RESIGNACIÓN

La resignación es un suicidio diario

He elegido este tema porque me parece muy interesante y profundo, aunque puede ser que esta temática de menos juego que otros temas propuestos.

Por esto me implicaré más,  lo haré más personal y reflejaré un poco lo que pienso sobre toda la información que recoja de diferentes lugares.

Podríamos empezar con una deficinión: ¿Que és la resignación?

“Entrega voluntaria que uno hace de sí poniéndose en las manos de otro”

Está definición está recogida de un diccionario, pero en mi opinión la explicación de este término en esta definición es muy pobre y no dice mucho, por lo que seguiremos indagando.

A continuación expondré algunas frases célebres que me he seleccionado ya que me han parecido muy interesantes.

Frases sobre Resignación.

La resignación es la capacidad humana de aceptar y adaptarse a las adversidades, esta palabra esta mal interpretada al compararla con la cobardía y la derrota, siendo su verdadero sinónimo la paciencia y la humildad.

Resignarte no es sinónimo de estar vencido, fracasado o ser un cobarde, sino todo lo contrario, es una manera de avanzar sin oponer resistencia, adaptándote a las circunstancias, al igual que un velero no se opone a la fuerza del viento, sino que se deja llevar por el viento para llegar a su destino.

El derrotado deja de luchar y da por imposible su emprendimiento, el resignado deja de luchar de la manera habitual para emprender a la primera oportunidad y volver a luchar de una manera distinta.

La resignación se encarga de rebajar al orgullo para aliviar el peso de la carga que soportamos diariamente y uno de los mejores antídotos para calmar el dolor de cabeza que acarrea vivir en sociedad.

Para mí la resignación es un estado emocional interno y personal que trata la aceptación o concienciación de una situación adversa, a la que no se le ve salida.Esta situación puede darse en casos y situaciones diferentes, como puede ser: El hambre en el tercer mundo, la violencia de género, el corredor de la muerte, una enfermedad grave…

Una imagen que creo que podría plagmar esta idea sería la siguiente:

 

Una imagen de una persona abatida, derrotada y sin fuerzas para seguir adelante, que no pone resistencia ante una situación y termina aceptando lo que se acontece.

Quizás no hay amplios estudios sobre este término, pero si se puede enfocar hacía diferentes situaciones.

Cuando ocurrió el terremoto en Japón, me puse a pensar que sentirían en esos momentos, en los que algunos lo han perdido todo, y tristeza es la palabra sí, una inmensa y profunda tristeza que no olvidarían en sus vidas, pero seguí viendo imágenes y pensé que tristeza es un término muy genérico, que puede haber tristeza y esperanza, puede ser un momento determinado, un dolor que con el tiempo se puede curar, y entonces caí en la conclusión que ese sentimiento no era tristeza, más bien indicaba resignación, porque esta situación era inevitable y duradera.

Aceptar lo que ha pasado, porque no se puede cambiar, intentar tirar hacia delante pero con las esperanzas mínimas que existen, vidas destruídas, momentos y vivencias llevadas por una corriente de agua que pasó y no dejó nada solo ese único sentimiento, Resignación.

Si exponemos otro ejemplo, como una situación de una persona que le supera y no quiere seguir viviendo, ya no estaríamos hablando de resignación sino de derrota de darse por vencido, y este caso se podría asociar a historia de Ramón San Pedro.

La película Mar Adentro nos relata esta historia conmovedora.

La muerte para el protagonista era la mejor solución, un deseo profundo que le acompañaba en todos sus despertares. No afrontaba su situación, para él eso no era vida.

Por todo esto nos tenemos nos tenemos que preguntar el siguiente interrogante:

¿ Hay situaciones peores que la muerte?

La muerte es el final de la vida, dónde concluye todo, por lo que se deja de existir y esto en algunas situaciones implica dejar se sufrir.

Dicen que cada persona es un mundo, y por todo esto, hay situaciones semejantes que personas lo llevan como buenamente pueden y otras que difilmente le ven salida y desean acabar con todo.

A continuación expondré una obra de Gabriel García Marquéz dónde habla de la resignación pero enfocada especialmente hacia la muerte.

 

La tercera resignación

Gabriel García Márquez (1947)

         Allí estaba otra vez, ese ruido. Aquel ruido frío, cortante, vertical, que ya tanto conocía pero que ahora se le presentaba agudo y doloroso, como si de un día a otro se hubiera desacostumbrado a él.
         Le giraba dentro del cráneo vacío, sordo y punzante. Un panal se había levantado en las cuatro paredes de su calavera. Se agrandaba cada vez más en espirales sucesivos, y le golpeaba por dentro haciendo vibrar su tallo de vértebras con una vibración destemplada, desentonada, con el ritmo seguro de su cuerpo. Algo se había desadaptado en su estructura material de hombre firme; algo que “las otras veces” había funcionado normalmente y que ahora le estaba martillando de cabeza por dentro con un golpe seco y duro dado por unos huesos de mano descarnada, esquelética, y le hacía recordar todas las sensaciones amargas de la vida. Tuvo el impulso animal de cerrar los puños y apretarse la sien brotada de arterias azules, moradas, con la firme presión de su dolor desesperado. Hubiera querido localizar entre las palmas de sus dos manos sensitivas el ruido que le estaba a punta de diamante. Un gesto de gato doméstico contrajo sus músculos cuando lo imaginó perseguido por los rincones atormentados de su cabeza caliente, desgarrada por la fiebre. Ya iba a alcanzarlo. No.
         El ruido tenía la piel resbaladiza, intangible casi. Pero él estaba dispuesto a alcanzarlo con su estrategia bien aprendida y apretarlo larga y definitivamente con toda la fuerza de su desesperación. No permitiría que penetrara otra vez por su oído: que saliera por su boca, por cada uno de sus poros o por sus ojos que se desorbitarían a su paso y se quedarían ciegos mirando la huída del ruido desde el fondo de su desgarrada oscuridad. No permitiría que le estrujara más sus cristales molidos, sus estrellas de hielo, contra las paredes interiores del cráneo. Así era el ruido aquel:
         Pero le era imposible apretarse las sienes. Sus brazos se habían reducido y eran ahora los brazos de un enano; unos brazos pequeños, regordetes, adiposos. Trató de sacudir la cabeza. La sacudió. El ruido apareció entonces con mayor fuerza dentro del cráneo que se había endurecido, agrandado y que se sentía atraído con mayor fuerza por la gravedad. Estaba pesado y duro aquel ruido. Tan pesado y duro que de haberlo alcanzado y destruido había tenido habría tenido la impresión de estar deshojando una flor de plomo.
         Había sentido ese ruido “las otras veces”, con la misma insistencia. Lo había sentido, por ejemplo, el día en que murió por primera vez. Cuando –ante la vista de un cadáver– se dio cuenta de que era su propio cadáver. Lo miró y se palpó. Se sintió intangible, inespacial, inexistente. El era verdaderamente un cadáver y estaba sintiendo ya, sobre su cuerpo joven y enfermizo, el tránsito de la muerte. La atmósfera se había endurecido en toda la casa como si hubiera sido rellena de cemento, y en medio de aquel bosque –en el que había dejado los objetos como cuando era una atmósfera de aire– estaba él, cuidadosamente colocado dentro del ataúd de un cemento duro pero transparente. Aquella vez, en su cabeza estaba también “ese ruido”. Qué lejanas y qué frías sentía las plantas de sus pies; allá en el otro extremo del ataúd, donde habían puesto una almohada, porque la caja le quedaba aún demasiado grande y hubo que ajustarlo, adaptar el cuerpo muerto a su nuevo y último vestido. Lo cubrieron de blanco y alrededor de su mandíbula apretaron un pañuelo. Se sintió bello envuelto en su mortaja; mortalmente bello.
         Estaba en su ataúd, listo a ser enterrado, y sin embargo, él sabía que no estaba muerto. Que si hubiera tratado de levantarse lo hubiera hecho con toda facilidad. Al menos “espiritualmente”. Pero no valía la pena. Era mejor dejarse morir allí; morirse de “muerte”, que era su enfermedad. Hacía tiempo que el médico había dicho a su madre, secamente:
         –Señora, su niño tiene una enfermedad grave: está muerto. Sin embargo –prosiguió–, haremos todo lo posible por conservarle la vida más allá de su muerte. Lograremos que continúen sus funciones orgánicas por un complejo sistema de autonutrición. Sólo variarán las funciones motrices, los movimientos espontáneos. Sabremos de su vida por el crecimiento que continuará también normalmente. Es simplemente “una muerte viva”. Una real y verdadera muerte…
         Recordaba las palabras, pero confundidas. Tal vez no las oyó nunca y fue creación de su cerebro cuando subía la temperatura en las crisis de la fiebre tifoidea.
         Cuando se sumergía en el delirio. Cuando leía la historia de los faraones embalsamados. Al subir la fiebre, él mismo se sentía protagonista de ella. Allí había empezado una especie de vacío en su vida. Desde entonces no podía distinguir, recordar cuáles acontecimientos eran parte de su delirio y cuáles de su vida real. Por tanto, ahora dudaba. Tal vez el médico nunca habló de esa extraña “muerte viva”. Es ilógica, paradojal, sencillamente contradictoria. Y eso lo hacía sospechar ahora que, efectivamente, estaba muerto de verdad. Que hacía dieciocho años que lo estaba.
         Desde entonces –en el tiempo de su muerte tenía siete años– su madre le mandó hacer un ataúd pequeño, de madera verde; un ataúd para un niño. Pero el médico ordenó que le hicieran una caja más grande, una caja para un adulto normal, pues aquella, podría atrofiar el crecimiento y llegaría a ser un muerto deforme o un vivo anormal. O la detención del crecimiento impediría darse cuenta de la mejoría. En vista de aquella advertencia, su madre le hizo construir un ataúd grande, para un cadáver adulto, y le colocó tres almohadas a los pies, con el fin de ajustarlo.
         Pronto empezó a crecer dentro de la caja, de tal manera que cada año podían sacarle un poco de lana a la almohada extrema para darle margen al crecimiento. Había pasado así media vida. Dieciocho años (ahora tenía veinticinco). Y había llegado a su estatura definitiva, normal. El carpintero y el médico se equivocaron en el cálculo e hicieron el ataúd medio metro más grande. Supusieron que él tendría la estatura de su padre, que era un gigante semibárbaro. Pero no fue así. Lo único que de él heredó fue la barba poblada. Una barba azul, espesa, que su madre acostumbraba arreglar para verlo decentemente dentro de su ataúd. Esa barba le molestaba terriblemente en los días de calor.
         Pero había algo que le preocupaba más que “¡ese ruido!”. Eran los ratones. Precisamente, cuando niño, nada había en el mundo que le preocupara más, que le produjera más terror, que los ratones. Y eran precisamente esos animales asquerosos los que habían acudido al olor de las bujías que ardían a sus pies. Ya habían roído sus ropas y sabía que muy pronto empezarían a roerlo a él, a comerse su cuerpo. Un día pudo verlos: eran cinco ratones lucios, resbaladizos, que subían a la caja por la pata de la mesa y lo estaban devorando. Cuando su madre lo advirtiera, no quedaría ya de él sino los escombros, los huesos duros y fríos. Lo que más horror le producía no era exactamente que se lo comieran los ratones. Al fin y al cabo podría seguir viviendo con su esqueleto. Lo que lo atormentaba era el terror innato que sentía hacia esos animalitos. Se le erizaba la piel con sólo pensar en esos seres velludos que recorrían todo su cuerpo, que penetraban por los pliegues de su piel y le rozaban los labios con sus patas heladas. Uno de ellos subió hasta sus párpados y trató de roer su córnea. Le vio grande, monstruoso, en su lucha desesperada por taladrarle la retina. Creyó entonces una nueva muerte y se entregó, todo entero, a la inminencia del vértigo.
         Recordó que había llegado a mayor de edad. Tenía veinticinco años y eso significaba que no crecería ya más. Sus facciones se volverían firmes, serias. Pero cuando estuviera sano no podría hablar de su infancia. No la había tenido. La pasó muerto.
         Su madre había tenido rigurosos cuidados durante el tiempo que duró la transición de la infancia a la pubertad. Se preocupó pora higiene perfecta del ataúd y de la habitación en general. Cambiaba frecuentemente las flores de los jarrones y abría las ventanas todos los días para que penetrara el aire fresco. Con qué satisfacción miró la cinta métrica en aquel tiempo, cuando, después de medirlo, ¡comprobaba que había crecido varios centímetros!. Tenía la maternal satisfacción de verlo vivo. Cuidó, así mismo, de evitar la presencia de extraños en la casa. Al fin y al cabo era desagradable y misteriosa la existencia de un muerto por largos años en una habitación familiar. Fue una mujer abnegada. Pero muy pronto empezó a decaer su optimismo. En los últimos años, la vio mirar con tristeza la cinta métrica. Su niño no crecía ya más. En los meses pasados no progresó el crecimiento un milímetro siquiera. Su madre sabía que iba a ser difícil ahora encontrar la manera de advertir la presencia de la vida en su muerto querido. Tenía el temor de que una mañana amaneciera “realmente” muerto y tal vez por eso aquel día él pudo observar que se acercaba a su caja, discretamente, y olfateaba su cuerpo. Había caído en una crisis de pesimismo. Ultimamente descuidó las atenciones y ya ni siquiera tenía la precaución de llevar la cinta métrica. Sabía que ya no crecería más.
         Y él sabía que ahora estaba “realmente” muerto, Lo sabía por aquella apacible tranquilidad con que su organismo se dejaba llevar. Todo había cambiado intempestivamente. Los latidos imperceptibles que sólo él podía percibir se habían desvanecido ahora de su pulso. Se sentía pesado, atraído por una fuerza reclamadora y potente hacia la primitiva substancia de la tierra. La fuerza de gravedad parecía atraerlo ahora con un poder irrevocable. Estaba innegable. Pero estaba más descansado así. Ni siquiera tenía que respirar para vivir su muerte.
         Imaginariamente, sin tocarse, recorrió uno a uno cada uno de sus miembros. Allí, sobre una almohada dura, estaba su cabeza levemente v uelta hacia la izquierda. Imaginó su boca entreabierta por la delgada orilla de frío que le llenaba la garganta de granizo. Estaba tronchado como un árbol de veinticinco años. Quizá trató de cerrar la boca. El pañuelo que había apretado a su quijada estaba flojo. No pudo colocarse, componerse, tomar una “pose” siquiera para parecer un muerto decente. Ya los músculos, los miembros, no acudían como antes, puntuales al llamado de su sistema nervioso. Ya no era el de dieciocho años atrás, un niño normal que podía moverse a gusto. Sintió sus brazos caídos, tumbados para siempre, apretados contra las paredes acojinadas del ataúd. Su vientre duro, como una corteza de nogal. Y más allá las piernas íntegras, exactas, complementando su perfecta anatomía de adulto. Su cuerpo reposaba con pesadez, pero apaciblemente, sin malestar alguno, como si el mundo se hubiera detenido de repente, y nadie interrumpiera el silencio; como si todos los pulmones de la tierra hubieran dejado de respirar para no interrumpir la liviana quietud del aire. Se sentía feliz como un niño bocarriba sobre la hierba fresca y apretada, contemplando una nube alta que se aleja por el cielo de la tarde. Era feliz, aunque sabía que estaba muerto, que reposaba para siempre en la caja recubierta de seda artificial. Tenía una gran lucidez. No era como antes, después de su primera muerte, en que se sintió embotado, bruto. Las cuatro bujías que habían puesto en derredor suyo, y que eran renovadas cada tres meses, empezaban a agotarse nuevamente: precisamente cuando iban a ser indispensables. Sintió la vecindad de la frescura en las violetas húmedas que su madre había llevado aquella terrible mañana. La sintió en las azucenas, en las rosas. Pero toda aquella terrible realidad no le causaba ninguna inquietud; al contrario, era feliz allí, sólo con su soledad. ¿Sentirse miedo después?
         Quien sabe. Era duro pensar en el momento en que el martillo golpeara los clavos sobre la madera verde y crujiera el ataúd bajo la esperanza segura de volver a ser árbol. Su cuerpo atraído ahora con mayor fuerza por el imperativo de la tierra, quedaría ladeado en un fondo húmedo, arcilloso y blanco, y allá arriba, sobre cuatro metros cúbicos, se irían apagando los últimos golpes de los sepultureros. No. Allí tampoco sentiría miedo. Eso sería la prolongación de su muerte, la prolongación más natural de su nuevo estado.
         No quedaría ya ni un grado de calor en su cuerpo, su médula se habría enfriado para siempre, y unas estrellitas de hielo penetrarían hasta el tuétano de sus huesos. ¡Qué bien se acostumbraría a su nueva vida de muerto! Un día –sin embargo– sentirá que se derrumba su armadura sólida; y cuando trate de citar, de repasar cada uno de sus miembros, no los encontrará. Sentirá que no tiene forma exacta definida, y sabrá resignadamente que ha perdido su perfecta anatomía de 25 años y que se ha convertido en un puñado de polvo sin forma, sin definición geométrica.
         En el polvillo bíblico de la muerte. Acaso sienta entonces una ligera nostalgia: nostalgia de no ser un cadáver formal, anatómico, sino un cadáver imaginario, abstracto, armado únicamente en el recuerdo gorroso de sus parientes. Sabrá entonces, que va a subir por los vasos capilares de un manzano y al despertarse medido por el hambre de un niño en una mañana otoñal. Sabrá entonces –y eso sí le entristecía– que ha perdido su unidad: que ya no es –siquiera– un muerto ordinario, un cadáver común.
         La última noche la había pasado feliz, en la solitaria compañía de su propio cadáver.
         Pero al nuevo día, al penetrar los primeros rayos del sol tibio por la ventana, abierta, sintió que su piel se había reblandecido. Observó un momento. Quieto, rígido. Dejó que el aire corriera sobre su cuerpo. No pudo dudarlo: allí estaba el “olor” . Durante la noche la cadaverina había empezado a hacer sus efectos. Su organismo había empezado a descomponerse, a pudrirse, como el cuerpo de todos los muertos. El ”olor” era, indudablmente, un olor inconfundible a carne manida, que desaparecía y reaparecía después más penetrante. Su cuerpo se había descompuesto con el calor de la noche anterior. Sí. Se estaba pudriendo. Dentro de p ocas horas vendría su madre a cambiar las floresy desde el umbral la azotaría el tufo de la carne descompuesta. Entonces sí lo llevarían a dormir su segunda muerte entre los otros muertos.
         Pero de pronto el miedo le dio una puñalada por la espalda. ¡El miedo! ¡Qué pa labra tan honda, tan significativa! Ahora tenía miedo, un miedo “físico”, verdadero. ¿A qué se debía? El lo comprendía perfectamente y se le estremecía la carne: probablemente no estaba muerto. Lo habían metido allí, en esa caja que ahora sentía perfectamente, blanda, acolchada, terriblemente cómoda; y el fantasma del miedo le abrió la ventana de la realidad: ¡Lo iban a enterrar vivo!
         No podía estar muerto, porque se daba cuenta exacta de todo; de la vida que giraba en torno suyo, murmurante. Del olor tibio de los heliotropos que penetraba por la ventana abierta y se confundía con el otro “olor”. Se daba perfecta cuenta del lento caer del agua en el estanque. Del grillo que se había quedado en el rincón y seguía cantando, creyendo que aún duraba la madrugada.
         Todo le negaba su muerte. Todo menos el “olor”. Pero, ¿cómo podía saber que ese olor era suyo? Tal vez su madre había olvidado el día anterior cambiar el agua de los jarrones, y los tallos estaban pudriéndose. O tal vez el ratón, que el gato había arrstrado hasta su pieza, se descompuso con el calor. No. El “olor” no podías ser de su cuerpo.
         Hacía unos momentos estaba feliz con su muerte, porque creía estar muerto. Porque un muerto puede ser feliz con su situación irremediable. Pero un vivo no puede resignarse a ser enterrado vivo. Sin embargo, sus miembros no respondían a su llamada. No podía expresarse, y era eso lo que le causaba terror; el mayor terror de su vida y de su muerte. Lo enterrarían vivo. Sentiría el vacío del cuerpo suspendido en hombros de los amigos, mientras su angustia y su desesperación se irían agrandando a cada paso de la procesión.
         Inútilmente trataría de levantarse, de llamar con todas sus fuerzas desfallecidas, de golpear por dentro del ataúd oscuro y estrecho para que supieran que aún vivía, que iban a enterrarlo vivo. Sería inútil; allí tampoco responderían sus miembros al urgente y último llamado de su sis tema nervioso.
         Oyó ruidos en la pieza contigua. ¿Estaría dormido? ¿Habría sido una pesadilla toda esa vida de muerto? Pero el ruido de la vajilla no continuó. Se puso triste y quizá tuvo disgusto por ello. Hubiera querido que todas las vajillas de la tierra se quebraran de un sólo golpe allí a su lado, para despertar por una causa ex terior, ya que su voluntad había fracasado.
         Pero, no. No era un sueño. Estaba seguro de que de haber sido un sueño no habría fallado el último intento de volver a la realidad. El no despertaría ya más. Sentía la blandura del ataúd y el “olor” había vuelto ahora con mayor fuerza, con tanta fuerza, que ya dudaba de que era su propio olor. Hubiera querido ver allí a sus parientes, antes que comenzara a deshacerse, y el espectáculo de la carne putrefacta les produjera asco. Los vecinos huirían espantados del féretro con un pañuelo en la boca. Escupirían. No. Eso no. Era mejor que lo enterraran. Era preferible salir de “eso” cuanto antes. El mismo quería ahora deshacerse de su propio cadáver. Ahora sabía que estaba verdaderamente muer to, o al menos inapreciablemente vivo. Daba lo mismo. De todos modos persistía el “olor”.
         Resignado oiría las últimas oraciones, los últimos latinajos mal respondidos por los acólitos. El frío lleno de polvo y de huesos del cementerio penetrará hasta sus huesos y tal vez disipe un poco ese “olor”. Tal vez –¡quién sabe!— la inminencia del momento le haga salir de ese letargo. Cuando se sienta nadando en su propio sudor, en una agua viscosa, espesa, como estuvo nadando antes de nacer en el útero de su madre. Talvez entonces esté vivo.
         Pero estará ya tan resignado a morir, que acaso muera de resignación.

