que no han sido diseñados con fines estéticos sino que han sido redescubiertos por los artístas quienes los incorporan a sus obras, de manera conjunta o de forma individual, para lograr expresar un mensaje o emoción.

El assemblage es una técnica hermana del collage. El origen de esta palabra (en su sentido artístico) puede ser rastreado a comienzos de la década de los 50, cuando Jean Dubuffet creó una serie de collages con motivos de alas de mariposa que tituló assemblages d’empreintes. Sin embargo, tanto Marcel Duchamp como Pablo Picasso ya había trabajo esta técnica con anterioridad. A su vez, la joven esposa de Duchamp también protagonizó alguno de los más tempranos y bellos ejemplos de esta forma artística junto a Louise Nevelson, credor de una célebre serie de esculturas a partir de trozos de madera a finales de la década de los 30.

 

 

 

 

 

Desde el siglo XX es muy utilizada también la técnica de construcción del encofrado

Un encofrado es el sistema de moldes temporales o permanentes que se utilizan para dar forma al hormigón o concreto, u otros materiales similares como el tapial, durante su estado plástico, o ‘fresco’.

 

 

1D) Deformación

 

Como su propio nombre indica, son procedimientos que transforman el material original: golpeándolo, doblándolo, estirándolo, etc.

 

Deformaciones elástica y plástica

Tanto para la deformación unitaria como para el tensor deformación se puede descomponer el valor de la deformación en:

  • Deformación (visco)plástica o irreversible. Modo de deformación en que el material no regresa a su forma original después de retirar la carga aplicada. Esto sucede porque, en la deformación plástica, el material experimenta cambios termodinámicos irreversibles al adquirir mayor energía potencial elástica. La deformación plástica es lo contrario a la deformación reversible.
  • Deformación elástica o reversible el cuerpo recupera su forma original al retirar la fuerza que le provoca la deformación. En este tipo de deformación, el sólido, al variar su estado tensional y aumentar su energía interna en forma de energía potencial elástica, solo pasa por cambios termodinámicos reversibles.

Comúnmente se entiende por materiales elásticos, aquellos que sufren grandes elongaciones cuando se les aplica una fuerza, como la goma elástica que puede estirarse sin dificultad recuperando su longitud original una vez que desaparece la carga. Este comportamiento, sin embargo, no es exclusivo de estos materiales, de modo que los metales y aleaciones de aplicación técnica, piedras, hormigones y maderas empleados en construcción y, en general, cualquier material, presenta este comportamiento hasta un cierto valor de la fuerza aplicada; si bien en los casos apuntados las deformaciones son pequeñas, al retirar la carga desaparecen.

Al valor máximo de la fuerza aplicada sobre un objeto para que su deformación sea elástica se le denomina límite elástico y es de gran importancia en el diseño mecánico, ya que en la mayoría de aplicaciones es éste y no el de la rotura, el que se adopta como variable de diseño (particularmente en mecanismos). Una vez superado el límite elástico aparecen deformaciones plásticas (remanentes tras retirar la carga) comprometiendo la funcionalidad de ciertos elementos mecánicos.

 

La orfebrería

Se llama orfebrería al trabajo artístico realizado sobre utensilios o adornos de metales preciosos. Los metales que constituyen los objetos de orfebrería propiamente dichos son eminentemente la plata y el oro o una mezcla de ambos que en la antigüedad se llamaba electrón o eléctrum. Con dichos metales se fabrican ya desde edades muy remotas utensilios muy variados como vasijas, piezas de adorno, joyas, monedas, estatuas siguiendo el estilo, la ornamentación y el gusto propios de la época y de la nación que los elabora, como puede observarse recorriendo las principales civilizaciones.

 

 

 

 

La forja es otra técnica que también usa procedimientos de deformación.

La forja es el arte y el lugar de trabajo del forjador o herrero, cuyo trabajo consiste en dar forma al metal por medio del fuego y del martillo.

Una forja contiene básicamente una fragua para calentar los metales (normalmente compuestos de hierr), un yunque y un recipiente en el cual se pueden enfriar rápidamente las piezas forjadas para templarlas. Las herramientas incluyen tenazas para coger el hierro caliente y martillos para golpear el metal caliente.

En la forja se modela el metal por deformación plástica y es diferente de otros trabajos del hierro en los que se retira o elimina parte del material mediante brocas, fresadoras, torno, etc., y de otros procesos por los que se da forma al metal fundido vertiéndolo dentro de un molde (fundición).

 

 

 

 

 

 

Una técnica de transformación, muy espectacular es el procedimiento del soplado del vidrio, mediante el que se da forma a la pasta caliente del vidrio.

El vidrio soplado es una técnica de fabricación de vidrio artesanal.

Existen dos tipos de vidrio soplado.

  • El vidrio soplado pyrex
  • El vidrio soplado reciclado

 

 

 

 

 

VIDRIO SOPLADO PYREX

Ambos son artesanales, y requieren una gran destreza y ocupan de la mayor concentración posible, dado la temperatura del vidrio, y de la fragilidad del vidrio.

Esta técnica empleada en todo el mundo, para realizar por ejemplo artesanía como: Pipas, aretes, pulseras, collares, bisutería. Pero también existen otras especialidades para el soplado de vidrio, como el científico, especializados en la realización de aparatos de laboratorio, el soplado de vidrio para tubos de neón en los rótulos,… Esta técnica artesanal emplea herramientas como soplete de gas butano o propano y oxigeno, tenazas, pinzas, gomas de soplado, tornos, máquinas de corte y los hornos para el templado del vidrio. Los colores de los vidrios se obtienen de cristal pirex coloreados previamente (de fabrica). Para poder hacer una artesanía con esta técnica, se necesita de que el soplete funda el cristal pyrex, hasta llegar a unos 2000 grados centígrados con los que se pueda moldear libremente. Ya con la idea determinada. Todo esto carecerá de un buen trabajo, si no se tiene una experiencia previa, sobre el manejo de los colores y de su fundición, ya que a muy poca temperatura el vidrio no podrá trabajarse con facilidad y además tiene un enfriamiento muy rápido. La combinación de colores y formas vendrá de la creatividad del artista, al untarlos, fundirlos, mezclarlos, o adherirlos al cristal con el cual se va a trabajar. Para poder darle formas con volumen interior, muchas veces utilizan de una pajilla metálica que al perforarla en el cristal, sacan aire de sus pulmones, calibrando el aire según el diámetro de la burbuja o la forma que quieran hacer. Cuando la pieza es muy grande suplen los pulmones con la ayuda de un compresor. Para tener una mejor visualización sobre lo que se trabaja en esta artesanía. Pueden recordar de los agitadores con figuras en vidrio, el cristal de Murano (en cualquiera de sus modalidades).

 

VIDREO SOPLADO RECICLADO

Su primer uso, que se remonta a tiempos muy antiguos, era para objetos de bisutería. Añadiéndole diversos minerales durante el fundido se obtenían cuentas de diferentes colores. En la Antigua Roma se inventó el soplado, técnica que permitió la elaboración de recipientes e, incluso, de láminas para ventanas.

Para poder fundir el vidrio, se necesita de una temperatura de 1600 grados centígrados (C°), todo esto para que tome de un comportamiento viscoso y cristalino, con el cual se podrá trabajar con facilidad. Muy liquido seria imposible de trabajar al igual que muy denso. Se vierten cargas de vidrio soplado en un horno (conformado con ladrillo refractarios, uniéndolos con una mezcla de mortero y agua [como capa interior], como para exterior se emplea ladrillo de barro, todo esto con la finalidad de resistir las altas temperaturas y mantener el calor), después de vertidas las cargas se iniciara el “derretido” del vidrio. Para poder tomar el vidrio se utiliza una “caña” (tubo cilíndrico de acero hueco) previamente calentada de su parte lejana al cuerpo humano, para poder estar a la misma temperatura del vidrio y esta no sume un choque termal, y no dificulte su adhesión a la cana. Se introducirá en la “tina” (deposito de vidrio derretido) del horno, una vez introducida la cana se le dará vueltas al tubo (sobre su propio eje), para poder obtener la mayor cantidad de vidrio (según la pieza a fabricar). Una vez tomada la masa de cristal de le procederá a darle una forma esférica sobre una placa de acero, para poder manejarla mejor (todo esto girando la masa sobre lo ancho o largo de la placa). Una vez teniendo la forma deseada, se pasara a soplar (con la boca introducida en un extremo de la cana, soplado) la bola para poder darle la dimensión deseada (según la pieza a fabricar). Después se pasara a un molde (de acero en grano), y se procederá a soplar con muchas fuerzas dentro de la pieza (adentro del molde), para poder darle una forma predeterminada (en producciones mayores como vasos, copas, jarras, floreros, etc. es necesario de un molde para agilizar la producción), una vez teniendo una forma “predeterminada”, se mocha de un extremo con un simple golpe en la cana, dejando caer la pieza sobre un contedor (previamente acondicionado con tela de asbesto en su parte inferior y arena sílice de un grano demasiado grueso), todo esto con la finalidad de que la parte donde se unía el tubo con la pieza de vidrio soplado sirva como boca de alguna pieza (solo en vasos, copas, floreros, ensaladeras, licoreras, botellas). Una vez que se deposita, con otro tubo (para acabar), previamente calentado a la temperatura del vidrio (en el contenedor a 900 grados centígrados (C°), se tomara de la parte donde no esta la abertura, y se introducirá al horno (por una de sus bocas), para poder calentar la pieza para poder trabajarla. Una vez teniendo la temperatura deseada, se abre poco a poco el orificios con unas tenazas (de hierro forjado artesanalmente), para darle un diámetro superior al inicial. Después de obtenido el diámetro calculado, se utiliza un madero cubierto de papel periódico (previamente humedecido con agua), y se le da la forma a la boca, según se desee. Después de terminada la pieza, colocándole las aplicaciones que se deseen, se pasara a un horno de temple, para poder disminuir la temperatura poco a poco, y este agarre características especiales (según el método del templado) como dureza, tenacidad.

 

1E) Transformación

 

Técnicas de vaciado

Consisten en hacer moldes (o negativos) y rellenarlos después con algún material (positivado).

Materiales de relleno

Materiales para rellenar Moldes

Barro para cocer

Colada

Barro líquido vertido en el molde a piezas

Apreton

Barro en pasta apretado sobre el molde a piezas o flexible

Escayola o yeso

Procedimientos diversos: colada, en pasta, rellenado etc. Hueco o macizo. Con o sin armazón

Cementos

Muy diverso tipo: cemento blanco+marmolina, cemento+arena, cemento+chamota (polvo barro cocido), etc. Puede ir sin armazon o con armazón de metal (hormigón armado), de fibra de vidrio, etc. Puede ser hueco o macizo.

Resinas sintéticas

Normalmente una resina sintética+carga (aridos, pigmento, etc)

poliéster+carga+fibra vidrio

Epoxi+carga (puede llevar también fibras)

Otras

Otros

       

Moldeado con escayola

 

 

 

Moldeado de un relieve con molde silicona muy sencillo

 

 

La fundición

Se denomina fundición al proceso de fabricación de piezas, comúnmente metálicas pero también de plástico, consistente en fundir un material e introducirlo en una cavidad, llamada molde, donde se solidifica.

El proceso tradicional es la fundición en arena, por ser ésta un material refractario muy abundante en la naturaleza y que, mezclada con arcilla, adquiere cohesión y moldeabilidad sin perder la permeabilidad que posibilita evacuar los gases del molde al tiempo que se vierte el metal fundido.

En Escultura el más usual es el de la “cera perdida”

Fundición a la cera perdida

         Primero se saca una copia de cera, hueca y con finas paredes

         Esa copia de cera se rodea de un molde de material refractario, y se rellena también de material refractario

         Se calienta todo hasta que la cera se funde y sale del molde, y en el espacio resultante (donde estaba la cera) se echa bronce u otro metal

         Se rompe y quita el molde, y se retoca la pieza

 

 

 

 

 La cera, que también se emplea en la preparación de bocetos, es material que solicita lo menudo, la escultura en pequeño. Con ella se han creado escenas de vitrina o «escaparate». la minuciosa obra del escultor en cera recibe el auxilio del policromador; hay una cercanía muy grande entre la escultura y la pintura en estas vitrinas con escenas de cera pintada. Son obras de interior, de gabinete, piezas hogareñas.