También se habla de la resignación en el siguiente artículo, dónde tratan temas importantes:

 

RESIGNACIÓN VS ACEPTACIÓN Muchas veces cometemos el error de pensar que aceptar lo que nos sucede significa no desear cambiarlo. Nada más lejos de la verdad. Ante todo, para poder modificar algo, es requisito previo aceptar que ese algo nos está sucediendo. Mucha gente confunde esta aceptación con “resignación”. La resignación implica que uno se ve indefenso frente a lo que le sucede, que uno se siente incapaz de cambiarlo. La aceptación, por otra parte, significa que reconocemos que algo no nos gusta, para de ese modo ser capaces de empezar a modificarlo. Si, por ejemplo, yo niego que tengo un problema con mi pareja, jamás podría pensar en arreglarlo. Reconocer que tenemos un problema no significa que no queramos cambiarlo. Lo que sucede es que estamos acostumbrados a “luchar” contra la idea del problema en sí. Eso es negación. Mucha gente confunde la idea oriental de “aceptar lo que nos sucede sin cuestionarlo”, con la idea de “pasividad”. Esto se debe a una falta de comprensión. No hay vida más estática que la del negador compulsivo, debido a que siempre cargará con los mismos problemas a lo largo del tiempo. En cambio, la vida de aquel que acepta lo que le sucede sin luchar contra la idea, es el que se da a sí mismo la oportunidad de resolverlo. “Aceptar lo que nos sucede sin cuestionarlo” no significa que pensemos que eso que nos pasa está bien. Cuando los budistas hablan de “no cuestionar”, se refieren a “no cuestionar que eso nos sucede”, tan simple y efectivo como eso. Tenemos en la cabeza tan arraigada la idea de “forjar nuestro destino”, que temblamos frente a la simple mención de la palabra “aceptación”. Eso nos hace negar automáticamente cualquier cosa que no nos gusta, porque nos enseñan a aceptar solamente lo que nos agrada. Y lo que es peor, llegamos a creer que aceptar algo es aprobarlo. Es hora de empezar a ser un poco más inteligentes, y dejar de aceptar o rechazar determinadas nociones sin tomarnos el tiempo de analizarlas detenidamente. Es fácil dejarse llevar por las generalizaciones, y es cierto que es más cómodo que tomarse el trabajo de pensar por uno mismo, pero si las creencias que aceptamos vienen en paquete, dentro de una “Cajita Feliz”, no esperemos comer hamburguesas de carne…

Y para concluir, voy a hablar un poco sobre el proyecto que he realizado.

Mi proyecto refleja a un hombre de mediana edad. La situación corporal que presenta es sentado, y erguido hacia adelante, con unas cadenas que le impiden levantarse.

Creo que representa bien, lo que he querido reflejar, y la temática sobre la que habla “RESIGNACIÓN”.

Eso sí he de decir, que me he divertido mucho con esta asignatura, pero me ha resultado muy díficil trabajar con el barro.

Bueno espero que el proyecto final refleje lo que he intentado manifestar a través de él y que tenga un buen resultado.

Nuevas Tecnologías

 

LA ENERGÍA EÓLICA

La energía eolica es la energía cuyo origen proviene del movimiento de masa de aire es decir del viento.

En la tierra el movimiento de las masas de aire se deben principalmente a la diferencia de presiones existentes en distintos lugares de esta, moviéndose de alta a baja presión, este tipo de viento se llama viento geoestrofico.

Para la generación de energía eléctrica  apartir de la energía del viento a nosotros nos interesa mucho mas el origen de los vientos en zonas mas especificas del planeta, estos vientos son los llamados vientos locales, entre estos están las brisas marinas que son debida a la diferencia de temperatura entre el mar y la tierra , también están los llamados vientos de montaña que se producen por el calentamiento de las montañas y esto afecta en la densidad del aire y hace que el viento suba por la ladera de la montaña o baje por esta dependiendo si es de noche o de día.

Factores que influyen en la cantidad de potencia del viento

La energía eolica es aprovechada por nosotros básicamente por un sistema de un rotor que gira a medida que pasa viento por este.

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Energía eólica en Euskadi

Antonio Canova

 

Venecia 1772

 Me llamo Antonio Canova, y tengo mucho que contar…

Con apenas 10 años, tras la muerte de mi padre y el abandono de mi madre, fui críado y educado por mi abuelo. No pude realizar estudios artísticos por lo que mi abuelo decidió que aprendiera un oficio para ayudar en la casa. Empezé como carpintero, un amigo de mi abuelo me tuvo de aprendiz durante una pequeña temporada, pero mi abuelo decidió que lo ayudará en la cantera dónde él pasaba horas y horas… Creo que cada día al caer la noche, soñaba con picar y picar grandes bloques de piedra.

Allí empecé a esculpir, aún no se le podían llamar obras, porque a primera vista eran trozos de piedra insignificantes en los cuales el sentido únicamente lo encontraba yo y a veces ni eso.

Pero ya más avanzado en edad, siendo ya un mozo, me entregué a la escultura, pasaba noches y noches esculpiendo, y empecé a recibir mis primeros reconocimientos.Recuerdo con nostalgia a mi abuelo invitando a la gente del pueblo a ver mis primeras construcciones, se sentía orgulloso y feliz, como nunca lo había visto, y eso me hacía a mi más fuerte y con más ganas de seguir haciendo de mis obras su felicidad.

Un buen día un hombre de una buena posición social, llamado Blaz, senador Blaz, quedó fascinado con mis primeras creaciones y le propusó a mi abuelo pagarme los estudios para que me formara, mi abuelo sin pensarlo aceptó por lo que empecé mis primeras lesiones con mi mentor y maestro Coballa.

Las clases me fascinaban, estaba entusiasmado, mis ansias de aprender agotaban a mi maestro pero él siempre tenía algo nuevo que enseñarme.

Poco menos de 2 años durarán estas maravillosas clases, ya que mi apreciado mentor falleció.

Me derrumbé pensando que aún me quedaban muchas cosas por aprender de él, pero antes de caer al suelo, Blaz me confió la ejecución de dos grandes estatuas: Orfeo y Eurídice, lo que cambió completamente mi vida. 

Me pusé manos a la obra rápidamente, pero me asustaba el pensar que no pudiera estar a la altura, así que cogí libros de la escuela sobre mitología e intenté entender el sentido de esa historia tan profunda.

Por más vueltas que le daba y más horas que trabaja en los bocetos, había algo que me impedía seguir, un gran obstáculo que me hace frenarme en cada paso que daba:

¿Si nunca he sentido amor, nunca he pensado si quiera en lo que puede significar?

¿Cómo voy a realizar tal obra que refleje tan bella sensación?

 Andé buscando por el pueblo, muchachas hermosas que pudieran hacerme sentir lo que nunca había habitado en mi cuerpo, llegué a probar algunas de ellas y mi inspiración seguía sin llegar.

Frustado e impotente ante la situación, Blaz me sugió que descansará, que ayudará un tiempo en la iglesia mostrando mis conocimientos a jóvenes marginados del pueblo. Allí pasé un tiempo, los jóvenes disfrutaban con las historias que contaban, supongo que sería porque les ayudaba a no pensar en lo malo de esta vida, de sus vidas.

 Un mal día mi abuelo enfermó y quise estar a su lado, por lo que tuve que dejar las visitas a la iglesia.

Pasaban días y más días y mi abuelo no mejoraba, egoístamente quería tenerlo más tiempo a mi lado, mi gran apoyo se me iba y yo me sentía impotente ante la situación. Cada día que pasaba estaba más apagado hasta que llegó el momento y falleció.

 Pasado un tiempo, en un día en el que sentía triste y apenado recibí una carta de una niña de la iglesia.

Cuando comenzé a leer, quise dejarlo pues mi pena era alegría junto a la de ella.Había tenido una vida de humillaciones, de maltrato, no sabía lo que era un gesto de cariño…

Confusa decía que no sabía quién era, que no tenía planes de futuro porque no tenía deseos, metas, nada.

Recuerdo una frase que me entristeció profundamente: “No tengo nada y nunca he añorado tener algo porque para mi es algo impensable y no sé si quiera si tengo derecho a pensarlo, vivo cada día vacía y con la esperanza de sentir algo: amor,odio, rencor, compasión… Alguna sensación que me haga sentir que aún estoy viva.

Sólo con las historias que relatas me haces sentir mas cerca de este mundo, más humana, más persona…

Pensé mucho sobre todo lo que dijo, y pude apreciar todo lo que tenía.

Me sentía preparado para realizar la obra, y empecé a elaborar bocetos.

Inspiré mi obra es su desdicha, ella se sentía muerta, la única persona que me había despertado algo en mi interior, así que comenzé a pulirla.

No hay detalle de dolor que no se reflejará en su rostro y su cuerpo, use los métodos que me enseño mi maestro para así potenciar la fuerza de tal sentimiento: movimiento, fuerza, sentimiento…

Un día en el que trabajá los últimos detalles de la obra femenina, apareció un hombre que me vino a traes nuevas noticias, me mandaban al acabar la obra a Roma a seguir aprendiendo de diferentes escultores, créeme que mi sensación fue extraña, iba a dejar a mi Eurídice desgarrada, en la oscuridad, apresada por el dolor, por la muerte en vida…

Pasé unos días pensativos sin ganas de acabar porque sabía que el final era la separación de ella, esa niña que sin ni siquiera tocarme había despertado en mi algo profundo y bello.

Pero continué pensé en como se sentiría orfeo, con la muerte de su amada, y caí en la conclusión que era lo más parecido a lo que yo sentía en ese momento.

Quería sujetarla de la mano, hacer lo imposible porque saliera de esa inmesa soledad y oscuridad que la asustaba, quería girar la cabeza para que viera que seguía allí, que yo le podía hacer ver la luz…

 

 

Pero no obstante, un sueño me esperaba, acabé mi obra y marché a conocer, Roma era mi destino.