 

2) TECNICAS y PROCESOS BIDIMENSIONALES

Técnicas bidimensionales tradicionales (excepto las de impresión)

Dibujo

Carboncillo

Sanguina y otras barras

Lapices

 

 

 

Tintas (tinta china, sepia, bistre, etc.)

 

 

 

Pastel

 

Ceras

Otros (tizas, punta de plata, etc.)

Pintura

(con pincel, aerógrafo, rodillos, esponjas, espátulas, etc.)

Al agua

 

 

 

 

Al aceite/disolventes

 

 

 

Temple

 

Fresco

 

 

El dibujo tiene como característica primordial el empleo del trazo o la línea. Frente a otras técnicas artísticas, destaca por la brevedad en su ejecución. Generalmente, es de dimensiones reducidas.

El soporte habitual del dibujo es el papel. Para los apuntes y los dibujos de pluma y pincel, se prefiere el papel blanco, de granulado fino y superficie lisa . El papel de grano grueso, sea coloreado o no, es más adecuado para el dibujo a lápiz, el carboncillo o el pastel.

1) El dibujo a tinta

El dibujo a pluma emplea distintos tipos de tintas:

a) La más frecuente es la tinta china, que se confecciona a basede negro de humo disuelto en aceite, de goma arábiga y aglutinantes. Una vez mezclada con agua produce tonos grises.

b) La sepia es una tinta que se obtiene de la sustancia contenida en una glándula del cefalópodo del mismo nombre. Dicha sustancia se diluye en agua en distinto grado de concentración y se le añade goma arábiga.

Además de constituir la materia prima del dibujo a pluma, la tinta es también la base de otras dos técnicas de dibujo: el pincel y la aguada.

El pincel se usa con tintas puras o diluidas en agua.

La aguada se obtiene a partir de tinta china o de tintas de colores, que se diluyen en agua y se aplican con pincel. Las aguadas más frecuentes en Goya son las de tinta parda, pues se prestan muy bien a sus habituales contrastes de luz y sombra.

Es frecuente encontrar mezcladas en un mismo dibujo las diversas técnicas. La pluma y la tinta se utilizan para trazar laslíneas y las figuras, y el pincel y la aguada para matizar lasactitudes y los contrastes.

2) El dibujo a lápiz

El dibujo a lápiz se define por el material empleado:lápiz negro, lápiz blanco de yeso y de color, a los que se sumanlas tizas coloreadas.

El carboncillo se consigue con unos bastoncillos obtenidos de la combustión lenta de la madera, a los que se añaden resinas y alcohol para prolongar su duración.

La sanguina es un lápiz rojo de arcilla ferruginosa.

El lápiz negro que se usaba en época de Goya era el grafitoinglés, cuya mina se fabricaba con plomo. En 1790 se inventóuna nueva técnica de fabricación de lápices: el llamadolápiz Conté. Se trata de un conglomerado de polvo degrafito y arcilla, que sigue utilizándose hoy en día para lafabricación de lápices corrientes.

 

 

 

EL CARBONCILLO

El carboncillo se fabrica en bastones de unos 13 a 15 cm por un diámetro que va desde la ramita de 5 mm. a la rama de hasta 1,5 cm. Algunas marcas ofrecen tres gradaciones: blando ‘ medio y duro.

Derivado del carboncillo, el lápiz carbón, conocido también como lápiz o crayón Conté, está constituido por una mina de carbón vegetal y sustancias aglutinantes protegidas por la madera del lápiz. Se fabrica en tres, cuatro y hasta seis gradaciones, indicadas con números, con letras o con los términos blando, duro, etc….

Otras variantes del carboncillo

Como variantes del carboncillo y el lápiz carbón se fabrican varios productos de excelente rendimiento y calidad. Son de carbón vegetal o artificial, comprimido, en algunos casos mezclado con arcilla y añadiendo siempre sustancias aglutinantes, logrando en conjunto la estabilidad del lápiz carbón y (sobre todo en las gradaciones blandas) la intensidad y fluidez de los colores al pastel. Cabe destacar las minas redondas con mezcla de arcilla de un negro intenso, mate, inalterable e incluso difícil de borrar; así como los bastones, barras y cretas en bastones, todos ellos máximos exponentes del dibujo al carbón.

Todos los fabricantes ofrecen estos productos en diferentes gradaciones. Hay que mencionar, también, el carbón en polvo, un medio que generalmente se combina con cretas o carbón comprimido contando siempre con aplicarlo mediante difuminos… y dedos.

 

 

 

 

 

Cretas blancas

La creta blanca, es la barra o el lápiz que utilizamos para realzar blancos en un dibujo al carbón o a la sanguina sobre papel de color.

Técnicas del carboncillo y el lápiz carbón

El primer condicionamiento del dibujo al carboncillo, y en cierto modo del lápiz carbón, es el hecho de dibujar con una punta que difícilmente puede mantenerse aguda y constante como la del lápiz grafito, lo cual supone y obliga a dibujar de manera más libre, menos precisa y desde luego, a una escala más amplia; con el carboncillo no pueden dibujarse miniaturas. Los estudios de figura al carboncillo suelen hacerse a media hoja como mínimo. Por lo mismo el dibujo al carboncillo ha de ser más libre, más suelto que el dibujo a lápiz grafito.

El tamaño más grande y la realización más libre condicionan también la manera de coger el carboncillo.

El segundo factor a tener en cuenta es que el carboncillo y el lápiz carbón son medios especialmente indicados para el estudio y la resolución de efectos de luz y sombra, de modelado, de volumen. Es conveniente, pues, elegir modelos y formas de iluminación que permitan realzar este factor. Como veremos en el capítulo de prácticas, en esta técnica interviene básicamente el esfumado con difumino y con dedos.

El carboncillo se borra con facilidad. Pasando un trapo por encima del dibujo desaparece…, pero no del todo: si el trazo dibujado es intenso queda una señal débil, difícil de eliminar totalmente, aun borrando con la goma de plástico.