Una vez instalado en Roma, corría el año 1778, el cual fue un año de gran trabajo, todo mi vida estaba dedicaba a mi trabajo. Realicé algunas obras con las que me gané un poco más de respeto en esta ciudad tan culturamente avanzada.

Algunas de estas obras son: Dédalo e Ícaro, Apolo coronándose a él mismo, Teseo vencedor del minotauro, La Meliceci del Moiete.

 

 

 

 

No obstante continué trabajando, fue un año importante para esta ciudad y para mí por supuesto, el príncipe Rezzónico y sus dos hermanos, ambos cardenales, me encargaron un monumento funerario dedicado al Papa Clemente XIII, destinado a la Basílica de San Pedro.

Era una obra importante para mi futuro como escultor, con ella me situaba cerca de grandes de la escultura de este país.

Trabajé 4 años sin descanso, hicé un trabajó duro, cuidaba todo pequeño detalle: el relieve de los encajes de la vestimenta, la artesanía… Todo tenía que quedar perfecto.

Me impliqué tanto en mi trabajo que ligeramente olvidé a mi Eurídice, a esa persona que había despertado tantos sentimientos en mí.

 Años después, inaguraron la obra, fue un día de triunfo para mí. Todo el mundo me alababa, comentaban la obra, muchos puntos de vistas, pero la esencia permanecía en la mente de todos, mi obra llegó, la sintieron como yo, y me sentía la persona más afortunada del mundo.

Entre conversaciones escuché que mi obra parecía viva, la mirada de aquella figura seguía encendida…

 Resulta extraño tener que recordarle a todas esas personas que sólo es un simple recuerdo, una réplica de una persona importante en nuestras vidas que existió, pero si con ella revivieron cosas pasadas de gran agrado, más me enorgullezco de mi mismo…

 

Tras el éxito de esta gran obra, me sentía cansado, agotado física y psicológicamente, así que decidí tomarme un tiempo de descanso, y volver a Venecia dónde nadie me esperaba, pero era mi ciudad, mi tierra, mi Venecia…

Descanse todo lo que pude, pero no podía permanecer encerrado en casa, así que como una persona anónima en la ciudad diambulaba todos los días sin destino, nadie recordaba a Antonio Canova y no los culpo, puesto que yo tampoco recordaba a nadie que cruzaba por la calle.

Mi tierra me hacía sentir bien, tenía una unión muy importante con esas calles, con sus esquinas, su río, con ese olor que aunque no es de agrado para los demás a mi me fascinaba…

Una noche sentado en un banco, mirando la luna, la cual era mi compañera nocturna… Sentí una brisa en mi nuca, giré la cabeza y allí estaba ella, mi Eurídice…

Acercándome iba pensándo que decirle pero cuando apenas estaba a tres metros de ella, una niña de apenas cuatro años se le tiró en los brazos, por lo que agaché la cabeza y me fui.

Esa noche estuve pensando, la vida pasaba y todo cambiaba, solo quedaba el recuerdo, y para mí eso no era suficiente, pero ¿Qué iba hacer?, ella había formado una familia y seguramente me habría olvidado y era feliz.

Faltaban pocos días para mi marcha a Roma, y me decidí a hablar con ella, saber que era de su vida… Me quedaba la esperanza de que esta vez ella fuera la que cojiera de mi mano, y por supuesto que fuese más valiente que yo y la agarrara con fuerza y no me dejara ir…

Pero mis ilusiones desaparecieron cuando ella me trato con indiferencia, decía que no recordaba quién era, que quizás yo estaba confuso… Iba a dar media vuelta y olvidar cuando una mirada me hizo sentir que mentía, que no decía la verdad, que no me había olvidado.

Entonces me lancé y le di un beso, ella se quedó perpleja mirandome y tembló pero me abrazo tan fuerte que me di cuenta que en ese momento, en ese lugar, se había iniciado algo, algo que marcaría un antes y un después en mi vida.

Regresé a Roma a los pocos días, pero esta vez no diambulaba solo y sin destino… Patricia, que era su nombre, guiaba mi camino.

Pasamos unos días inmejorables en esta ciudad que ya sentía como parte mía también, ya que había pasado muchos años de dedicación de mi trabajo allí.

Patricia se enamoró de Roma, fue un flechazo a primera vista, se sentía feliz y contenta, le había devuelto esa sonrisa que tan oculta llevaba y preciosa por cierto, aunque he de reconocer que yo también me sentía responsable de esa sonrisa de ella, no todo el mérito lo tenía la ciudad en sí, quiero creer.

Tras un período de descansó y aprobechando esta etapa romántica por la que estaba pasando, me puse manos a las obras con otra escultura, “Psique reanimada por un beso de amor”.

Creo que si me dieran a elegir algunas de mis obras, me quedaría con ella, no me preguntes el por qué, pero significa tanto, tiene tanta historia detrás, tantos momentos, tanto amor… que con sólo verla unas segundos, se me nubla el sentido y viajo en el tiempo devolviéndome la sonrisa…

Cuando la obra fue inagurada miles de personas, visualizaban historias de amor ocultas en esos protagonistas, era puro sentimiento en un trozo de mármol, de material frío pero intensamente profundo.

Me quedé alucinado como un muchacho jóven al ver la obra, lloraba y no le quitaba la mirada de encima, quedé con la curiosidad de preguntar, pero era algo íntimo que solo él podía comprender lo que sentía al verla, aunque el realizador de dicha obra era yo.

 Mi vida iba viento en popa, en todos los aspectos, aunque poco duró esa plenitud y felicidad que me abordaba.

 Pocos años después, en el año 1798, Patricia enfermó de repente, ella luchaba por quedarse conmigo en esta vida pero existía alguna fuerza mayor que quería apartarla de mi vida para siempre.

Y fue así, tras unos meses de lucha, falleció, llevándose con ella mi alma, todo lo que yo era se fue tras ella y no volvió.

Sacándo fuerzas de flaqueza, empezé a esculpí otra obra, dedicada a la difunta María Cristina de Austria, un encargo de su marido Alberto de Sanjonia-Teschen.

El objetivo principal de esta obra era hacer un homenaje a esta gran mujer y a las muchas virtudes que poseía, cosa que no me resultó nada díficil, ya que con esta obra hacía mención a mi difunto amor.

Me dolió mucho realizarla, fue tanto el dolor, que me llevó siete años acabarla, porque cada golpe que daba representaba un momento vivido con ella, y me costaba alguna que otra lágrima.

Una procesión sale de la parte izquierda por una escalera, todos los personajes estaban marcados pr una expresión triste y la cabeza hacia abajo: la personificación de la «Virtud» sostiene la urna de las cenizas tras dos niñas, la «Caridad» acompaña bajo su brazo a un anciano ciego, que se sostiene con un palo. La procesión es seguida por toda la estela de una alfombra drapeada, que acompaña hasta la oscuridad del vacío interno, símbolo del mundo de los muertos, para subrayar la continuidad entre la vida y la muerte.

A la derecha, dos figuras durmientes, un león, símbolo de la «Fortaleza», otra virtud de María Cristina, y, apoyado en su espalda, un genio alado con suaves curvas. Representa a υπνος (que en griego significa “sueño”). En la mitología griega, υπνος es hermano de θανατος (que en griego significa “muerte”). Esto indica que la muerte es vista como un sueño eterno.

 Así quise expresarlo, un sueño eterno, al que algún día me uniría, mantuve la esperanza de que así fuera.

Tras la realización de esta obra, seguí trabajando ya que era lo único que me hacia sentirme vivo.

Realicé muchas obras en poco tiempo, recuerdo si no me equivoca que por orden de realización fueron las siguientes:

• Estatua de Esculapio.

• Perseo con la cabeza de Medusa.

• Monumento fúnebre de Vittorio Alfieri.

• Busto de Napoleón Bonaparte.

• Napoleón como Marte Pacificador o Napoleón divinizado.

•  Paulina Bonaparte.

Mi carrera iba viento en popa, como podeís comprobar, no me faltaba trabajo, ¿Y que es el éxito, el trabajo y la fama? Si no se siente y no se puede disfrutar con alguien querido.

Estaba solo en este mundo, y el vacio tan profundo que sentía por dentro era irremplazable, pero yo era fuerte y jóven y tenía mucha vida por delante, y tenía que llevarla como buenamente pudiera.

 Y tan fuerte me llegué a sentir que me identifiqué con el mismísimo Hércules, pero el sentimiento de rabia y de dolor me acompañaba diariamente.

Para expresar todo esto que me reconcomía por dentro, realicé la obra de Hércules y Licas, tan fuerte y tan lleno de ira como yo.

La obra tuvo más éxito del esperado como también infinidad de críticas.

Muchas personas opinaban que un héroe como Hércules como podía arrojar a un niño a las olas del mar. Pero, ¿Era ese momento yo, Hércules o Licas, aferrándose a la vida obligado a abandonarla por un ser más fuerte?

Ellos lo sentían así aunque el significado de esta obra es muy diferente por supuesto, y quién realmente la sintió, la entendió, lloró al verla y se le erizaró la piel como a mí al realizarla, de aquí el gran éxito y todas las felicitaciones que recibí al respecto.

Con todo el éxito que tenía, me salían amigos/as de debajo de las piedras y muchas mujeres intentaban con ansias meterse en mi cama.

Alguna noche no voy a mentir la pasé acompañado porque la tentación era muy grande, además no tenía nada mejor que hacer y mi tiempo ya no era oro porque mi vida para mí valía muy poco…

Me dejé llevar por los bajos placeres durante todo un año, amanecía con mujeres hermosas y en ocasiones con más de dos, tenía todo lo que un hombre podía desear, SEXO FAMA Y DINERO, pero aún así yo me sentía desubicado, desorientado, perdido…

Comenzé a esculpir una obra, dedicada a la belleza de las mujeres que se metían bajo mis sábanas, Las Tres Gracias.

Tres mujeres hermosas, divinas y merecedoras de un homenaje. Realmente esas tres mujeres recopilaban valores únicos e inmejorables del ser humano, y así lo vió y sintió los espectadores.

Las tres diosas se mostraban desnudas, acurrucadas juntas en un abrazo, sus cabezas casi tocándose en lo que muchos han calificado como una obra de ‘carga erótica’. Están de pie, inclinadas hacia dentro – quizás discutiendo un problema común, o simplemente disfrutando estando juntas. Sus estilos de cabello son similares, con el cabello trenzado y sostenido en la parte superior de sus cabezas en un nudo.

Quizás el punto más fuerte de esta obra es la unión que ejercen todas ellas en ese inmeso abrazo, dónde parece que no hay cavidad para nadie más, que juntas son felices y completas.

Siguiendo con la temática de las féminas, empecé a esculpir a una obra llamada Hebe, una diosa que representaba la juventud, algo que ya en mí escaseaba, porque me iba haciendo mayor día a día y eso era algo irreversible.

Tras la finalización de esta obra, tomé un descanso, lo necesitaba realmente, y volví a Venecia a mi tierra, a descansar y recodar cosas hermosas que me hacían sentir vivo.

Estando allí, pensé mucho en todos las personas importantes en mi vida y con las que pronto me uniría.

Para cerrar mi carrera, realizé mi última obra Venus y Adonis la cuál no me gusta recordar, porque no me quedé satisfecho con el trabajo que realicé, me faltaban ya las fuerzas pero las ganas no se me apagaron nunca…

Día de Andalucía

poemas andalucia

Evaluación personal de la asignatura

 

Para comenzar quiero decir que me da mucha pena terminar las clases de educación  artística ya que además de aprender mucho de manera teoría también he supero algunos retos en las clases prácticas que pensé que nunca tendrían éxito.

He trabajado mucho, en las dos partes de la asignatura; pero no se me ha hecho muy cansino porque me gustaba lo que hacía, aunque en algunas ocasiones me he agobiado porque pensaba que nunca me iba a salir lo propuesto por el profesor o que no tenía capacidad para realizarlo, sobre todo en la parte práctica puesto que nunca se me dió bien el dibujo, las manualidades… Pero el esfuerzo de repetir y repetir hasta conseguirlo ha tenido su recompensa, estoy muy contenta y super conforme con la nota y los resultados de mis trabajos, y tengo la tranquilidad que lo he hecho todo lo mejor que he podido.

En cuanto a la parte práctica, las clases teorías han sido muy gratificantes, he faltado a clases lo menos posible, y me han servido además de para tener más información, para aprender nuevos conocimientos… Para lo más importante el blog: Que no sólo ha supuesto para mi un trabajo más, sino que ha servido para conocerme más a mi misma, para aprender a valorar y valorarme a mi misma, y sobre todo para pensar y reflexionar y sacar lo más interesante de mí, cosa que en la actualidad en los institutos y en la universidad en otras asignaturas, no te dan la opción o no les importan tu opinión y tu manera de ver las cosas, sólo quieren que los alumnos memoricen y aprobemos asignatura, dejando a un lado si han sido comprendidas o no.

La creatividad, la imaginación y todo de una forma individual y personal han jugado la parte más importante en esta asignatura y para mí ha sido además de super beneficiable, algo nuevo que pocas veces he trabajado puesto que no lo exigen y no lo suelen valorar.

No quiero poner puntos negativos, no para quedar bien ni mucho menos, porque las notas practicamente están decididas sino que desde mi punto de vista nada ha sido negativo.

Y para terminar, decir que sin la ayuda y la forma de trabajo de nuestro profesor nada habría sido posible. Gracias

 

***LOS 40 PRINCIPALES***

Los 40 principales

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Tema 8: La evaluación

 

Para iniciar el tema 8, esta trama conceptual, que introduciré el tema con conceptos básicos.

trama tema 8

 

Desarrollo del tema

  

 

 

 

 

Tema 8: La evaluación en Educación artística.

 

¿Por qué hay que evaluar?

 

Nuestro Sistema Educativo basa su eficacia, entre otros aspectos, en la evaluación.

            La evaluación lejos de entenderse como una medición de los productos  y realizaciones escolares, propia de otras épocas, constituye hoy uno de los pilares del mismo Sistema.

            Una de las novedades del concepto de evaluación son los ámbitos donde obligatoriamente se debe realizar. Junto a la evaluación ya tradicional de los aprendizajes escolares, aparece hoy con fuerza y obligación legal la evaluación de la enseñanza.

            En este artículo tratamos de fundamentar teóricamente la evaluación y exponer los dos ámbitos citados donde se realiza, detallando qué, cómo y cuándo se evalúa.

            Terminamos con las funciones atribuidas a la evaluación y las técnicas e instrumentos que se pueden utilizar.

            Resulta fundamental que el lector interiorice que la evaluación es un acto obligatorio del docente. Acto de gran repercusión social por las consecuencias que tiene para el alumno;  y sobre todo que no es sinónimo de calificar como el hábito o la costumbre nos ha hecho creer.

            La evaluación es una reflexión, un control de calidad sobre lo que se hace, un análisis… y luego una toma de decisiones. Una de ellas, en el caso del aprendizaje, es calificar al alumno pero no la única y a veces ni la más importante.

 

La evaluación no es sólo medir el rendimiento de los alumnos.

 Sirve para mejorar (adaptando y cambiando)

• Los procesos de enseñanza-aprendizaje
• La programación
• El aprendizaje de los alumnos

 

 

¿Para qué evaluamos a los alumnos en Primaria?

 

 

Informar al alumno, orientar y aprender cómo debe él mismo autoevaluarse.

 

Evaluar no es una acción esporádica o circunstancial de los profesores y de la institución escolar, sino algo que está muy presente en la práctica educativa.

            Definir evaluación puede llegar a ser tan complejo como delimitar el número de autores, corrientes y teorías que lo han hecho.