La inestabilidad del carbón y del carboncillo hace necesaria la fijación del dibujo una vez terminado. El fijador no es otra cosa que una capa de líquido pulverizado que al secarse forma una película que cubre y protege el dibujo. El fijador se sirve en frascos y en aerosol. El fijador líquido se aplica soplando con un pulverizador manual. Es posible fijar con azúcar disuelto en agua y alcohol; también es posible fijar con un aerosol de laca para el cabello; pero lo más práctico y seguro es hacerlo con fijador en aerosol fabricado para este fin.

 

 

 

 

SANGUINA

La sanguina es una técnica pictórica basada en una variedad de óxido férrico llamada hematites, que se presenta bajo la forma de polvo, barra o placa. Puede tener distintas tonalidades, todas ellas en la gama del rojo -de ahí su nombre, ya que recuerda a la sangre-, desde el rojo anaranjado hasta el rojo pardovioláceo. Llamada antiguamente sinopia –por la ciudad turca de Sinope, de donde procedía la hematites-, fue utilizada en principio para dibujos preparatorios del fresco: el trazado de sanguina era aplicado directamente sobre el revestimiento del muro que se iba a pintar. La sanguina se convirtió en técnica de dibujo propiamente dicha a finales del siglo XIV: fue empleada entonces sobre un soporte de papel, bien bajo su forma sólida –trazo dejado por la barra de sanguina-, bien bajo su forma líquida –agua aplicada con el pincel-, y mezclada a menudo con otras técnicas: plumilla, piedra negra o tiza blanca. Las cualidades esenciales de este material son la luminosidad y el poder ilusionista en el acabado de las encarnaciones, que hacen de esta técnica la ideal para dos tipos de estudio: el retrato y el desnudo. La sanguina ha sido utilizada por numerosos pintores, especialmente Leonardo, Miguel Ángel, Pontormo, Lorrain, Le Bru, Fragonard y los impresionistas francesesManet, Renoir, Morisot, etc-.

 

 

 

 

Obtenido de “http://es.wikipedia.org/wiki/Sanguina

 

El lápiz de grafito

El lápiz es el objeto más elemental, además del papel claro está, para dibujar. Es éste quien mancha el papel y lo pigmenta logrando crear un rastro tras de si conocido como trazo.

 

 

 

 

 

Los lápices de color

La mayoría de lápices hechos en los Estados Unidos son pintados de amarillo.Según Henry Petroski,esta tradición comenzó en 1890 cuando la L&C Hardtmuth Company de Austria-Hungría introdujo su marca de fábrica Koh-I-Noor, nombrada después del diamante famoso. Fue pensado para ser el mejor lápiz y más costoso del mundo, y en un momento en que la mayoría de los lápices eran pintados en colores oscuros o no eran pintados en absoluto, los de Koh-I-Noor era amarillo. Así como simplemente ser distintivo, el color se pudo haber inspirado por la bandera austrohúngara; era también sugestivo del Oriente, en un momento en que el grafito de la mejor-calidad vino de Siberia. Otras compañías entonces copiaron el color amarillo de modo que sus lápices fueran asociados a esta marca de fábrica de alta calidad, y eligieron marcas de fábrica con referencias orientales explícitas, tales como Mikado (retitulado Mirado) y Mongol No todos los países utilizaron el amarillo en sus lápices; sin embargo, los lápices alemanes, por ejemplo, son a menudo verdes, basados en los colores de la marca registrada de Faber-Castell, una compañía alemana importante a los efectos de escritorio. Los lápices están comúnmente redondeados, hexagonales o a veces triangular en la sección. Los lápices del color (es decir, aquellos con mina de color) son generalmente del mismo color que el de la mina.

 

 

 

La tinta china

La tinta china es una tinta de invención china usada principalmente en caligrafía china y japonesa, así como en la pintura china y japonesa sumi-e.

Se compone de carbón vegetal muy finamente molido, que se apelmaza y compacta con algún tipo de pegamen con base acuosa, como resinas vegetales o algunos extractos animales. Con el carbón molido y el pegamento se forman unas barras pequeñas con forma de lingote que se prensan y se dejan secar hasta alcanzar una consistencia totalmente sólida. Esta tinta en estado sólido puede durar años o siglos sin perder sus propiedades.

La calidad de la tinta depende de muchos factores, como la madera de la que proviene el carbón, el proceso de prensado, el pegamento utilizado, el tiempo que tiene, etc. y existen desde barras muy baratas hasta piezas de coleccionista.

La tinta suele ser negra, aunque también puede mezclarse con colorantes para conseguir tintas de otros colores.

 

 

 

La tinta bistre

La tinta bistre es un pigmento marrón hecho de hollín” y de aspecto “marrón cálido medio a oscuro, con un dejo amarillento” que, disuelto en agua hirviendo, se utilizaba, según Maltese, como tinta para dibujos en códices miniados a partir del siglo VII. Maltese la define como “hollín en suspensión acuosa de diversas concentraciones, según la tonalidad que se quiera obtener” y afirma luego que es acuarela más que tinta y se emplea más para dar sombras que para trazar líneas de contorno.

 

 

La tinta sepia

 

 

 

 

Tinta+lápiz

 

 

 

 

Pastel (barras de pigmentos de color aglutinado con goma arábica)

 

 

 

 

Ceras (barras de pigmentos de color y cera u otro material graso)

 

 

 

Punta de plata

 

 

 

 

La acuarela

La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. En el Este de Asia, la acuarela ejecutada con tinta es denominada Sumi-e. En la pintura china, coreana y japonesa ha sido un medio pictórico dominante, realizado frecuentemente en tonalidades monocromáticas negras o marrones.

 

 

 

Guache

El gouache o guache, es una acuarela opaca. Es distinto de la pintura transparente sobre papeles brillantes, si uno quiere puede pintar aplicando campos lisos, con líneas precisas, pero normalmente es utilizado para producir un efecto de pinceladas con un flujo espontáneo.

Un gouache bien pintado no debe tener gruesos empastes ni capas muy espesas de pintura, sin embargo produce un efecto de ser más espeso de lo que en realidad es. Su luminosidad no depende de la base, si es blanca o no, sino que su brillo está en la misma pintura. Debido a su opacidad, los colores claros pueden pintarse sobre los oscuros sin que estos aparezcan a través de los claros. Además, puede rebajarse en agua, dándole una transparencia parecida a la de la acuarela.