            A modo de ejemplo y dentro de una extensísima producción bibliográfica sobre el tema:

 

• “Comparar lo deseado con lo realizado” (Alfaro, 1990. Pg. 70)

 

• “Estimar cuantitativamente y cualitativamente el valor, la importancia o la incidencia de determinados objetos, personas o hechos” (Forns, 1980. Pg 108)

 

• “Medio que permite observar y describir con mayor precisión los aspectos cuantitativos y cualitativos de la estructura, el proceso y el producto de la educación. Su finalidad es facilitar una predicción y un control lo más exacto posible del proceso educativo” (De la Orden, en Lafourcade 1977 Pg. 16).

 

 

• “Etapa del Proceso educacional que tiene por fin comprobar de modo sistemático en qué medida se han logrado los resultados previstos en los objetivos que se hubieran especificado con antelación” (Lafourcade, 1977).

 

 

• “Actividad valorativa e investigadora, que facilita el cambio educativo y el desarrollo profesional de los docentes… Su finalidad es adecuar o reajustar permanentemente el sistema escolar a las demandas sociales y educativas. Su ámbito de aplicación abarca no sólo a los alumnos, sino también a los profesores y los centros educativos…” (Nieto, 1994. Pg. 13).

 

           

• “Interpretación mediante pruebas, medidas y criterios, de los resultados alcanzados por alumnos, profesor y proceso de enseñanza-aprendizaje en la ejecución pormenorizada de la programación” (G.Halcones, 1999. Pag. 11).

 

Podemos, utilizando un concepto híbrido, definir evaluación como:

 

            “Proceso por medio del cual los profesores buscan y usa información procedente de diversas fuentes para llegar a un juicio de valor sobre el alumno o sistema de enseñanza en general o sobre alguna faceta particular del mismo”.

 

            En este concepto es importante los términos: información, fuentes, juicio de valor, alumno o sistema de enseñanza.

 

 

¿Cuándo hay que evaluar?

 

 

Existen tres fases de evaluación: Inicial, formativa y sumativa.

 

 

Evaluación Inicial: Se realiza al comienzo del curso para situar tanto el punto de partida del grupo-clase (recursos materiales, situación de los alumnos, condiciones del aula, etc.), como la del equipo docente (composición, estabilidad, etc) así como de los recursos humanos y materiales de que dispone el centro.

 

            El registro de datos para evaluar el desarrollo del proceso tiene momentos importantes como pueden ser el final de cada unidad didáctica, curso o ciclo.

 

La evaluación inicial permite adecuar las intenciones a los conocimientos previos y necesidades de los alumnos. Decidir qué tipo de ayuda es la más adecuada cuando se accede a un nuevo aprendizaje, requiere conocer cómo se ha resuelto la fase anterior, cuáles son los esquemas de conocimiento del alumno, su actitud, interés, nivel de competencia curricular…

 

Una buena evaluación inicial ayuda a evitar que las creencias erróneas frustren el proceso educativo o lo hagan irrelevante, y ayuda a adaptarnos a la realidad del aula.

 

 

La evaluación Formativa: La evaluación formativa no sirve para controlar o sancionar a los alumnos, sino para ayudarles en su aprendizaje.

 

Se habla de evaluación formativa, cuando se desea averiguar si los objetivos de la enseñanza están siendo alcanzados o no, y lo que es preciso hacer para mejorar el desempeño de los educandos.

A. Propósito: tomar decisiones respecto a las alternativas de acción y dirección

que se van presentando conforme se avanza en el proceso de enseñanza aprendizaje.

B. Función:

1. Dosificar y regular adecuadamente el ritmo del aprendizaje.

2. Retroalimentar el aprendizaje con información desprendida de los exámenes.

3.Enfatizar la importancia de los contenidos más valiosos.

4.Dirigir el aprendizaje sobre las vías de procedimientos que demuestran mayor eficacia.

5. Informar a cada estudiante acerca de su particular nivel de logro.

6. Determinar la naturaleza y modalidades de los subsiguientes pasos.

C. Momentos: Durante el hecho educativo, en cualquiera de los puntos críticos del proceso, al terminar una unidad didáctica, al emplear distintos procedimientos de enseñanza, al concluir el tratamiento de un contenido, etc.

D. Instrumentos Preferibles: pruebas informales, exámenes prácticos, observaciones y registros del desempeño, interrogatorio, etc.

E. Manejo de Resultados: de acuerdo a las características del rendimiento constatado, a fin de seleccionar alternativas de acción inmediata.

Esta información es valiosa tanto para el profesor como para el alumno, quien debe conocer no sólo la calificación de sus resultados, sino también el por qué de ésta, sus aciertos (motivación y afirmación) y sus errores (corrección y repaso).

 

 

La evaluación Sumativa. “Se plantea como el proceso de síntesis de un tema, un curso o un nivel educativo, siendo el “momento” que permite reconocer si los estudiantes han logrado los resultados esperados” (HERNÁNDEZ, 2000: 159).

 

 

Se habla de evaluación sumativa para designar la forma mediante la cual se mide y juzga el aprendizaje con el fin de certificarlo, asignar calificaciones, determinar promociones, etc.

A. Propósito: tomar las decisiones pertinentes para asignar una calificación totalizadora a cada alumno que refleje la proporción de objetivos logrados en el curso, semestre o unidad didáctica correspondiente.

B. Función: explorar en forma equivalente el aprendizaje de los contenidos incluidos, logrando en los resultados en forma individual el logro alcanzado.

C. Momento: al finalizar el hecho educativo (curso completo o partes o bloques de conocimientos previamente determinados).

D. Instrumentos preferibles: pruebas objetivas que incluyan muestras proporcionales de todos los objetivos incorporados a la situación educativa que va a calificarse.

E. Manejo de resultados: conversión de puntuaciones en calificaciones que describen el nivel de logro, en relación con el total de objetivos pretendido con el hecho educativo. El conocimiento de esta información es importante para las actividades administrativas y los alumnos, pero no se requiere. una descripción detallada del por qué de tales calificaciones, ya que sus consecuencias prácticas están bien definidas y no hay corrección inmediata dependiendo de la comprensión que se tenga sobre una determinada circunstancia.

(ALFARO, M.E. (1990): “Aspectos prácticos del proceso de programación y evaluación”.Documentación Social. Nº 81. Madrid.)

 

Importante:

• Aprender no suele ser igual a repetir
• Hacer un examen no suele ser sólo comprobar la memoria imitativa.

 

Cuatro grandes concepciones sobre evaluación están cambiando.

Hay que ser capaz de transferir  el conocimiento a situaciones nuevas, para esto hay que problematizar las imágenes y lo visual y estudiarlo en su complejidad.

Un alumno debe estar en constante interrogativo sobre todo lo que le rodea, y sucede en el mundo.

Como también es necesario plantearse problemas, y en consecuencia buscar todo tipo de métodos para poder resolverlos.

Un papel importante es el que desempeña los procesos y la evolución del aprendizaje, lo importante no debe ser la calificación obtenido por un alumno al fin del trayecto sino medir cuento a aprendido y que nuevos conocimientos ha adquirido. De los principios del cognoscitivismo se han generado propuestas técnicas que proponen que el estudiante. “aprenda a aprender”, o aprenda a pensar primero para que luego adquiera autonomía, no solo en sus estudios, sino en su vida.

 

Y no menos importante El saber se transforma en conocimiento, saber comprender y dotar de sentido a la información “en bruto” que recibimos.

 

¿QUÉ EVALUAMOS?

 

 

Para una evaluación justa de un alumno debemos ser conscientes de lo importante que es para un niño el simple hecho de no haber aprobado. Por supuesto que tenemos que ser crítico y consecuentes en su calificación, debe tener el cuenta sobre todo su proceso, el esfuerzo que ha realizado, interés…

Desgraciadamente, en muchas ocasiones por no decir todas, solo se tiene en cuenta el resultado final de un alumno, realizado mediante un examen, test o algún tipo de prueba. No obstante, pienso que no se debería evaluar al niño en un momento puntual como es un examen, por supuesto creo que este tipo de pruebas reflejan los conocimientos que han adquirido, pero no debe ser lo único, puesto que hay otras maneras más exactas o correctas de evaluar a un alumno.

En mi opinión yo haría una evaluación diaria, estudiaría cada caso detalladamente pero siendo neutra a la hora del nombre del alumno, es decir, evaluaría conocimientos y progreso no personas.

La misión de la evaluación es informar, y sobre todo ayudar
al alumno a mejorar.

 

Lo importante es el alumno, y podemos y debemos ayudarlo indicándole donde se hay su error, y como poder solucionar el problema, con paciencia y devoción.

Debemos tener en cuenta que el papel más importante en el aprendizaje de un alumno es la función del profesor. Tenemos una gran responsabilidad puesto que la educación de muchos alumnos estará en nuestras manos.

                 

- Es necesario fundamentar nuestros criterios de evaluación:

Para poder utilizar unos criterios de evaluación correctos debemos pensar qué y para qué queremos enseñar. Como también tenemos que tener en cuenta las competencias y los objetivos que deseamos alcanzar.

Si no concretamos nuestros criterios de evaluación y decidimos para qué estamos evaluando, es imposible evaluar un trabajo o un examen…

Los criterios de evaluación del alumno tienen que ser acordes con la edad, nivel educativo…

Nunca debemos proponer unos objetivos fácilmente alcanzables porque lo fácil suele aburrir y los alumnos no tendrán que esforzarse por lo cual no avanzarán y no obtendrán nuevos conocimientos. Ni viceversa, tampoco se debe plantear objetivos inalcanzables puesto que los niños pueden sentirse frustrados y no capaces de llevarlos a cabo.

 

-La calidad estética al evaluar:

Al evaluar al alumno, no debemos caer en el error de calificarlos por lo que nos gusta personalmente o no, es una gran injusticia suspender o decir que es erróneo el trabajo de un alumno porque no coincida con nuestras opiniones, ideas, gustos…

Sólo es posible valorar con cierta objetividad algunos aspectos plásticos/estéticos de una obra: limpieza de trazo, uso del formato, manejo de la técnica…

La valoración de la calidad estética o plástica de una obra no es algo enteramente objetivo, sino que depende de un acuerdo social.

Como ya hemos comentado en otros temas, la decisión de los que es estético, bonito, arte, importante…Es un acuerdo social, hay obras de autores poco conocidos que pueden llegar a ser tan buenas como las de famosos, pero han sido arrojadas al olvido o nunca se le han dado el reconocimiento que deberían puesto que esa decisión la toman personas con gran poder o influencia en esta sociedad.

Es importante que los alumnos conozcan cómo se juzgan las obras de los adultos, y también qué argumentos o qué razones pueden tener en cuenta a la hora de evaluar/juzgar sus propias obras.

¿Qué evaluamos?:

Datos, hechos, conceptos, procedimientos, procesos, actitudes…Y algo que debemos valorar mucho es la CREATIVIDAD.

La Creatividad en Educación Primaria

 

 

La creatividad es una respuesta natural del niño a su entorno, una manera de interactuar con el mundo que le rodea. Cuando se le impide desarrollar su creatividad, también se le impide desarrollar su autoestima.

Como la creatividad necesita una forma de expresión, todo lo que los padres o educadores hagan para impedirla afecta al sentido básico que tiene el niño de su propia personalidad. El niño duda de su valía y lugar en el mundo y empieza a limitar sus formas de expresión para evitar la crítica, el castigo y los sentimientos de culpa que origina el rechazo de su propio yo.

LAS VENTAJAS DE LA CREATIVIDAD.

Por el contrario, cuando los padres y educadores apoyan la expresión de la propia personalidad mediante el fomento de la creatividad confirman la valía personal del niño.

La creatividad construye la autoestima

Este proceso de confirmación es el mensaje más importante que reciben los niños sobre el valor de su naturaleza básica. Los padres no dicen generalmente a sus hijos cosas como “tu naturaleza básica es muy valiosa e importante”. En lugar de ello, les proporcionan recursos creativos, aplauden las formas de expresión del niño, confirman su derecho a jugar y estimulan su individualidad -de manera equilibrada, por supuesto, porque también deben adaptarse a las normas de la familia y de la sociedad-. En otras palabras, la forma que los adultos tienen de confirmar la importancia de la naturaleza básica del niño es respaldando su tendencia a actuar de manera creativa.

La creatividad aumenta la conciencia de uno mismo

Sentirse libre para expresarse, característica que estimula y es estimulada por el proceso creativo, es un requisito previo para el éxito en distintos campos. Los niños no establecen distinciones entre ellos mismos y sus emociones. Es como si lo que sienten fuera lo que son. La tendencia natural de los niños es a manifestar sus sentimientos directamente, sin censurarlos ni clasificarlos, especialmente si creen que no van a ser criticados o castigados. En un clima de seguridad, los niños pueden expresar sus sentimientos y ser ellos mismos.

La creatividad y la comunicación van de la mano

Existen algunas ventajas si se expresan los sentimientos directamente en la infancia. La principal es que los adultos que están educando al niño obtienen información que les ayudará a resolver sus necesidades.

Los niños a los que se les niega la posibilidad de expresarse aprenden a no decir a los adultos si se sienten mal -confusos, neviosos, frustrados o enfadados-. Estos niños tienden a manifestar los sentimientos de forma directa e inadecuada, por ejemplo, robando, estropeando o rompiendo objetos. Expresar los sentimientos no significa ser violento. Decir que uno está enfadado es diferente a pegarse con alguien.

Los niños a los que se enseña a suprimir ciertos sentimientos acaban generalmente restringiendo sus emociones. No solamente tienen problemas para controlar los así llamados sentimientos negativos, sino que también se vuelven insensibles a los positivos, como la alegría y el júbilo.

La capacidad para comunicarse conduce al éxito

Permitir a los niños que expresen todo tipo de emociones es parte de la estrategia para fomentar la creatividad. Los niños capaces de expresar una amplia gama de sentimientos gozan de una clara ventaja en las relaciones sociales. Son más conscientes de los sentimientos de los demás y también más receptivos. Piden lo que necesitan, declaran sus preferencias y son flexibles a la hora de enfrentarse a una gran variedad de relaciones sociales. Estas cualidades les proporcionan ventajas en el colegio, lo cual incrementa también sus posibilidades de éxito.

Estimulando activamente la creatividad de los niños se les está suministrando automáticamente muchas maneras de expresar sus emociones. Encontrarán formas más aceptables de expresar sus sentimientos negativos que, por ejemplo, golpeando a otro niño con los puños. Yo siempre me quedaba sorprendido cuando mis hijos eran pequeños de lo mucho que disfrutaban con el siguiente ejercicio: cuando estaban enfadados con alguien, su madre les sugería que dibujasen el retrato de esa persona en una hoja de papel y que escribieran su nombre. Después, en medio de un griterío ensordecedor, echaban ceremoniosamente el papel en la taza del cuarto de baño y tiraban de la cadena. ¡SIEMPRE FUNCIONABA!

Saber expresar los sentimientos de forma adecuada es un requisisto fundamental en esta vida. Se halla en la base de la flexibilidad y la adaptabilidad. Los niños que aprenden a expresar sus sentimientos de muchas maneras podrán tratar perfectamente en el futuro con distintos tipos de personas y en distintos ambientes, ya que confían en sí mismos para controlar sus emociones.

En el mundo tan cambiante en el que vivirán nuestros hijos, esta capacidad es muy importante, ya que no está claro qué conocimientos técnicos les resultarán más útiles. La escuela insiste fundamentalmente en la capacidad intelectual, y sigue siendo sobre todo en el hogar donde los niños aprenden a “sentir emociones”. Fomentar la creatividad es el camino más directo para ayudar a los niños a dominar ambos campos.

La integridad: un importante efecto secundario

Una de las característicias que se repiten en la vida de los creadores artísticos es su necesidad de mantener la integridad personal en su vida y en su trabajo. Lo consiguen buscando la manera de ser ellos mismos y de manifestar sus mayores conquistas en su trabajo. Las personas creativas se sienten realizadas e integradas cuando hacen algo para lo que poseen un talento especial.

Es difícil enseñar integridad a los niños. Como los niños aprenden imitando a los adultos, ayuda el hecho de demostrar un alto nivel de integridad personal. Pero la integridad es una abstraccion moral, y a los niños les resulta una cuestión ajena. Quieren sobre todo sentirse cómodos y satisfechos, seguros y deseados.

El proceso creativo construye un sentido de la integridad personal en los niños conforme desarrollan talentos y habilidades. Animar a los niños a expresarse de forma creativa significa darles libertad para tomar decisiones. Como resultado pueden ocurrir varias cosas:

.-El niño toma decisiones adecuadas y se gana la aprobación general.

.-Toma decisiones equivocadas y experimenta la crítica.

.-Toma decisiones ineficaces y se siente impotente.

.-Evita tomar decisiones arriesgadas que puedan conllevar un fracaso.

Tres de las posibles opciones, como se puede comprobar, podrían originar fácilmente algún tipo de confrontación entre padres e hijos. Pero si se comprende el proceso, se tiene paciencia y se reconoce la creciente capacidad del niño para tomar decisiones adecuadas después de una serie de errores, se habrán estimulado la creatividad y la integridad personales.

A través de la creatividad, los niños aprenden a valorarse a sí mismos. La autoestima es una condición necesaria para ejercitar la integridad personal. Integridad significa que las decisiones de una persona reflejan sus valores, creencias y emociones. La personalidad del niño se mantiene sólida a través de los cambios y las tensiones que pueden presentarse en su vida.

Muchos grandes escritores y artistas, como Tolstói, Hemingway, Picasso y O’Keeffe, eran personas de una integridad muy fuerte. Incluso si sus vidas se caracterizaron a menudo por grandes paradojas y polémicas, y se puede estar de acuerdo con algunos aspectos y otros no, ellos aportaron su particular concepción del mundo, estuvieran equivocados o no, gustaran o no a los demás.

Aunque la conexión no sea evidente, los niños capaces de crear libremente en su propia casa, trabajar en proyectos que ellos mismos han elegido y utilizar la fantasía, están construyendo al mismo tiempo, lenta pero decisivamente, un sentido de la integridad personal.

 

He querido introducir esta parte de un artículo (http://gonzalorobles.wordpress.com/2008/08/27/estimular-la-creatividad-de-los-ninos/), porque me ha parecido interesante y creo que explica de una forma muy clara los beneficios que tiene estimular al niño para que creen y construyan.

-Dos maneras de evaluar:

Evaluando instrumentos puntuales como serían exámenes, trabajos, pruebas, test, fichas…En el caso de educación artística son muy importantes las producciones artísticas de los alumnos.

 

Evaluando procesos como sería el cuaderno de un alumno, un blog, portafolios…

 

Para finalizar quiero puntualizar que los niños deben ser tratados como individuos que cometen errores, que no son perfectos, que los hay más hábiles o menos…pero todos tienen algo que ofrecer. Hay que tener paciencia y ayudarlos, que cada cual evalúe teniendo unos aspectos más y otros menos importantes, porque como hemos visto en este tema hay muchos métodos, pero siempre siendo justos y ayudando a que progresen.

 

Propuesta Didáctica

Mi propuesta didáctica en este tema, iré dirigida para niños del segundo ciclo de educación primaria,la actividad constará de un día,tratará de una “evaluación en grupo”.

Cada alumno realizada un test de examen que el profesor realizará, con temas cercanos al niño, algo sencillo.

Después repartiré los exámenes en desorden para que los alumnos evalúen a sus propios compañeros, pero no será tan fácil porque cada niño tendrá que justificar el por qué de la nota adjudicada a cada examen.

El objetivo de esta actividad es fortalecer los criterios de los niños en cuanto a la evaluación, que razonen, que aprendan de errores ajenos…

Creo que es una actividad no muy divertida pero útil y buena para los alumnos.

Tema 7: Modelos de Educación Artística.

  

Voy a comenzar el tema, con una trama conceptual que resume un poco la esencia del tema.

 

  trama tema 7

  

  

TEMA 7: MODELOS DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA.

 

 

Como introducción a este tema, decir que el concepto de la asignatura de educación artística hoy en día está muy equivocado, pensamos o yo por lo menos pensaba antes que era una asignatura con la función de relleno, la cual solo servía para despejarte y sin presión puesto que no la considera importante. Es muy parecido a lo que pasa en el instituto con educación física, quizás me equivoque porque únicamente estoy dando mi humilde opinión, este tipo de asignaturas las englobamos como asignaturas paquete, las cuales no las valoramos como deberíamos puesto que son igual de importantes y complementarias que las demás.

  

 

Voy a centrarme hablando de educación artística en primaria, no tenemos que confundir su función enfocando la asignatura como aquella que sirve para hacer manualidades, para entretener a los niños, o para simplemente hacerles el horario de clase más ameno.

La asignatura debe servir para que el niño aprenda a sentir, a ser él mismo y transmitir todo esto de diferentes formas, ya pueda ser un dibujo, un muñeco de trapo…

Hay que intentar que el niño desarrolle la creatividad, la personalidad, que deje los miedos del no puedo, que sean totalmente libres para hacer lo que quieran y como quieran, a su manera, sin un guión fijado por un profesor. El profesor por supuesto tiene que funcionar de orientador, pero sin influir en sus ideas, ofrecerle ayuda y hacerle más fácil hacer lo que ellos desean…

  

  

A continuación voy a introducir un tema que creo que es importante, la evolución del niño en el dibujo.

  La expresión plástica como todo lenguaje, supone un proceso creador. Para llegar a representar, comunicar creativamente a través de la imagen, las percepciones, las vivencias, es necesario conseguir un equilibrio entre lo que se vive y lo que se expresa, entre acción y lenguaje, y es necesario además, encontrar una “forma de decir” en este caso una forma práctica.

La expresión plástica, además de su valor como lenguaje expresivo, es el cauce para la expresión de contenidos mentales de índole estética y emocional y también para la expresión de contenidos cognitivos acerca de configuraciones visuales y espaciales, haciendo posible la materialización de las ideas junto con la formación y desarrollo de la propia motricidad, afectividad y cognición del niño.

Asimismo, la expresión plástica tiene un fuerte valor procedimental como recurso didáctico para la comprensión de los contenidos de otras áreas.

Con respecto a su valor actitudinal, la expresión plástica es el medio idóneo para propiciar actitudes como sentir percibiendo, ver interiorizando, comprendiendo, descubriendo,… gracias al placer derivado de los estímulos visuales, táctiles, de experimentación, etc.

Todo ello nos obliga a darle un peso específico a la expresión plástica dentro del proceso de enseñanza-aprendizaje en la etapa de la Educación Infantil.

  

  

FUNDAMENTACIÓN DE LA EDUCACIÓN PLÁSTICA 

Entre los argumentos que justifican la necesidad de la educación plástica y la expresión artística en la Educación Infantil, destacaremos:

  Su valor intrínseco, ya que el arte aparece, junto a las ciencias y la tecnología, como una de las facetas fundamentales del ser humano; por tanto, debe aparecer en la formación inicial del niño.

  Su adecuación al desarrollo madurativo. La psicología evolutiva pone de manifiesto que desde la adquisición del lenguaje oral hasta la culminación de las operaciones concretas, el período comprendido entre los 2 y los 6 años está dominado por la función simbólica, cuyas manifestaciones básicas son el dibujo, el juego y el lenguaje verbal. Las tres se hallan íntimamente relacionadas y son justamente la base sobre la que se desarrollará la experiencia artística.

  Forma de desarrollar la sensibilidad. La pedagogía cognitiva defiende que el conocimiento se origina y fundamenta en la percepción sensorial. La educación de la sensibilidad es la vía idónea para potenciar todas las operaciones mentales del sujeto. El desarrollo de la sensibilidad implica aumentar la capacidad de reconocimiento y discriminación de formas, colores, volúmenes,… y sus relaciones.

  Como desarrollo de la capacidad creativa. Para el fomento de la creatividad, la actividad artística tiene un papel destacado, ya que requiere ejercitar el impulso creador y no la reproducción mecánica de lo ya conocido.

  Como medio de autoexpresión. Las actividades plásticas son idóneas para dar rienda suelta a todo lo que el niño necesita manifestar.

  Medio para desarrollar la autoestima, ya que en la actividad plástica el niño se siente implicado completamente en la tarea que realiza por tanto, esta implicación debe ser potenciada y valorada positivamente para inducir al niño a confiar en sus propios recursos expresivos y hacerle comprender el interés que tienen sus trabajos cuando son verdaderamente personales.

  Como multiplicador de los recursos expresivos. Junto a los lenguajes verbal y matemático, el lenguaje gráfico, así como el musical y el corporal, constituyen instrumentos básicos de comunicación.

  Como medio de democratización de la cultura. Lo heterogéneo de los ambientes familiares y socioculturales que rodean al niño hacen que no todos lleguen a la escuela con el mismo bagaje cultural ni con la misma motivación hacia las experiencias artísticas. La Educación Infantil debe equilibrar desde el principio estas desigualdades con el fin de universalizar y democratizar el bagaje cultural.

  EVOLUCIÓN DE LA EXPRESIÓN PLÁSTICA EN LOS NIÑOS Y NIÑAS.

La evolución de la expresión plástica en los niños/as pasa por varias etapas:

  ETAPA DEL GARABATEO (2-4 años).

El primer registro permanente de la expresión gráfica, por lo general, toma la forma de garabato alrededor de los 18 meses. El garabato no tiene intención representativa. Son estructuras lineales que muestran las variaciones de tensión muscular que está atravesando el niño y que no requiere control visual. Esa etapa del garabateo atraviesa los siguientes pasos:

• Garabateo desordenado. No tiene ninguna finalidad representativa. Son trazos largos, sin sentido ni orden, desarrollados a partir de movimientos kinestésicos, puramente gestuales, como juego, que generalmente dan lugar a dos tipos de garabatos: longitudinales y circulares. Aún no tiene el niño control visual.
• Garabato controlado. Hacia los 6 meses de haber empezado a garabatear existe ya en el niño una coordinación viso-motora y goza practicándola. El niño no pretende dibujar nada concreto. Es capaz de copiar un círculo, pero no un cuadrado y se interesa por el uso de los colores.
• Garabato con nombre. Hacia los 3-4 años empieza a conectar los movimientos que ejercitaba con el mundo que le rodea, le da nombre a los garabatos que dibuja, aunque en realidad la representación es irreconocible como tal. Esto supone que el niño transforma el pensamiento kinestésico anterior en un pensamiento de imágenes.

En esta etapa aumenta el tiempo que les dedica a sus dibujos y es cuando más disfruta de los colores.

Sus garabatos empiezan a evolucionar rápidamente. En poco tiempo los círculos y líneas comienzan a combinarse formando unos burdos pero reconocibles esquemas de la figura humana.

Puede resultar perjudicial que los adultos interpreten los garabatos o impulsen al niño a que le dé nombre o encuentre explicación a lo que ha dibujado, puesto que el garabato tiene más que ver con el desarrollo físico, motriz y psicológico del niño que con una motivación puramente artística. El maestro debe inculcar confianza y entusiasmo en esta etapa y abstenerse de hacer interpretaciones o de intentar enseñar a dibujar o a copiar al niño. Es más importante la participación del adulto en la experiencia del garabato que en el dibujo en sí.

  

  ETAPA ESQUEMÁTICA (4-6 años).

La frontera entre el garabato y el esquematismo es la aparición de la intencionalidad, y empieza a elaborarse lo que se denomina vocabulario gráfico del niño, constituido por una serie de esquemas con valor representativo. Estos esquemas al principio son muy simples: líneas, círculos, curvas, etc. Se repite constantemente introduciendo pequeñas modificaciones que con frecuencia se incorporan al dibujo.

En esta etapa los trazos y garabatos se van haciendo controlados y se refieren a objetos visuales. El niño trata de establecer una relación entre el dibujo y lo que intenta representar:

• A los 4 años ejecuta formas reconocibles.
• A los 5 años pueden ser reconocibles personas.
• A los 6 años los dibujos se distinguen claramente.

Las características del esquematismo gráfico que están relacionadas con el sincretismo del pensamiento preoperacional son:

• Ejemplaridad, utiliza el mismo esquema para representar cosas distintas.
• Dificultad para coordinar los distintos subconjuntos del dibujo.
• Distintos puntos de vista coexistiendo.
• Transparencias: dibujos en rayos X.
• Desproporciones: aumenta el tamaño del dibujo que para él es más llamativo.

Entre los 5-6 años aparece la línea de tierra o línea base, sobre la que va a situar los elementos del dibujo. Cuando quiere representar cosas sucedidas en tiempos diferentes, las separa en escenas.

Con respecto a la evolución del dibujo de la figura humana, la primera representación que el niño hace es lo que se conoce por renacuajo. Esta representación consiste en un círculo por cabeza y dos líneas verticales que representan las piernas.

Con 5 años representan la figura humana con cabeza, ojos, nariz, boca, cuerpo, piernas, y las niñas además dibujan los brazos.

A los 6 años ya es capaz de lograr un dibujo bastante elaborado de la figura humana. En esta etapa existe poca relación entre el color elegido por el niño para pintar un objeto y el objeto representado.

Siguiendo a Piaget, una vez finalizada la etapa del garabato, el niño pasa por lo siguientes estadios:

• Imagen defectuosa: el niño no dibuja el objeto mismo, sino la representación que de él se ha hecho (renacuajo).
• Imagen intelectual: no dibuja el objeto como lo ve, sino que dibuja todo lo que sabe de él.

El dibujo esquemático termina hacia los 6-7 años, cuando supera el tipo de pensamiento preoperacional. Aparece entonces el realismo gráfico.

  ELEMENTOS BÁSICOS DEL LENGUAJE PLÁSTICO.

Los elementos plásticos de las composiciones que realizan los niños son: el color, la línea, la forma y el volumen.

  EL COLOR.

Durante la etapa del garabato el color carece de importancia para el niño. Aunque le gusta usar colores por ser atractivos, toda su actividad está centrada en su desarrollo motriz.

Los colores le atraen en cuanto a estímulos visuales. Los usa con gusto aunque indistintamente pues muchas veces los elige por el tamaño, la proximidad o simplemente porque los quiere su compañero.

En esta etapa el que el niño use muchos colores en sus trazos tiene gran importancia a nivel perceptivo por el ejercicio de discriminación visual que supone.

En la etapa esquemática comienza a despertarse el interés a través de la relación dibujo-objeto, aunque el niño no establezca ni desee establecer una relación rígida de color, puesto que lo usa casi siempre a nivel emocional, eligiendo en función de sus sentimientos, del impacto visual que le produce un determinado momento y a veces simplemente por azar. Esta es la etapa en que el sol puede ser azul, rojo o igual que todo lo demás.

En la etapa preesquemática además de ofrecer al niño una gama amplia de colores, debemos darle la oportunidad para que descubra las relaciones del color a través de la observación y la experimentación. No debemos criticar el uso subjetivo del color en sus trabajos recordando que uno de los objetivos de la expresión plástica es el desarrollo de la creatividad y libertad expresiva.

En muchas ocasiones tratamos de explicar la elección de los colores que hace un niño desde nuestro punto de vista de adulto. Sin embargo hay que tener mucha prudencia a la hora de juzgar el color porque todavía sabemos muy poco acerca de él y los valores simbólicos que le otorgamos son muy variables y pueden cambiar de una situación a otra.

Alrededor de los 5 años, trata de afianzar sus esquemas y comienza a distinguir los colores de las cosas como tales.

Como ese descubrimiento del color está basado en una vivencia emocional, elige para cada objeto el que ha visto al experimentarlo y ese será el color que utilice en adelante para contar esta emoción. Si cambia quiere decir que ha cambiado también su experiencia respecto a ese objeto.

Es importante enseñarle la diferencia entre pintar y rellenar. Conviene que tomen conciencia de que al rellenar están aprendiendo a controlar el movimiento, mientras que al pintar, la línea apenas importa. Se van construyendo con los colores en una forma similar a como se construye al modelar, están aprendiendo a expresarse, sentir, a vivir el color.

  LA LÍNEA.

La línea como lenguaje visual primario evoluciona en la representación gráfica de forma paralela al desarrollo cognitivo y motor del niño.