 

 

 

Los acrílicos

Los acrílicos son unas pinturas que destacan por su larga inalterabilidad de los colores, su adecuación para el pintado de murales de obra al exterior, así como la posibilidad de conseguir aspectos de acuarela, gouache, óleo, etc…pinceles, brochas, espátulas, etc…) y sobre cualquier tipo de superficie, ya sean lienzos de tela o papeles especiales para acuarela.

 

 

 

 

Pintura al óleo

En arte se conoce como óleo a los aceites que se usan para combinar con otras sustancias y obtener así un producto idóneo para la pintura y como extensión, se fueron llamando óleos a la misma pintura en sí.

El uso del óleo se conoce desde la modernidad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad Media sobre todo combinándolo con la pintura al temple o al fresco. Con esta mezcla retocaban las obras realizadas en yeso y conseguían así un secado más rápido. Con el avance y las investigaciones de la alquimia se fueron inventando mezclas favorables para los resultados de la pintura. El aceite que más se empleaba era el de linaza que solía mezclarse con los pigmentos de minerales que son los que proporcionan el colorido, pero no era el único y cada artista en su taller tenía su propia fórmula que guardaba muy en secreto. Muchos siguieron los consejos y experiencias escritos en el Tratado del monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año 1100.

Esta pintura obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre otras, el poder realizar su obra lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de lo que ocurría en la pintura al temple, o al fresco), el poder retocar la obra día a día, variar la composición, los colores, etc.

Las bases sobre las que se aplica el óleo son diversas, sin que por ello varíe su aspecto. Lo que si varía es la técnica de preparación de estas bases pues es muy distinto pintar sobre lienzo, tabla, fresco o cobre. A partir del siglo XVII con el arte barroco los pintores eligieron como soporte favorito de sus pinturas al óleo sobre lienzo, siendo este más práctico para la elaboración de grandes composiciones, que la tabla. De tal forma tomó importancia el material empleado por los artistas que se empezó a emplear la palabra lienzo u óleo en lugar de cuadro para designar las obras pictóricas. Los primeros grandes artistas de pintura al óleo fueron los flamencos.

La tradición sostiene que fueron los hermanos Van Eyck los que inventaron la pintura al óleo. Esta afirmación, falsa, se basa en que, efectivamente fueron ellos, sobre todo Jan, los que explotaron las innumerables posibilidades de esta técnica, infrautilizada hasta entonces.

Van Eyck utilizaba el óleo con gran precisión y los venecianos (Tiziano) lo ampliarán aprovechando las posibilidades de textura de la pintura con base de aceite. La perspectiva aérea la desarrolla Leonardo de Vinci (la Gioconda). El flamenco Rubens, pintor barroco parte de una base oscura o neutra. Estos pintores se caracterizaban por ser directos en grado extremo (capas con gran vitalidad y mínimas correcciones). Rembrandt creará el “grisaille”; éste se convirtió en el método académico en el siglo XVIII. En el Romanticismo hay mayor libertad técnica. En el impresionismo los pintores usan una técnica más directa. En el expresionismo abstracto hay un intento de primar la expresión en lugar de la corrección técnica, igual que los neoexpresionistas.

El equipo que usan estos artistas son pinceles (cerda blanca o marta roja, también de pelo sintético, y diferentes tamaños), espátula, caballete y paleta. Las técnicas fundamentales son, trabajar por capas, o en directo “alla Prima”.

 

 

 

 

Pinturas al fresco

Un fresco es una pintura realizada sobre una superficie cubierta con una delgada y suave capa de yeso, en la cual se va aplicando cal apagada (CaOH2) y cuando la última capa está todavía húmeda, se pinta sobre ella, de ahí su nombre.

El fresco se ejecuta en jornadas de trabajo de 8 horas, ya que la cal en un periodo de 24 horas comienza su proceso de secado y no admite más pigmentos. Por ello algunos acabados se realizaban en seco, con temple, es decir, aglutinados con cola. A esa técnica se la conoce como fresco seco.

La realización de un fresco se desarrolla en tres fases: soporte, intonaco, colores.

El soporte, de piedra o ladrillo, debe estar seco y nivelado. Antes de la fase de intonaco, se prepara con una capa llamada arriccio, de un centímetro de espesor aproximadamente, con el fin de dejar la superficie lo más lisa posible. El intonaco se compone de un impasto compuesto de polvo de mármol, cal y agua. El color, se aplica sobre el intonaco mientras éste se encuentra aún húmedo. La gama de colores se reduce a los de origen mineral. Al secarse la cal, los pigmentos quedan integrados químicamente en la propia pared, por lo que su durabilidad se vuelve muy alta.

La principal dificultad de esta técnica es el hecho de que no se puede corregir lo hecho. Una vez que el color ha sido aplicado es inmediatamente absorbido por la base. Las únicas correcciones posteriores se pueden hacer sólo cuando el fresco ha secado, mediante aplicaciones de temple. Sin embargo, estas correcciones carecen de la permanencia del buon fresco.

Otra dificultad consiste en la diferencia de tono del color entre el momento de aplicación y el resultado final una vez seco. El pintor debe anticipar y adivinar el resultado final.

Probablemente el ejemplo más significativo de pintura al fresco sea el conjunto de pinturas realizadas en la Capilla Sixtina por Miguel Ángel, que sumadas a las obras realizadas en la misma capilla por los artistas de la generación anterior, Ghirlandaio, Botticelli y Perugino, más el panel frontal con las escenas del Juicio Final del propio Miguel Ángel, hacen de ese recinto el sancta sanctorum de la pintura al fresco, y quizá de la pintura en general.

La famosa obra, La Última Cena de Leonardo Da Vinci no puede ser considerada un fresco. Su autor nunca dominó esta técnica, por lo cual empleó una base de arcilla y un aglutinante –elaborado de óleo y barniz- que le permitió corregir la pintura y lograr una riqueza de color y una precisión en el detalle similar a la de un cuadro al óleo. Sin embargo, el desgaste de la pintura es bastante mayor que en el caso de un fresco, en La Ultima Cena el deterioro comenzó a los pocos meses de terminada la obra. Otro ejemplo de falso fresco realizado por Leonardo y con los mismos resultados catastróficos es el de La batalla de Anghiari, realizado en el palacio Viejo de Florencia y que resultó igualmente dañado a causa de los afanes experimentadores de su creador.