Para la adquisición de la coordinación motora y espacial se plantearán ejercicios que trabajen el músculo flexor y el pulgar para la destreza de aprehensión del elemento que sujeten. Las técnicas que utilicen y la progresión de las actividades permitirán un desarrollo paralelo a la libertad de expresión.

Entre los ejercicios dirigidos a la adquisición de destrezas motoras podemos distinguir los ejercicios direccionales y los lineales.

• Los ejercicios direccionales son del tipo reseguir formas (rectas, círculos, cuadrados, triángulos,…) punzando y dibujando, o llenado de superficie (pegado de bolas de papel de seda siguiendo una forma,…).
• Los ejercicios lineales se refieren a impresión de elementos que sólo marquen una línea o un contorno, observando así las formas reflejadas, con pintura de dedos, sobre arena o serrín, con ceras,…

El estudio de la línea nos lleva a verlo no sólo como una destreza manual, sino como un mecanismo importante para la expresividad de la obra. El trazo nos da idea de movimiento, fuerza, dramatismo, dolor, …

Por tanto el valor del trazo como forma de expresividad evoluciona paralelamente a la coordinación mental y motora. El reconocimiento por el niño de su gesto gráfico le lleva a investigar nuevas formas de expresión y a utilizar estereotipos.

Desde la primera etapa del garabateo, el niño utiliza la línea como primera forma de expresión. Dibuja líneas:

• Horizontales. Generalmente no se usan solas, sino formando parte de un rectángulo o cuadrado (a partir de los 2 años). Las más características son las llamadas “línea base” y “línea del cielo”.
• Verticales. Corresponden a los objetos que están en composición vertical. Marcan las divisiones en el papel del espacio en “derecha” e “izquierda”.
• Diagonales. Pueden crear un equilibrio de arriba-abajo y de derecha-izquierda. Se pueden utilizar solas o para crear diseños, formas tejados, velas, etc.
• Otras líneas: curvas, zig-zag, espirales,…

El estudio del trazo es interesante para conocer al niño:

• La fuerza de los brazos manifiestan la intensidad con que el niño oprime el lápiz. Cuando el trazo es fuerte, expresa audacia, violencia, intuición. El trazo flojo refleja timidez, suavidad, inhibición.
• La amplitud de las líneas indican extraversión, expansión vital, cuando los trazos son grandes, mientras que las líneas entrecortadas indican inhibición, tendencia a la introversión.

  LA FORMA.

El niño pequeño no tiene en cuenta al dibujar las proporciones reales de las cosas, sino el valor que para él tienen. Por ejemplo, en el dibujo de la familia tiende a hacer a la madre más grande que al resto de los personajes. Esto es importante porque el niño se sirve de su obra para darnos su mundo, su visión.

Según la forma el niño diferencia espacios gráficos y representa elementos. Con la forma intenta decir algo.

La conquista de la forma en el plano gráfico va ligada a la manifestación de competencias que ya son más complejas que en el plano cognitivo.

Resulta contraproducente contribuir en Educación Plástica a la formación de estereotipos, surgiendo formas convencionales de representación de algunos objetos. Tampoco debe intervenir metodológicamente el educador haciendo que los niños representen objetos recurriendo a configuraciones comunes, como por ejemplo “la redondez del sol”. El modo como el niño representa esa redondez, los colores que utiliza, su colocación en el espacio, etc., constituyen las interpretaciones personales, creativas, que deben ser potenciadas en la escuela.

No se trata de que el niño sea “realista” y “fiel” en la reproducción de un objeto, lo importante es asegurarse que éste haya llevado a cabo muchas experiencias con los objetos, que haya podido observarlos desde diversos puntos de vista,…

  EL VOLUMEN.

El volumen puede expresarse mediante el dibujo o bien mediante plegados, modelados, collages.

En los dibujos son característicos el uso de transparencias y perspectivas. En el modelado, a veces el niño empieza a construir figuras planas. Esto se debe a que intenta representar las cosas como en el dibujo. Al intentar ponerlas de pie, se da cuenta de que se caen y, esto mismo, junto con la observación de la realidad, le lleva a dar corporeidad a los objetos.

Se observan dos formas de trabajar el modelado: la de los niños que parten de todo y van dando forma mediante pellizcos, estirados, etc. Y la de aquellos que modelan los elementos y luego los unen. En todo caso, el niño, al modelar, va buscando la expresión de un concepto, de una realidad. Por eso sus representaciones, sus producciones, experimentan tantos cambios como vivencias vayan experimentando.

La aprehensión y manipulación de materiales moldeables desarrollan diversos estímulos sensoriales, incluido el motriz. Esta actividad implica, además del factor lúdico, la coordinación muscular y el contacto del niño con un material con el que crea formas tridimensionales.

La configuración de objetos exige la previa comprensión e interiorización de los mismos, para lo cual serán necesarios como ejercicios previos: la observación del natural, la percepción táctil y el diseño gráfico (dibujos, fotos) de diferentes posiciones del objeto que ayuden a la comprensión global.

  OBJETIVOS, CONTENIDOS, MATERIALES, ACTIVIDADES, ESTRATEGIAS METODOLÓGICAS.

  OBJETIVOS.

Partiendo del carácter globalizador e integrador de la Educación Plástica se propone el siguiente gran objetivo: “Conseguir la educación integral del niño a través de la Educación Plástica”.

El desarrollo de la coordinación óculo-manual y la progresiva precisión de las habilidades motoras correspondientes permitirán a los niños utilizar la expresión plástica para representar sus vivencias.

El objetivo general de la etapa de Educación Infantil relacionado con la Educación Plástica es según el Decreto 107/92, el siguiente:

  “Desarrollar la capacidad de representar de forma personal y creativa distintos aspectos de la realidad vivida o imaginada y expresarlos a través de las posibilidades simbólicas del juego y otras formas de representación y expresión habituales”.

Este objetivo podemos concretarlo siguiendo la progresión evolutiva del niño:

• De 0 a 3 años:
  • Desarrollar la relación entre el movimiento manual y el trazo.
  • Pasar progresivamente del garabato incontrolado al control del movimiento y formas.
  • Iniciar la expresión con dibujo y color.
  • Desarrollar la capacidad de representación de formas abiertas y cerradas.
• De 3 a 5 años:
• Desarrollar la capacidad de representar las primeras nociones gráficas de espacio topológico: dentro, fuera, arriba, abajo,…
• Desarrollar la capacidad de producir imágenes gráficas parecidos a un objeto que se quiere representar.
• Representarse a sí mismo y a los objetos.
• Desarrollar la capacidad de representar superficies y relaciones sobre ellas.
• Desarrollar la capacidad de diferenciar formas, tamaños y direcciones en el espacio.
• De 5 a 6 años:
• Desarrollar las relaciones entre los objetos y el espacio.
• Desarrollar las nociones de orientación espacial.
• Desarrollar los conceptos espaciales de verticalidad y horizontalidad.
• Desarrollar la representación de superficies y planos.

  CONTENIDOS.

Los principales contenidos a tener en cuenta en el área de expresión plástica en la etapa de Educación Infantil se clasifican en conceptuales, procedimentales y actitudinales. La Orden de 16 de Marzo de 1993 establece la secuenciación de contenidos de Educación Infantil:

  Conceptuales:

• Materiales útiles para la expresión plástica.
• Diversidad de obras plásticas que es posible producir y que se encuentran en el entorno: pintura, escultura, dibujo, diversas ilustraciones, etc.
• Procedimentales: 
  • Diversos procedimientos para representar hechos, sucesos,…
  • Utilización de las técnicas básicas de dibujo, pintura, modelado, collage,…
  • Utilización de materiales específicos e inespecíficos para la producción plástica (cera, tempera, harina, agua,…).
  • Empleo correcto de técnicas y materiales.
  • Representación de la figura humana en su conjunto y diferenciación de las distintas partes del cuerpo.
  • Percepción diferenciada de colores primarios y secundarios.
• Actitudes: 
  • Disfrute de las propias elaboraciones plásticas y las de los otros.
  • Gusto e interés por las producciones propias.
  • Respeto a las elaboraciones plásticas de los demás.
  • Interés por el conocimiento de las técnicas plásticas básicas y actitudes proclives a la buena realización.
  • Cuidado de los materiales e instrumentos que utilizan.
  • Valoración ajustada de la utilidad de la imagen (TV., cine,…).
• MATERIALES. 

Según el desarrollo del niño, el educador escogerá los materiales adecuados a su nivel. Con los más pequeños el profesor dirigirá más la sección del material. Con los mayores se dejará lugar a la experimentación.

Para la etapa del garabateo los materiales recomendados son: lápices, ceras, tizas, papel y cartulina, y como materiales moldeables la plastilina y la arcilla.

En la etapa esquemática se añaden materiales como la témpera, pincel, papel absorbente, lápices de colores, papel maché y todo tipo de material de desecho. Entre los materiales moldeables: masa de pan, pasta de sal, arcilla y plastilina.

Para los primeros contactos con materiales moldeables conviene seleccionar aquellos cuyas cualidades táctiles no provoque rechazo (frialdad, dureza, adherencia,…). Jugar con el barro tiene múltiples posibilidades pero conviene comenzar con la plastilina ya que no necesita ningún tipo de herramienta o técnica de utilización.

Tanto los materiales como las técnicas que se desarrollan con ellos los veremos más claramente en la descripción de los diferentes tipos de actividades plásticas que podemos realizar.

• ACTIVIDADES. 

En términos generales, y partiendo del concepto de educación plástica como lenguaje visual, y al igual que ocurre con el lenguaje verbal, en el que la primera actuación es enseñar a hablar, la primera función del lenguaje plástico es enseñar a ver. Así, quedamos condicionados a no realizar ninguna actividad que previamente no haya supuesto un proceso de observación, como por ejemplo la lectura de imágenes, tanto reales como fotos, dibujos,… Esta observación debe ser activa, selectiva y significativa.

Entre la gran diversidad de actividades que se pueden realizar en esta área vamos a hacer una primera clasificación de tipos de actividades plásticas: pintura, modelado y papel, que a su vez podemos clasificar según los materiales y técnicas empleadas.

PINTURA 

• Actividades al agua
• Impresión con los dedos (dactilopintura), con objetos (corcho, gomas, patatas, cebollas,…).
• Manchado: humedecer primero el papel con agua o color muy aguado. Gotear después el pincel cargado de diferentes colores.
• Soplado: gotear un pincel cargado sobre papel seco y hacer correr las gotas en diferentes direcciones soplando con la boca.
• Lavado: se pintan primero gruesas capas de color y una vez seca se lavan con el pincel o trapo limpio y humedecido consiguiéndose trasparencias en tonos ya existentes.
• Esgrafiado: sobre una capa de pintura ya seca se pinta otra igual de espesa y antes de que se seque se rayan los grafismos que queremos representar.
• Clesografía: con los colores muy aguados se mancha el papel y se dobla por la mitad, antes de que se seque, la superposición de manchas dará una solución simétrica del tema.
  • Actividades con ceras
    • Caligrafía: trazado fino con la punta de la cera.
    • Empaste: trazo grueso con la cera tendiendo a cubrir toda la superficie del soporte (papel).
    • Granulado: colorear por capas sucesivas en el papel unas veces en un sentido y otras en otro, hasta conseguir una textura uniforme.
    • Esgrafiado: rellenar la superficie que se quiere pintar con colores luminosos (amarillo, naranja,…) y luego cubrirlos con colores oscuros, para que al rayar encima aparezcan los colores claros que pusimos primero.
    • Frotado: colocar debajo del papel objetos planos (monedas, medallas, …) frotar sobre él con las ceras para que sus huellas aparezcan en el dibujo del papel.

  

  

MODELADO 

Según los objetivos concretos que se pretendan, se pueden realizar distintas actividades:

• Para el desarrollo de la coordinación motora y la percepción táctil del volumen:
• Hacer bolas, chuzos, cilindros siguiendo el método analítico hasta construir figuras.
  • Para la representación tridimensional del esquema corporal:
    • Representar primero de forma plana y por partes las figuras, después con el método sintético, un bloque.
    • Para el desarrollo de la expresión libre:
      • Modelar diferentes elementos, introduciendo el método sintético, utilizando diferentes materiales.
      • Realizar composiciones combinadas con distintos útiles que fomenten la creatividad.

Los objetos modelados se pueden decorar formando dibujos o cenefas con los dedos o con un punzón. También se pueden pintar una vez secos.

PAPEL 

Aquí se incluyen actividades simples que inciden sobre objetivos muy concretos. Todas ellas constituyen un aprendizaje básico para el desarrollo motriz de la preescritura:

• Picado: trabaja el control de la precisión, dirección y coordinación óculo-manual.
• Troceado: desarrolla el tacto y el tono muscular. Se usa como actividad introductoria a los ejercicios de recortado.
• Recortado: desarrolla un mayor control visomotríz que los anteriores. Primero con las manos después con las tijeras.
• Pegado: perfecciona el dominio de la presión táctil.
• Arrugado: se progresa en el concepto de volumen. Consiste en arrugar el papel formando bolitas.

Otras actividades plásticas más complejas son Collage, Mural (colectivo), Mosaico.

• ESTRATEGIAS METODOLÓGICAS.

La metodología se ha venido describiendo paralelamente a las actividades, pues con ellas se ve cómo el método es fundamentalmente activo, en el que el niño aprende por descubrimiento, construyendo así su aprendizaje.

Las estrategias metodológicas parten del principio de la observación del entorno, enriqueciéndose de esta manera el número de imágenes que el niño va reteniendo en su mente, de manera que se amplíen así sus posibilidades expresivas.

Esta metodología experimental enriquece su memoria y su capacidad de asimilación.

El proceso gráfico llevado a cabo como desarrollo de destrezas y estrategias de acción potencia su capacidad creativa. Este es el primer paso para generar en los niños el pensamiento independiente, original y expresivo.

En cuanto a los procedimientos metodológicos se siguen fundamentalmente dos, que pos opuestos son complementarios:

• Metodología sintética. Parte de lo general para llegar a lo particular. Por ejemplo, en modelado se configura la forma de una figura a partir de un bloque de arcilla.
• Metodología analítica. Se parte de lo particular para llegar a lo general. Por ejemplo: en modelado se hacen por partes los brazos, piernas, cabeza, etc., de una figura y después juntar todas las piezas para formar la figura humana.
• ESTRATEGIAS DE EVALUACIÓN.

La valoración de las actividades gráfico-plásticas abarcará todos los apartados vistos en los objetivos: capacidades, destrezas, actitudes.

La valoración de las actividades tiene varios aspectos, uno individual y otro como grupo en cuanto a incidencias, organización, ritmo de trabajo, interés, actitud. Además se requiere un análisis riguroso respecto a la metodología del educador.

En este análisis reflexivo de la metodología hay que tener en cuenta tres aspectos:

• Análisis de la organización. El educador debe tener una visión conjunta y progresiva de los objetivos a alcanzar en un periodo concreto, además de programar objetivos a largo plazo. Debe coordinar las actividades y proponerlas con claridad.
• Análisis de la actitud. Se debe reflexionar sobre la predisposición del educador para trasmitir un clima estimulante. Si se realiza o no un seguimiento individualizado del alumno, evita la rutina, adecua las actividades a los objetivos educativos, procura que las actividades sean más importantes que el resultado.
• Análisis del procedimiento.
  • Según sea la actividad, habrá que valorar en función del número de alumnos si será operativa, ya que en la atención individualizada es fundamental esta consideración.
  • Conocer los recursos materiales de que se dispone, incluyendo el espacio físico.
  • Preparar con anterioridad los materiales necesarios.
  • Prever alternativas por si falla algún recurso didáctico.
  • Seguir un orden coherente con los progresos cognitivos y las destrezas motoras.
  • Que el proceso no sea asfixiante, dejando que el niño confíe en sus capacidades y experimente la sensación de haberlo conseguido o intentado.

En la evaluación de las actividades plásticas es difícil valorar cuantitativamente los aspectos expresivos sin caer en valores subjetivos. Se puede llevar a cabo una lista de control sobre los diversos aspectos: comprensión , percepción, interpretación, realización, desarrollo visual, expresándola en términos como: comprende, no está interesado, lo domina, lo desconoce,…

• MODELOS Y ESTEREOTIPOS.