 

 

 

 

 

Pintura al temple

En general, todas las técnicas pictóricas se basan en tres elementos básicos: el pigmento, el disolvente y el aglutinante. En el caso de la pintura al temple el disolvente es el agua y el aglutinante algún tipo de grasa animal u otras materias orgánicas.

Las formas de obtener la emulsión son:

  • Por enriquecimiento de pinturas magras (agregando aceites o similares).
  • Por empobrecimiento de pinturas grasas: (pintura al óleo), no recomendado.
  • Por emulsión directa: mezcla del pigmento con el aglutinante (óptima).

En el caso de ésta última, hay que diluir el pigmento en una emulsión que puede ser de colas de conejo o pescado, clara o yema de huevo, caseína (proteína de la leche) o cualquier mezcla de las anteriores.

Otros aditivos habituales son goma arábiga, para dar una cierta textura; ácido acético (vinagre) y barniz de óleo (dammar o similar, por ejemplo) como conservante; sacarosa (azúcar) como aglutinante no secativo; agua destilada como diluyente o aligerante; glicerina como retardante del secado y aligerante; aceite de linaza; aguarrás o esencia de petróleo; etc. El barniz se puede usar también como texturizante. En caso de agregar disolvente orgánico, frente al aguarrás es más aconsejable la esencia de petróleo, dado que es necesaria menos cantidad y su origen mineral la hace más estable (no amarillea con el tiempo).

Otra forma de obtener el conservante es mediante la hidrolización de la acetidina (o también llamado ester acetil acético, etanoato de etilo, acetato de etilo…) la cual se comercia como disolvente universal. La proporción es de cuatro partes de agua destilada por cada una de acetidina y agitar durante unos dos minutos hasta lograr una substancia homogénea. Ésta es una disolución de ácido acético y etanol al cincuenta por ciento en mol. Su olor es muy penetrante y desagradable (similar al del tiner) y requiere cantidades pequeñas. También se puede usar para recuperar pintura casi seca.

Según normas antiguas (como los tratados de Cennino Cennini) a la hora de emplear clara o yema, hay que saber que la clara da más transparencia y ligereza, siendo ideal para las luces y sectores intermedios. La yema da tonos más oscuros y puede estropearse con más facilidad, es más aconsejable para las sombras siempre aligerada con algo de clara.

Históricamente, la pintura al temple es característica de la Edad Media europea. Puede considerarse característico de los estilos Románico y Gótico en el occidente Europeo, y de los iconos bizantinos y ortodoxos, en Europa Oriental.

Este procedimiento pictórico se aplica usualmente sobre tabla, aunque, a menudo era utilizado para retocar pinturas murales al fresco y añadirles detalle. Esta técnica se usaba abundantemente para aplicar azul ultramar, incompatible químicamente con el buon fresco, por ejemplo en mantos azules, cielos, etc. Se conocía como fresco secco o retoque alla secca.

Ya Cennino Cennini hablaba de un temple sólo de aceite, que es lo que luego se conoció como pintura al óleo. En los últimos tiempos de la Edad Media eran muy habituales los temples con mezcla de aceites y barnices grasos. E incluso ir añadiendo aceite a las sucesivas capas de temple.

Desde finales del siglo XV, en consecuencia, el temple va siendo sustituido por la pintura al óleo, a causa de las ventajas que presenta, sobre todo la invisibilidad de las pinceladas y el poder aplicarse sobre lienzo.

En el Renacimiento, el óleo fue traído al sur de Europa proveniente de los Países Bajos e introducido, entre otros por Leonardo Da Vinci.

Actualmente, la pintura al temple se está poniendo de nuevo de moda debido a las recuperadas posibilidades que ofrece y a su precio más económico y producción más sencilla.

Según algunos autores incluso se puede considerar a la pintura acrílica como una pintura al temple, si se entiende temple como toda pintura fabricada con un aglutinante en emulsión. Según este criterio, nuestra época es la del gran resurgir del temple.

 

 

 

 

 

Técnicas de grabado y estampación

Técnicas bidimensionales de grabado y estampación (impresión)

Grabado

Monototipos y sellor

Xilografía (en madera)

Linóleo

Litografia (en piedra litográfica)

Sobre plancha metálica

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Colagraf

Serigrafía (pantallas)

Otros (Grabado en escayola o en plástico por ejemplo ej.)

Otras técnicas de estampación

Estarcido y aerografía

Uso del fax, fotocopiadora, etc.

Infografía e impresión

 

 

 

Tórculo

Un tórculo es una prensa utilizada para el arte de el grabado, con torniquetes de metal que presionan un rodillo contra una platína en la cual se coloca el papel y la placa de grabado, para que la tinta se traspase de la lámina al papel. Esta máquina puede ser utilizado para cualquier tipo de grabado, desde el linoleo hasta el grabado al aguafuerte. Esto, porque el tórculo es solo el encargado de realizar la presión para poder pasar la tinta de la plancha a el papel o lamina al que se desee pasar la impresión. El tórculo es el ancestro y lo que llego a inspirar la imprenta, esto por que la imprenta y el tórculo tienen funciones muy similares. Esta prensa puede ser de metal o madera.

 

 

 

 

Grabado en linoleo

 

 

 

 

 

 

Xilografías

Es una técnica de impresión con plancha de madera. El texto y/o la imagen deseada se talla a mano con un cincel o buril en la madera. Se utiliza habitualmente una sola matriz (llamada también taco) para cada página. A continuación se impregna con tinta y presionándola contra un soporte (como el papel) se obtiene la impresión del relieve.

Las maderas más adecuadas para realizarla son la de boj, la de cerezo o la de peral. Otras maderas menos duras, como las de arce y roble, no son adecuadas para la xilografía.

Existen dos tipos de xilografía en función de como se realice el grabado en la madera:

  • Xilografía “al hilo”: la superficie de grabado está cortada en paralelo a las fibras del tronco. Este método es propenso a la aparición de nudos y fibras irregulares con el consecuente problema para la impresión.
  • Xilografía “a testa”: la cara es perpendicular a las fibras.

Se diferencia de los demás sistemas de impresión de textos en que utiliza una plancha fija para imprimir todo el contenido, mientras que los restantes se basan en tipos móviles (letras) que se reordenan y utilizan para otras páginas.

 

 

 

 

3.- Técnicas de mosaico

Técnicas de mosaico más usuales

         Collage

         Mosaico

        Piedra

        Vidrio

        Madera y otros (taracea)

        Enguijarrado

        Etc.

 

Collage

El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como la música, el cine, la literatura o el videoclip.Viene del francés coller, que significa pegar.

En pintura, un ‘Kollaje’ se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc. Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el colaje en 1912 con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla, está en discusión si fue primero Picasso o Georges Braque. El primero había pegado fotografías a sus dibujos en fechas tan tempranas como 1899, y en la primavera de 1912 incorporó hule en forma de rejilla a su citada pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla. Pero el segundo realizó a finales del verano de aquel año los primeros papiers collés al incorporar a sus obras recortes de papel pintado comercial que imitaba madera, uno de cuyos ejemplos es Tête de femme (1912). En aquel momento, los dos artistas se habían instalado en Sorgues, si bien Picasso se encontraba de viaje en París cuando Braque compró el papel y realizó estas obras. A su vuelta Picaso se entusiasmó con el descubrimiento de su amigo y los dos se lanzaron a introducir en sus pinturas recortes de diarios o revistas, etiquetas de licores o cigarrillos, y también papeles coloreados. Juan Gris rápidamente entendió la potencia del hallazgo y lo empleó también. El Futurismo lo adaptó también sin problemas -hay ejemplos de Carlo Carrà y Giacomo Balla- y los dadaístas multiplicaron sus posibilidades expresivas y conceptuales de la mano de Hans Arp, Marcel Duchamp, Hanna Hoch, Kurt Schwitters o George Grosz. De hecho, los dadaístas berlineses, que reivindicaban para sí mismos la denominación de “montadores” frente a la épica del “artista”, se consideran los inventores del fotomontaje, una técnica realizada a partir de la fotografía en combinación o no con la tipografía impresa, en la que los vanguardistas rusos, como El Lissitzki, Aleksandr Ródchenko o Solomon Telingater, fueron auténticos maestros.

Del collage se depuró un principio previo o técnica cuyo primer creador fue al parecer el dadaísta Marcel Duchamp: el “objeto encontrado”, según la cual cualquier cosa que elige un artista es sacralizada como “arte”, desde una piedra que llama su atención en un camino a una imagen que le gusta en una revista. De ahí a la amalgama de “objetos encontrados” o collage hay sólo un paso.

El collage ha sido usado, pues, en las vanguardias históricas de principios del siglo XX: Futurismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo, Constructivism… Artistas plásticos que frecuentemente han usado esta técnica incluyen a Max Ernst, Juan Gris, Georges Braque, Marcel Duchamp, Man Ray, Antoni Tàpies, Jasper Johns y el artista mexicano Alberto Gironella. Asimismo es una técnica habitualmente empleada por los creadores del Arte correo en la difusión de sus trabajos. Existen nuevos grupos literarios que están implementando el collage colectivo como técnica de composición de textos.

Entre los representantes más reconocidos del collage tenemos a:

  • Pablo Picasso,
  • Jean Arp,
  • Giacomo Balla

 

 

 

 

 

Mosaico

Un mosaico era una obra compuesta de rocas. También puede estar hecha de madera. Por extensión se llama mosaico a cualquier obra realizada con fracciones diversas.

Se utilizó en los yacimientos de la ciudad asiria llamada Nínive.Se ha podido ver que decoraban las paredes y las columnas con pequeños trozos de arcillas de colores dibujando formas geométricas.

En el mundo europeo fue muy frecuente y desde muy temprano (desde fines del siglo V a. C.) el pavimento compuesto por guijas de río (piedrecillas chicas que se encuentran en las orillas) de tamaños y de colores distintos. Con estas guijas se hacían dibujos sencillos de temas geométricos. En los pueblos de Castilla y León (en España) han seguido a través de los siglos esta tradición para los patios y zaguanes de las casas. Es lo que llaman enguijarrado.

Este sistema de pavimentación se ha podido ver claramente en las casas de Olinto (Olynthos), antigua ciudad griega de la región de Macedonia en la península Calcídica, que fue destruida por Filipo II de Macedonia en el año 348 a. C., y en las ciudades de Pella y Corinto. Las escenas representadas con estos guijarros suelen ser del mundo marino, del repertorio homérico y del culto a Dioniso.

Todos los pueblos antiguos hicieron incursión en este arte tanto en la antigüedad clásica como en la de Mesoamérica. En la antigüedad clásica llegó a ser un producto muy elaborado y de gran lujo con la cultura helenística, en que se empezaron a realizar obras más complicadas con temas complejos y episodios de la vida cotidiana y de la mitología. Los materiales empleados también fueron más ricos (mármol, vidrio, ónice). El arte del mosaico adquiere su difusión en época del Imperio romano.

A lo largo de la historia de la humanidad el arte del mosaico se ha ido desarrollando y enriqueciéndose, adquiriendo el estilo y los materiales adecuados a cada época, hasta llegar al siglo XXI en que las obras de arte se siguen sucediendo aunque no mucho.

 

 

 

 

4.- Otras técnicas tradicionales

 

Las Vidrieras

 

 

Se pueden imitar muy bien vidrieras con materiales escolares, y dan muy buen resultado.

 

5.- Técnicas de imagen fotográfica e infográfica

 

         Técnicas derivadas de la fotografía y el cine (suelen ser audiovisuales): fotografía, cine, televisión, video, animación, etc.

         Técnicas infográficas

 

Los hermanos Lumiére

 

 

 

Louis Jean (5 de octubre de 18646 de junio de 1948) y Auguste Marie Louis Nicholas (19 de octubre de 186210 de abril de 1954) fueron los inventores del proyector cinematográfico.

Ambos nacieron en Besançon, Francia, pero crecieron en Lyon. Su padre tenía un taller fotográfico y ambos hermanos trabajaban con él, Louis como físico y Auguste como administrador. Louis hizo algunas mejoras en el proceso de fotografías estáticas.