Todo el enriquecimiento que produce el desarrollo de la capacidad plástica puede quedar coartado por el uso de estereotipos (copias y modelos).

Los estereotipos constituyen un anquilosamiento en los esquemas gráficos, ya que se producen sin variación alguna, no como los esquemas normales de desarrollo del niño. Estos estereotipos se deben a la inseguridad o al miedo de cambiar de esquemas y no saberlo realizar correctamente. Esta inseguridad viene generada por el choque que le produce el cambio en su forma de dibujar y los criterios del adulto.

Los dibujos que el profesor realiza para que el niño trabaje suele ser la forma más frecuente de estereotipo, y es uno de los medios más habituales de coacción. Aspecto que puede ser fácilmente evitable con una explicación por parte del profesor sobre la no necesaria reproducción de sus dibujos, y la consiguiente valoración positiva de dibujos diferentes.

BIBLIOGRAFÍA.

CABANILLAS, J. “Formación de la imagen plástica en el niño”.

CASADERMONT. “Educación visual y expresión plástica en la Escuela Infantil de 0 a 6 años”.

LOWENFELD. “El desarrollo de la capacidad creadora”.

REAL DECRETO 1333/91 DE EDUCACIÓN INFANTIL.

 

 

¿Qué es educar a través de las artes y lo visual?

 

 

A medida que el tiempo va pasando, aparecen diferentes modelos de educación artística, a continuación voy a citar cuatro de ellos.

 

Empezaré hablando del Modelo A, educación artística basada en el proceso vinculada al sistema educativo, aparece en el siglo XVIII este modelo busca que los alumnos aprendan dibujo técnico, artístico y otras destrezas o procedimientos artísticos.

 

 

Se basa en la perfección de la obra, el resultado debe quedar técnicamente bien hecho, detalladamente confeccionado. Este modelo se basa es la estética del trabajo, es buscar objetos bellos.

Este modelo utiliza la copia y reproducción de otros modelos o de la realidad, este modelo también enfatiza el mimetismo y la norma.

 

De esa concepción antigua podemos utilizar algunas cosas:

 

Podemos intentar que los niños utilicen materiales y enseñarles procedimientos para que aprendan a dibujar, sin ser muy exigentes, hay que buscar resultados acordes con su edad.

A partir de los 10-12 años, si aparece la necesidad,  podemos enseñar a dibujar tradicionalmente.

Es necesario saber usar materiales y procedimientos. Es bueno saber dibujar.

Nos ayuda a dominar la psicomotricidad fina.

Introduce hábitos de orden y autodisciplina en el trabajo.

Refuerza la capacidad de atención.

Desarrolla la apreciación y la expresión estética.

A los niños les suele encantar.

Lado derecho del cerebro.

Y PERMITE HACER ARTE, sin materiales y procedimientos no se puede hacer nada. 

 

Este modelo no me parece correcto en su totalidad, es necesario hacer que el niño pinte y dibuje, porque dibujar es bueno para su desarrollo pero siempre y cuando sea algo espontáneo y natural, hay que dejar al niño libertad, sólo y únicamente así será creativo, único y exclusivo en lo que hace, se lo llevará a su terreno y lo hará personal. No veo correcto la copia puesto que hace que todo esto que he comentado se pierda, y esa es la magia del dibujo lo que transmite verdaderamente, ¿además quién decide lo que es arte?

 

El Modelo B) Surgió a principios del S.XX, consiste en la autoexpresión y toma  mayor importancia después de la segunda Guerra Mundial, en este modelo lo que interesa es la creatividad, clasificada como una parte de la Educación Artística.

 

 

Se plantea la necesidad de la estética (apreciar por crear).

La obra de arte ya no necesita imitar o representar objetos o sucesos de la naturaleza.

Crisis de la “representación” y las “convecciones“ hacia la expresividad “espontánea, no deliberada.

Pero esconde muchas falacias 

Si se expresan “en libertad”, ¿para qué hace falta el docente?

Falacia del “artista nace, no se hace”

El desarrollo de la creatividad exige aprender a plantear y solucionar problemas nuevos, a ir a zonas desconocidas. Los niños a menudo se repiten incansablemente

Pero es bueno fomentar la expresividad y lo creativo 

Los niños utilizan el arte y el dibujo con naturalidad: es un medio de conocer y narrar

Es bueno ayudar a los niños –y a los adultos- a que sepan expresarse

Hay que evitar que los niños se conviertan en imitadores de los mayores, evitar romper su desarrollo natural

Ayuda a desarrollar el pensamiento divergente.

Muchas cosas no son creativas, ni aún menos autoexpresivas, y son necesarias (por ejemplo el dibujo técnico, el uso correcto de las técnicas, etc.)

Este modelo se basa en el mito de Van Gogh, quien argumenta que antes de ser tan “expresivo” ha tenido que trabajar muy duro anteriormente, y haber realizado numerosos dibujos. Se basa también en el dibujo infantil, el cual dice que los niños no son totalmente espontáneos, ya que los dibujos de los niños están llenos de estereotipos.

Esto es totalmente cierto, como dice Van Gogh sin un duró y constante trabajo no hay buenos resultados, el artista no nace artista se hace, se va formando y adoptando aptitudes y conocimientos que irá mejorando empleando muchas horas en una misma obra.

 

 

Y también mencionar que cuando algo empieza mal acaba mal, lo mejor es volver a intentar y probar hasta que el resultado sea satisfactorio, no cara al público sino para personalmente.

 

Modelo C)

 

Educación Artística para el desarrollo de la percepción y la alfabetización visual
(FORMALISTA, DE LENGUAJE VISUAL).

 

 

 

Consiste en el lenguaje visual, aparece en la LOGSE e intenta hacer disciplinar la materia.

En este modelo hay que educar al niño como consumidor de imágenes y que intentan leer el significado explícito e implícito de las imágenes.

Este modelo también afirma que hay un lenguaje visual, y que los niños tienen que aprender sus componentes (punto, línea, color, etc…).

Y aprovechó la traducción de libros muy importantes, pero escritos a veces décadas antes.

 

Aunque este modelo tiene problemas como todos:

 

El arte no es un lenguaje. El uso excesivo de las imágenes y de los colores puede llegar a entorpecer el aprendizaje de los niños. Las personas somos las que construimos la realidad a través de las imágenes (esto no lo hace este modelo).

Este modelo también puede ser algo aburrido para el niño, y puede llegar al desinterés y la desgana del alumno.

 

En este modelo la “lectura de imágenes” no aporta a menudo ninguna información para entender las imágenes.

 

Lo que importa en una gran mayoría de obras es el contenido, los significados (conscientes o no).

 

 

MODELO D) Educación Artística para la comprensión crítica y performativa de la CULTURA VISUAL.

 

 

Aparece en el S.XX, este modelo es el mejor en mi opinión puesto que complementa a todos los demás y es el más acertado para el alumno.

Posee temas más acordes con el niño, es más abierto, pasa de lo tradicional a un campo más amplio de posibilidades como todo lo visual, el objetivo es que el niño no lea las imágenes sino que trate de comprenderlas y saque sus propias interpretaciones sobre lo visual, es un modelo más libre y mas creativo para el niño, el alumno no es un simple consumidor de imágenes, las imágenes influyen en él y pueden cambiar su forma de actuar y de ser, pero debe convivir con ello, y reflexionar sobre los modos en que se construye la  identidad propia y de los demás,

Lo interesante no es tanto “aprender a dibujar”, como aprender a usar el dibujo.

Este modelo es el que hemos ultimado en clase, aunque teniendo en cuenta aportaciones de los otros tres.

Y teniendo en cuenta también que contemplar y crear objetos artísticos es algo valioso por si mismo: es un placer y un modo de conocer.

 

Si queremos basar nuestra enseñanza en este modelo cualquier imagen va a ser válida, lo único que debemos de tener claro que para comprender es necesario saber y hacer.

Para finalizar, solo me queda decir, por si no ha quedado claro que me postulo por el Modelo D, ya que al niño hay que darle libertad para pensar actuar, sentir, ser…Solamente de esta manera el niño desarrollará todas sus cualidades al máximo y sorprenderá con sus avances y podrá realizar sus metas.

 

 

 

Propuesta Didáctica

Mi propuesta didáctica para este tema, estará dirigida para alumnos del segundo ciclo de educación primaria. Tendrá una duración de una semana, utilizaran una hora al día del horario de clase, será a tercera hora, independientemente de la asignatura que le pertenezca esa hora. La actividad constará de un taller, en el que grupo (No más de tres personas)deberá elegir un monumento histórico de Andalucía, y partiendo de ahí deberá hacer una investigación profunda sobre por qué es tan importante o tan conocido el monumento elegido.

 

 

Aunque a simple vista parezca una actividad fácil, como pienso que es demasiado complicada, los niños contarán con la ayuda del profesor, para que no se salgan del enfoque que le queremos dar a la tarea.

Con esta actividad tengo como objetivos:

• A nivel social
• Favorecer la expresión y comunicación a través del lenguaje plástico.
• Valorar de forma positiva el trabajo en común.
• Favorecer la socialización, colaboración y cooperación.
• Favorecer la participación de padres y madres.
• Cambiar el rol del maestro.

• A nivel de hábitos y actitudes
• Favorecer y reforzar la organización espacio temporal.
• Desarrollar hábitos y destrezas.
• Fomentar el orden, limpieza, constancia, responsabilidad, participación.
• Favorecer el gusto por disfrutar con las creaciones plásticas propias y de los demás.
• Desarrollar el hábito de la experimentación.
• Fomentar actitudes cooperativas, críticas, creativas y de investigación.
• Favorecer y basar la confianza en el respeto a los demás.
• A nivel didáctico
• Favorecer el carácter lúdico del niño como medio de aprendizaje.
• Fortalecer la motivación.
• Desarrollar la observación y experimentación como fuente de conocimiento.
• Favorecer la reflexión y la creatividad.
• Desarrollar diferentes técnicas específicas que amplíen el lenguaje plástico del niño.

Y para finalizar decir que este tema me ha costado más esfuerzo y se me ha hecho muy díficil, le he tenido que emplear más tiempo y espero que lo los resultados sean buenos.

TEMA 6: EL CONOCIMIENTO COMPLEJO.

 Introduciré el tema con una trama conceptual que nos servirá como guión del tema 6.

trama tema 6

TEMA 6: LAS IMÁGENES Y LO VISUAL COMO CONOCIMIENTO COMPLEJO.

                     

En cada imagen visual que percibimos tenemos presentes diferentes aspectos del ser humano.

  

  

Vivimos en una sociedad donde todo lo que nos rodea son imágenes.

Las imágenes nos llegan a través de diferentes medios, como la gran pantalla, fotografías, móviles…).

  

                               

  

Todas ellas nos influyen sin que seamos conscientes, nos forman y nos hacen ser como somos y actuar de una manera determinada.

Pienso que en esta sociedad tan manipulable y increíblemente convencedora, nos falta personalidad, llevar todo a nuestro terreno y a partir de ahí, decidir cada cual como quiere ser, vestir, actuar, incluso como quiere enamorarse, de qué manera.

Todo esto se nos hace grande, no sabemos decidir por nosotros mismos, y pienso que a medida que las tecnologías avanzan y que personas con ansias de poder manipulan nuestro ser, en un futuro esto va ir creciendo, y la sociedad podrían llegar a ser como “robots” que solamente tendrían una función  predeterminada de actuar manejada por otra persona.

  

  

Por todo esto acentúo el concepto de personalidad, debemos tener claro que la personalidad es algo único de cada individuo, y es lo que nos caracteriza como entes independientes y diferentes.

Debemos observar la realidad con un ojo curioso, y tener consciencia de lo que está pasando de hasta que punto nos puede influir las imágenes.

  

  

Nuestra comprensión del mundo depende de ellas. Nuestra realidad se construye desde ellas y con ellas:

• Porque “construimos el mundo” a través de ellas. Nuestra idea de la red de Metro es a menudo más el plano del metro que la red real de túneles y estaciones. El bombardeo de Guernica es más el cuadro de Picasso, que la verdad del bombardeo

(Aznárez, 2004; Aznárez et al, 2006). Además. las TIC, la TV o el cine describen un cierto mundo exterior.

• Porque vivimos un mundo de visualidad expandida: podemos ver el interior de nuestros cuerpos en una resonancia magnética o la imagen de los huracanes desde un satélite. De alguna manera nuestros sentidos se han acoplado a las máquinas que hacen esto posible (satélites, aparatos médicos, vídeos domésticos), y dejaríamos de comprender aspectos completos de la realidad si nuestra interacción con estos potentes instrumentos cesara.

• Porque al final las imágenes no son sólo representaciones: son parte de nosotros y nos construyen (Hernández, 2000). No podemos separar nuestro modo de entendernos a nosotros de las imágenes que nos rodean o de las imágenes que nos registran y/o explican (fotos de la niñez, de la boda, videos domésticos, modos de elegir ropa o mirarnos, etc.).

 

(www. http://congreso.codoli.org/area_2/Aznarez-Lopez.pdf).

 

 

 

Después de haber introducido el tema con una reflexión sobre las imágenes, voy a centrarme más en las personas que componen esta sociedad tan inocente.

 

Toda la humanidad a lo largo de su vida tiene una preocupación constante con la muerte aunque es distinta la reacción que reflejan ante ésta, cada religión se aferra a algo diferente ya sea por miedo, esperanza o por buscar una respuesta a lo que es la vida en sí.

  

  

En otro aspecto que coincide todos los componentes humanos es en la obsesión por la temática sexual.

  

               

  

Los seres humanos somos tan diversos como tantos granos de arena existen en un desierto o en una playa. Diversos en nuestra forma de ser, pensar, actuar, percibir, entender, vivir. Se puede afirmar que en nuestra existencia todo es diversidad y la manera en como vemos la sexualidad no es una excepción.

La sexualidad forma parte integral de la personalidad y su ejercicio placentero es básico para el bienestar individual y social de las personas. Como una forma de comunicación, esta relacionada con lo que sentimos, pensamos y hacemos con nuestro cuerpo.

La Diversidad Sexual se refiere a las distintas formas que existen en los seres humanos sobre su sexualidad, desde los aspectos biológicos, psicológicos y sociales. También esta relacionada con temas como las orientaciones sexuales y con las distintas posibilidades de expresar nuestra sexualidad.

Analizar la relación entre sexos, sexualidades y diversidad sexual nos obliga a reconocer las insuficiencias de los referentes culturales que hasta el momento hemos construido y comenzar a sustituirlos por una visión más cercana a las realidades humanas, basada en la necesidad de crear y respetar nuevas normas que reconozcan la existencia de la diversidad sexual, con sus correspondientes derechos y deberes, límites y posibilidades por medio de los cuales se organiza socialmente la vida erótica.

Una visión que contribuya a eliminar la dominación y subordinación sexual, como garantía de nuevas relaciones sociales y sexuales, de nuevas oportunidades de placer y elección.

“La sexualidad tiene tanto que ver con las palabras, las imágenes, los rituales y las fantasías como con el cuerpo. Nuestra manera de pensar en el sexo modela nuestra manera de vivirlo. Le otorgamos una importancia primordial en nuestra vida individual y social debido a una historia que ha asignado un significado central a lo sexual. No siempre ha sido así. Y no será necesariamente siempre así.”( Jeffrey Weeks).

 

 

 

 

En cada imagen están presentes distintos componentes de lo humano que interaccionan entre sí:

 

Ser humano.

 

 

 

Ser social. Dependemos de la sociedad.

 

 

 

Ser cultural. Dependemos de nuestra cultura, formamos parte de ella, tenemos una serie de costumbres, creencias… que nos identifican.

En nuestra cultura, es típico que las mujeres se casen de blanco, en otras culturas el blanco es símbolo de luto.

 

 

                 

 

 

A continuación voy a centrarme y comentar profundizando en el ser individual.

Cada cerebro es completamente distinto, por consiguiente el conocimiento es individual, y hay que hacer una construcción de nuestra forma de ser, pensar y actuar personalmente.

Nadie maneja tu mente, pueden influir en tus pensamientos, pero tú y solamente tú eres el dueño de tus actos.

Cada persona tiene una historia distinta, una realidad distinta al resto del mundo.

A pesar de que todos los humanos tenemos características comunes, también tenemos características distintivas. 

 Las imágenes es el producto final de muchas interacciones.

La realidad no es simple, hay que intentar llegar a la “capa principal”, donde tú encuentras tu realidad.

Como ya hemos comentado en algún que otro tema, las imágenes influyen sobre un todo, tienen poder sobre la mirada, el pensamiento…

Ante todo debemos ser conscientes de todos estos aspectos, y empezar a mirar e interpretar por nosotros mismos.

 

En clase pusimos un ejemplo de una obra (La piedad, de Miguel Ángel), con la finalidad de analizar y comentar los diferentes puntos de vistas de todos, en cuanto a que sabíamos o que pensamos de esa obra.

 

Cuando en el instituto dimos clases de historia del arte, aprendimos sobre esta escultura:

• Es la única escultura firmada por Miguel Ángel, está hecha en carraga, es una virgen joven, la mano de la virgen tiene señal de ofrecimiento, está en San Pedro del Vaticano, detrás de un Cristal blindado, por seguridad de a su integridad, tiene forma de estructura piramidal…

 

 

 

 

Pero quedan muchas incógnitas como:

 

¿Qué es carraga?

¿Quién es Miguel Ángel? Sabemos que era un escultor,  pintor… que dejó muchas obras inacabadas, pero ¿Esto es lo único que conocemos? Es lo único que nos han enseñado y no lo sabemos aplicar a ningún contexto. Al igual que, tampoco, sabemos aplicar Carraga, ni sabemos nada de San Pedro del Vaticano, sólo sabemos de ésta iglesia que hay muchas obras, ya que está cerca del Papa y éste necesita esculturas ya que es signo de grandeza y de poder.

La interpretación también debe su pluralidad a un encuentro de contextos: tanto la obra como su lector/a tienen una historicidad que produce una tirantez al momento de la interpretación.

 

“Interpretar es hacer próximo lo lejano”.

Conocemos la Piedad de Miguel Ángel, tenemos conocimiento de que es una obra importante, entró en selectividad, pero de lo que no somos conscientes es del por qué. Esta obra es importante para nosotros porque alguien ha decidido que así sea.

 

 

 

 

Sacamos infinitud de respuestas y puntos de vista, con las cuales como persona individual que soy no estaba de acuerdo en algunas…

Un ejemplo sería: Un compañero dijo que La Piedad no transmite como la Virgen de la Macarena.

¿Existe algún tipo de influencia por la cual él sienta una gran devoción a la Virgen de la Macarena?

¿En qué se basa para hacer tal afirmación?

 

Como ya he mencionado antes, toda respuesta es única, podemos estar de acuerdo o en desacuerdo pero todos pensamos de manera diferente. Yo diría que es una individualidad de raciocinio, en el cual influyen muchos aspectos, vivencias de nuestras vidas propias.

 

Llegada a esta conclusión cabe a destacar que lo importante de las obras es lo que nos transmiten a cada uno.

Tenemos que aprender a mirar lo que tenemos delante y después intentar reconocerlo.

 

También hicimos una trama con un tema importante: Jesucristo.

Fue fácil hacer la trama ya que este tema en nuestra cultura es primordial.

No obstante, en mi opinión “la historia de nuestro señor Jesucristo”, es una leyenda creada con la finalidad de quitarle importancia a la muerte. Las personas se aferran a la religión e intentan imitar la vida de cristo por miedo, como salvación para llegar a la vida eterna.¿Qué vida eterna?.

Pienso que las personas deberían preocuparse más de disfrutar de la vida y dejar de pensar en lo que llegará o prepararse para lo que creen que hay después de la muerte.

 

A)        Es preciso huir de las “INTERPRETACIONES CORRECTAS”.

 

La escuela suele dar interpretaciones únicas. Y trabajamos con interpretaciones posibles y distintas.

A los niños hay que dejarle libertad de expresión, y darle voz para que digan lo que piensan, hay que escucharlo y dejarlo que argumente.

Para llegar a ser buenos maestros no hay que ceñirse a lo q viene en los libros de texto, hay que conectar las cosas con la realidad.

No se trata de aprender sino cuestionar, intentar comprender todo lo que nos rodea.

 

B)        Las artes son “MATERIAS MAL ESTRUCTURADAS.

 

Hay materias que tiene una estructura muy clara y constante, sin embargo otras no tienen esas estructuras. Por ejemplo historia no se ciñe a ninguna regla a diferencia de las matemáticas o la física. Especialmente las artes están mal estructuradas.

Hay algunos conceptos elementales que son parecidos en todas las obras: dinámica de las formas, del color, etc…

 

C)        El conocimiento es complejo.

 

Aunque en la escuela nos intenta siempre convencer de qué la realidad es sencilla, no es así en absoluto la realidad es compleja.

En el curso de libre configuración Fernando Hernández mencionó algo que me llamo mucho la atención y es que el 30% del contenido de los libros de textos es falso. Por eso es necesario obtener información de diferentes fuentes para sacar conclusiones propias desde diferentes puntos de vista acomodadas a la de uno mismo.

 

  

  

D)        El valor cognitivo de las artes.

 

El valor cognitivo abarca el conocimiento, las imágenes tienen un alto valor cognitivo.

 

Hay varios tipos de valor cognitivo:

Argumento de la flexibilidad cognitiva: es un campo abierto, no importan tantos las obras, el lenguaje exacto solo sirve en las matemáticas. Pero se emplean metáforas para decir otras cosas.

Argumento de la integración del conocimiento: La realidad hay que analizar desde varios puntos de vistas y permite conectar con el mundo vivido

Argumento de la imaginación: la imaginación es un argumento importantísimo en el niño. Si le enseñamos a todos los mismo, los niños no van hacer creativos, ni van a pensar diferentes. Deberíamos brindarles a los niños un mundo libre donde cada uno construya su realidad y le ponga imaginación y creatividad a la vida.

Argumento estético: los seres humanos son los únicos que quieren hacer del mundo un mundo estético, donde todo sea perfecto, bonito, donde hay tecnologías, etc…

El objetivo de enseñar arte es contribuir a la comprensión del paisaje  social y cultural en el que habita cada individuo.
(Arthur Efland, 2005).

 

Tema 6B: TIPOS DE IMÁGENES.

Utilizamos las imágenes para representar la realidad aunque en muchas ocasiones estas representaciones son falsas o no son lo que parecen.

 

 

 

  

 

 

 

 

 

 

 

 

Según el grado de real que sean, o lo que mayor se parezcan a la realidad son más figurativas o menos.

Máximo grado de figuración: hiperrealismo y mímesis (copia de la realidad)

 

 

 

Mínimo grado de parecido con la realidad: abstracción

 

 

 

TIPOS DE IMÁGENES SEGÚN SU FUNCIÓN.

Las imágenes tienen diferentes funciones de cara al público, cada una de ellas tiene una intencionalidad muy diferente. Existen diversos tipos:

Las imágenes pueden ser informativas, como su propia nombre indica sirven para informar a un grupo de personas sobre algún tema en concreto. Dentro de este tipo de imágenes hay diferentes subtipos: científicas, explicativas…

 

 

Otros tipos de imágenes pueden ser Ornamentales, Conmemorativas, Publicidad, Entretenimiento, Pornografía, etc…

 

 

 

Y por último hablaríamos de las imágenes “Obras de arte”.

¿Qué es arte y que no lo es?

El arte no es algo que se pueda explicar con palabras, hay obras muy confeccionadas y que nunca llegan a ser arte y otras menos trabajadas y más naturales que es arte puro.

 

 

 

 

 

 

Se han ensayado muchas posibles definiciones de Arte:

• Según la técnica: escultura, pintura, etc. eran arte
• Según su calidad estética y/o plástica
• Según la función que cumplían
• Según la intención de su creador
• Etc.

 

 

 

 

El arte en todo los tiempos han servido para distintas funciones: decorativas, informativas, publicitarias…

El objetivo del arte debería ser una forma de expresión, donde todos reflejemos sentimientos, pensamientos y lo más importantes que sean PROPIOS. El arte sin influencias, algo natural, espontáneo…Sería la mejor forma de arte.

Todos podemos hacer arte solo tenemos que ponerle personalidad y expresividad, que cada obra sea diferente a las demás porque somos personas individuales.

 

 

 

Tema 6 C: Canales de difusión.

Las imágenes como ya hemos mencionado son representaciones de la realidad, y nos llegan por diferentes medios como puede ser televisión, publicidad, Internet…

A medida que las tecnologías avanzan nosotros podemos manipular más las imágenes de tal manera que pueda parecer verdaderamente creíbles.

Como también hemos mencionada en otro tema somos parte del espectáculo, la sociedad no ha sabido separar o no han puesto límites a su vida privada. Vendemos ó ofrecemos gratuitamente todo nuestro ser o nuestras vidas sin saber quien va estar detrás observando.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La posibilidad de crear y/o manipular y retocar imágenes (e informaciones) también permite, por primera vez en la historia, tener a nuestra disposición un canal masivo de distribución de imágenes.

 

 

 

Es de suma importancia saber, ¿Quién posee el control de los canales?

Detrás de toda la publicidad y cadenas que vemos en televisión, detrás de todas las emisoras de radio que escuchamos, de todos los periódicos que leemos, etc…Exite algunas persona poderosa con algún tipo de interés.

 

 

            

Como conclusión a este tema pienso que lo importante hacer comprender al niño que la realidad es compleja, que hay que aprender a mirar críticamente y sobre todo comprender lo que se cuenta lo que esta oculto o lo que tiene otras intenciones. Y ser seres individuales con identidad propia, personalidad y ser Ellos Mismos.

 

 

 Propuesta Didáctica

Mi propuesta didáctica estará dirigida para alumnos de primer curso del segundo ciclo, he elegido este curso porque creo que a esta edad ya están preparados para realizar esta actividad.

La actividad durará dos semanas, dedicándole una hora al día, y se efectuará en las clases de educación artística puesto que vamos a realizar trabajos manuales y necesitaremos material y una aula adaptada para esta actividad.

El objetivo de cada alumno será crear un objeto, con el material que deseen plastilina, papel, pinturas, algodón, legumbres…Con el cual deberán representar algún tema importante; un ejemplo sería el hambre en el mundo, después de haber realizado el objeto, tendrán que justificar y decir porque creen que su objeto merece más nota como con una especie de anuncio donde lo defiendan delante de clase. Se valorará la creatividad, el esfuerzo, naturalidad, y lo más importante que sea único y no haya tenido influencia de ningún objeto o juguete visto en televisón, publicidad…

 

 

Con esta actividad quiero que el alumno cree, piense, construya su propio juguete, sin influencias de nadie. Es muy importante que el alumno decida su tema, se lo lleve a su terreno y haga lo que el desee.

Otro objetivo de esta actividad será la elección del juguete más original, ya que le haremos una “crítica” aquellos que no sean naturales y esten acondicionados a lo que gusta, no a lo que ellos sientan.

El juguete ganador será colocado en un lugar de clase importante donde su apreciación sea evidente, y los demás serán también repartidos por clase para gratificar el esfuerzos de los niños.

La actividad tendrá los siguientes puntos:

-Elección del tema. (3 ptos) Se valorará la originalidad del tema.

-Elaboración del objeto.( 3 ptos) Se valorará todo: materiales, esfuerzo, y sobre todo la creatividad.

-Defensa de por qué es el mejor.(2 ptos) Se valorará el don de palabra del niño, pues quizás ninguno sepamos apreciar su obra maestra y tiene algo curioso y oculto.

Y los 2 ptos restantes serán regalados por el simple hecho de haber intentado hacer arte.

Pienso que con esta actividad tan amena habremos tocado temas importantes como la creatividad, originalidad, personalidad, autocrítica, superación, esfuerzo…

EL PATRIMONIO

 

EL PATRIMONIO

 

 

El patrimonio es el conjunto de bienes y obligaciones de una persona consideradas como una universalidad de Derecho, una unidad jurídica. El patrimonio es un receptor universal, que no varía por las modificaciones a su contenido.

En Derecho civil se conoce como teoría del patrimonio, a aquella que define y estudia el concepto de patrimonio y su participación en las distintas relaciones jurídicas entre personas. Estos conceptos expuestos por diversos tratadistas y autores renombrados, como los franceses Aubry y Rau, Carbonnier y Baudry-Lacantineri.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Artículo: Venecia 1989

 

 

 

Nos hacemos una idea previsualizada de lo que es “Venecia” y tenemos tanta información y opiniones que cuando realmente vemos “Venecia”, nos quedamos impactados porque la información no se acerca a la realidad que estas viendo.

Muchas veces más que lo tenemos delante vemos el nombre (nominalismo).

 

La realidad es muy compleja y cuando simplificamos perdemos muchas sensaciones de la realidad.

La realidad que da la escuela es una simplificación de la realidad. “A los políticos le convienen, así nos convencen con 3 palabras”.

Como testimonio, un trocito del pasado que aún sobrevive en el presente.

 

El patrimonio no existe con patrimonio. La sociedad representada por un alcalde decide lo que es patrimonio.

El patrimonio es una decisión política. En el siglo XX se inventó una Sevilla nueva.

El patrimonio de Sevilla es algo estético y los sevillanos están obsesionados con la estética.

El patrimonio que nos queda es una selección. Se conservan iglesias, castillos…

La definición de lo que somos viene determinada por la iglesia y el poder…¿Y el pueblo qué?

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Las obras son poliédricas

 

Esto significa que tiene muchas caras y cada una diferente pero todas conformas la figura.

Si solo vemos una cara de la figura no nos quedamos con la realidad, deberíamos ver todas las caras, cuanto más mejor.

Los negros americanos tienen un nivel educativo muy inferior a los blancos americanos.

1. Los negros son unos vagos y no trabajan.
2. Los negros tienen mayor fracaso escolar, porque tienen menos economía, formación cultural, necesidades económicas…

 

 

 

 

 

 

 

La Cartujar se funda en la edad media: Los monjes viven en castidad, con un presupuesto económico mínimo, comen y duermen poquísimo…

 

 

 

 

 

 

Las obras son seres sociales

 

Nos plantean interrogaciones no solo sobre ellas, sino sobre nosotros y la realidad.

“La mirada”- ¿Que esperamos de una obra de arte?

El patrimonio es un poder elegido por los políticos y especialistas relacionados con ellos.

Las obras de artes ¿Nos plantean algo sobre nosotros?

Estamos adecuados a admirar el arte (parecido a la religión), lo importante es saber que dicen los cuadros, de qué nos habla, que intenta reflejar…

Las obras tienen significados cambiantes.

David era una representación religiosa que después se convirtió héroe que acabó con Gloliat…

 

La mejor interpretación es la que hace uno mismo.

“La opinión en el vacío es la estupidez”.

El valor atribuido varía.

Un ejemplo de libro sería El poder de las imágenes.

 

Mediadoras

 

Nos relacionamos a través de objetos mediadores. En nuestra 1ª vez ya tenemos mucha información obtenida a través de las imágenes y nos intentan contar como es la realidad (ejemplo: Película Porno).

 

Las imágenes fijan la realidad porque son para siempre.

Las imágenes median entre nosotros y la realidad.

Las imágenes construyen nuestra mirada.

 Las obras son mediadoras, construyen nuestra mirada: Las obras están vivas, ya que influyen en el modo de ver y entender lo que nos rodea, así como a relacionarnos con otras personas y poder entenderlas.

 Las obras son facilitadoras de interpretaciones: Las obras y el patrimonio nos dan información de la cual una parte proviene de relatos de expertos, siendo el relato subjetivo y parcial, su metodología está teñida de ideologías y condicionantes que varían según cada experto. “La escuela ideal debería de evitar un relato único”.

 

 

 

Hay que enseñar al niño a construir su opinión de diversas, que sepa que la realidad es muy compleja, no se resume con el libro de texto.