Al morir su padre en 1892 los hermanos empezaron a trabajar en la posibilidad de imágenes en movimiento. Patentaron un número significativo de procesos notables, como agujerear la cinta del film para permitir su movimiento por la cámara.

Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el cinematógrafo, que se basaba en la persistencia retiniana de imágenes en el ojo humano. Ellos cargaban las piezas de la cámara filmadora en un cajón para su traslado.

El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1894. Así, en el verano de 1894, los hermanos Louis y Auguste Lumière tenían a punto la cámara que servía tanto como tomavistas o como proyector, y con ella llevaron a cabo su primera filmación ese otoño. El 22 de marzo de 1895 fue mostrada en París en una sesión de la Société d’Encouragement à l’Industrie Nacional la conocida La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir («Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir»), rodada tres días antes el 19 de marzo de 1895.

Tras diversas presentaciones en sociedades científicas, en la Universidad de la Sorbona, en Bruselas y otros lugares, se procedió a su explotación en la primera sesión exhibida para un público comercial, como primer espectáculo de pago el 28 de diciembre de 1895 en París, en el Salon Indien del Grand Café, en el Boulevard des Capucines, donde se proyectaron varias cintas entre las que destacaban, aparte de la ya citada Salida de la fábrica Lumière, otras como Llegada de un tren a la estación de la Ciotat o El desayuno del bebé, e incluía la primera película de ficción: El regador regado. Así, con este catálogo, el cine comenzó su historia a modo de documental, como testigo objetivo de la vida cotidiana.

Los hermanos pensaban que «el cine es una invención sin ningún futuro», utilizable sólo para el ámbito de la intimidad. No obstante, aprovecharon todo lo que el nuevo invento les ofreció para generar riqueza y montar un negocio rentable. Los Lumière enviaban un cinematógrafo y un operador allá donde era requerido, por ejemplo a la Coronación del zar Nicolás, etc. Con estas cintas rodadas en los lugares más exóticos del planeta surge el montaje.

Su posición económica y el interés que mostraban hacia la ciencia les hizo menospreciar las posibilidades comerciales de su invento, por lo que finalmente abandonaron la producción cinematográfica.

En 1903 patentaron un proceso para realizar fotografías en color, el Autochrome Lumière, lanzado al mercado en 1907.

Actualmente su cámara esta en el museo de cine de Paris, con la de George Méliès.

 

 

 

 

 

 

 

Cámara de video

La cámara de vídeo es un dispositivo que captura imágenes convirtiéndolas en señales eléctricas, en la mayoría de los casos a señal de vídeo, también conocida como señal de televisión. En otras palabras, una cámara de vídeo es un transductor óptico.

Las primeras cámaras de vídeo, propiamente dichas, utilizaron tubos electrónicos como captadores: un tipo de válvulas termoiónicas que realizaban, mediante el barrido por un haz de electrones del target donde se formaba la imagen procedente de un sistema de lentes, la transducción de la luz (que conformaba la imagen) en señales eléctricas. En la época de los 80 del siglo XX, se desarrollaron transductores de estado solido: los CCDs (Dispositivos de cargas interconectadas). Ellos sustituyeron muy ventajosamente a los tubos electrónicos, propiciando una disminución en el tamaño y el peso de las cámaras de vídeo. Además proporcionaron una mayor calidad y fiabilidad, aunque con una exigencia más elevada en la calidad de las ópticas utilizadas.

La televisión en blanco y negro, que utiliza únicamente la información de la luz de una imagen, la luminancia, utiliza cámaras de un solo canal de captación. Los sistemas para televisión en color, que necesitan captar las características que diferencian los colores, la crominancia, usan tres canales; cada uno de ellos destinado a la captura de cada color primario.

 

 

 

 

 

 

 

 

El Arte Digital

El Arte Digital es una disciplina creativa que comprende obras en las que se utilizan elementos digitales en el proceso de producción y/o en su exhibición.

En sus inicios, al contrario del resto de obras artísticas que se manifestaban sobre un soporte analógico:(lienzo, instrumento musical, material escultórico…) las obras de arte digital se manifiestan mediante soportes digitales o al menos tecnológicamente avanzados.

A modo de ejemplo, el arte digital puede apreciarse en diversos ámbitos como cine (trilogía de El Señor de los Anillos), animación 3D (Shrek), etc.

 

 

 

 

 

Cámara digital

Una cámara de video digital es un dispositivo electrónico usado para capturar y almacenar fotografías electrónicamente en un formato digital, en lugar de utilizar películas fotográficas como las cámaras convencionales, o imágenes grabadas en cinta magnética usando un formato analógico como muchas cámaras de video.

Las cámaras digitales compactas modernas generalmente son multifuncionales y contienen algunos dispositivos capaces de grabar sonido y/o video además de fotografías. Actualmente se venden más cámaras fotográficas digitales que cámaras con película de 35 mm.

 

 

 

 

 

7.- ALGUNAS NOCIONES ELEMENTALES

Los pasos más usados en el arte son los bocetos y las pruebas, modelos, y finalmente realizar la obra.

Del modelo o idea original a la obra definitiva suele haber mucho trabajo intermedio.

 

Los bocetos

Un boceto, también llamado esbozo (Layout en inglés), es un dibujo realizado de forma esquemática y sin preocuparse de los detalles o terminaciones para representar ideas, lugares, personas u objetos.

Un boceto es un dibujo hecho a mano alzada, utilizando lápiz, papel y goma de borrar, realizado generalmente sin instrumentos de dibujo auxiliares. Puede ser un primer apunte del objeto ideado que aún no está totalmente definido. Se pueden utilizar tanto técnicas de perspectiva como vistas ortogonales. Es un dibujo rápido de lo que luego llegará a ser un dibujo definido o la obra de arte final en sí.

 

 

 

También es muy frecuente hacer maquetas, fotomontajes y diseños por ordenador.

 

Maquetas

 

 

 

 

Fotomontajes y diseños por ordenador 

 

 

 

 

 

En este tema hemos aprendido conceptos nuevos, no es mi tema preferido pero hay información muy importante referente a la asignatura y con esta información adquirimos nuevos conocimientos que nos servirán para enseñar a los alumnos.

 

 

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1 Comentario »

  1. Muchas gracias!!!! UN abrazo

    Comentario por noekya — febrero 25, 2010 @ 11:23 am


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